Tema 2. Renacimiento y
Clasicismo

Introducción

Conocemos como
Renacimiento el periodo de la historia europea que comprende, sobre todo, el
Siglo XVI, aunque los límites cronológicos varían de un país a otro. Así, por
Ejemplo, en Italia muchos rasgos de este periodo ya están presentes en el siglo
XIV, mientras que en Inglaterra, hasta bien entrado el XVI no se inicia. Es,
Ante todo, una nueva concepción del mundo, lo que supuso profundos cambios en
Todos los ámbitos de la vida humana:

-En lo político, se
Debilita el sistema feudal en correspondencia con el fortalecimiento del poder
Real y el consiguiente proceso de formación de los estados modernos.

-En lo económico, se
Afianza la burguésía como consecuencia del crecimiento de las ciudades. Esto
Trae aparejado el crecimiento de actividades industriales y comerciales.

-En el ámbito científico
Se produce una auténtica revolución, fruto de la inquietud intelectual (estudio
Del cuerpo humano, descubrimiento de la circulación de la sangre, estudios
Astronómicos de Copérnico y Galileo…).

-En lo religioso, cobran
Gran fuerza los movimientos religiosos reformadores, ávidos por devolver a la
Iglesia su pureza evangélica y por acabar con las prácticas escandalosas del
Clero. Se propagan las herejías y la unidad de la Iglesia cristiana se deshace.

-El arte desarrolla una
Estética basada en el Neoplatonismo, revisión de la idea de que el mundo es
Bello porque refleja la belleza de Dios. Este amor a la belleza hace al hombre
Partícipe de la obra divina. La búsqueda de la belleza natural explica las
Carácterísticas del arte renacentista: equilibrio, armónía, orden, claridad e
Idealización.

-Se amplían también las
Fronteras geográficas, es la época de los grandes descubrimientos, fruto de la
Inquietud del nuevo hombre y del desarrollo del comercio.

-Por último, como causa y
Consecuencia de todo lo anterior, estos cambios son paralelos al desarrollo del
Humanismo, movimiento cultural originado en la Italia del XIV que
Refuerza el cambio de mentalidad al situar al hombre en una posición de
Dignidad y en un mundo que pretendía conocer y disfrutar. Rechaza el teocentrismo
Medieval por un antropocentrismo que, a su entender, sólo en la época clásica
Había conseguido convertirse en realidad. De ahí que los humanistas se apliquen
A la tarea de recuperar y propagar a los autores clásicos, a los que toman como
Modelos. Paralelamente, se aboga por el aprendizaje del latín y el griego como
Manera directa de acceder a estos autores. A la vez que se propugna la
Dignificación de las lenguas vulgares. Para esta empresa es fundamental la invención
De la imprenta en el Siglo XV.

2.1. Humanismo y
Renacimiento: Dante, Petrarca y Boccaccio

En Italia se dan con
Bastante anterioridad las circunstancias apropiadas para el advenimiento de
Esta revolución social y cultural. El cambio en las estructuras económicas,
Propiciado por la llegada al poder de la burguésía en las ciudades estado
Italianas durante el XIII, es el motor del cambio de mentalidad (importancia del
Individuo, revalorización de lo material y arraigo en lo terrenal) con el que
Se inicia el Renacimiento.

Dante Alighieri

Durante el XIII
Conviven dos corrientes poéticas en Italia: la de tradición
Provenzal-trovadoresca (con sus reglas y convenciones del amor cortés) y la de
La escuela siciliana que aporta innovaciones formales como el verso endecasílabo,
El heptasílabo o el soneto. Pues bien, en la segunda parte del siglo irrumpe
Una nueva corriente poética innovadora que irradia desde Florencia y se conoce
Como “dolce stil novo”. Esta poesía responde a la mentalidad de la clase emergente,
La burguésía y, frente a la nobleza de sangre, heredada, proclama la importancia
De la nobleza de corazón (cor gentile), propia del hombre que alcanza valor
Por su propios méritos y que se manifiesta en su manera de sentir el amor.

Éste se entiende como
Símbolo de la divinidad y su destinataria es la donna angelicata,
Venerada y admirada por servir de modelo de perfeccionamiento delalma
Del enamorado (por la asimilación de la amada con Dios). En lo formal, losstilnovistas
Hacen arraigar las innovaciones de la escuela siciliana (endecasílabo,soneto).

En su juventud, Dante se
Entregó a la creación poética en el estilo nuevo que acabamos de mencionar,
Reuniendo sus poemas en un libro capital, Vita nuova, inspirado
Enteramente por la figura de Beatriz, a la que conocíó siendo ambos niños y con
La que parece no tuvo más que una relación superficial, lo que no impidió que el
Autor sintiera un intenso amor platónico por la dama durante toda su vida y
Fuera para él uno de los motores de su creación. Dante tuvo un vida social y
Política muy activa por lo que las alternancias de poder en su ciudad,
Florencia, las sufríó en carne propia hasta el punto de que, para no ser condenado
A muerte, tuviera que exiliarse en diversas ciudades italianas. Durante el
Exilio, aparte de obras de carácter doctrinal, escribíó la que es su obra
Magna, la Divina Comedia. Argumento y estructura. Esta extensa
Obra muestra el recorrido que Dante realiza por los mundos de ultratumba para
Alcanzar la purificación del alma y la redención. Virgilio lo guía por el
Infierno y el Purgatorio, mientras que en el Paraíso, su guía es Beatriz. El
Número tres, símbolo de la Santísima Trinidad, está en la base de la
Composición formal de la obra: tres son las partes de la obra; cada una está
Formada por 33 cantos, más uno introductorio, lo que hacen 100 en total; la
Obra está compuesta en tercetos encadenados de versos endecasílabos. El
Infierno es un inmenso anfiteatro formado por nueve círculos concéntricos por
Los que descienden y en los que se distribuyen los pecadores, que sufren terribles
Tormentos. El Purgatorio tiene forma de montaña truncada con siete cornisas
Donde los pecadores arrepentidos expían sus culpas. Dante va experimentando un
Proceso de purificación ascética. En la cima de la montaña, una planicie
Inmensa representa el Paraíso. Beatriz es ahora quien lo guía hacia las
Proximidades de Dios, que se halla en el centro rodeado de coros angélicos. La
Obra concluye cuando Dante dirige la mirada hacia Dios y la fuerza de su luz
Divina le desborda el pensamiento. La Divina Comedia es compendio de
Saberes, pero ante todo un intento de ensalzar el cristianismo sin rechazar
Aquello que admiraba de los clásicos. Se mezclan así personajes y motivos de la
Tradición cristiana con otros de la tradición pagana y mitológica. A la vez, y
Con la misma finalidad religiosa, se reparten por los reinos de los muertos
Personajes históricos de épocas remotas y contemporáneos de Dante, que
Aprovecha la ocasión para saldar cuentas con adversarios políticos de su tiempo.
Se alude también a grandes acontecimientos de la historia humana y a sucesos
Concretos de la política particular de Florencia. Forma y estilo. Con esta obra,
Dante afianza el uso del endecasílabo, que será para siempre el verso predilecto
De la poesía culta; crea la distribución de los versos en tercetos encadenados,
Solemnes y ágiles a la vez; usa una lengua literaria llena de viveza en la que
Incluye vocablos refinados del clasicismo y términos del registro popular de la
Variante toscana del italiano.

Francesco Petrarca

Nacido en Arezzo en
1304, pasó en Aviñón, Francia, largas temporadas y fue allí donde conocíó a
Laura, que sería la inspiradora de toda su poesía amorosa. La distancia que
Siempre mantuvieron no fue suficiente para apagar en el poeta el ardor amoroso.
Viajó incansablemente por Italia y otras ciudades europeas. Dedicó la mayor
Parte de su vida a labores filológicas de recuperación y traducción de clásicos
Latinos, así como a su propia creación literaria. Cultivó tanto la literatura en
Latín como en italiano. En lengua vulgar escribíó dos obras, Los Triunfos (largo
Poema alegórico-narrativo en la estela de la Divina Comedia) y el Cancionero,
Obra que influiría decisivamente en toda la poesía renacentista europea, dando
Lugar a la corriente denominada petrarquismo (en España, poetas como Boscán,
Hernando de Acuña o Garcilaso de la Vega siguieron su modelo). El Cancionero
recoge todas sus composiciones líricas en italiano y consta de 366 poemas,
Con predominio de los sonetos (317), aunque figuran también canciones y
églogas. La influencia más directa que se percibe en esta obra es la del dolce
Stil novo. El tema principal es el amor y todo el conjunto se divide en dos
Partes: “En la vida de Laura” y “En la muerte de Laura”. Aborda todas las sutilezas
Y matices del sentimiento amoroso y, aunque Laura está presente en todos los
Poemas amorosos, el verdadero centro de interés es el análisis pormenorizado de
Los sentimientos que ella inspira al poeta. Los rasgos del estilo más
Peculiares son: el uso de un lenguaje sencillo y a la vez exquisito, depurado léxicamente;
Y el empleo de recursos expresivos que contribuyen a sugerir matices muy
Variados del sentimiento como las antítesis, paradojas, metáforas.

Giovanni Boccaccio

También viajó
Frecuentemente por Italia y Europa y trabó amistad con autores e intelectuales
Del momento. Alternó buena parte de su vida la dedicación a la literatura con
El desempeño de cargos diplomáticos. Escribíó numerosas obras en italiano (Filococo,
Corbacho) y en latín. Pero su obra más famosa y singular es El Decamerón.
Igual que en Las mil y una noches, hay una historia marco que sirve de
Conglomerante para cien relatos diversos en cuanto a sus temas. En las afueras
De Florencia, año de 1348, diez jóvenes se refugian en una villa mientras pasa
Lo peor de la epidemia de peste. Durante diez días (Deca) y para distraerse,
Cada uno ha de contar diariamente una historia, lo que supone un total de cien
Relatos. Cada jornada transcurre bajo el “reinado” de un joven, que es quien
Determina la temática de las narraciones. La mayor parte de éstas trata temas
Con antecedentes en la literatura europea y oriental. En el argumento de muchas
De ellas predomina el componente erótico, pero lo destacado es el ingenio de
Los personajes para llevar a cabo con éxito sus propósitos, muchas veces licenciosos
Y mundanos. De esta manera, Boccaccio parece deshacerse de la culpable mentalidad
Medieval sobre el pecado y anunciar una visión gozosa y placentera de la
Existencia.

Tras los pasos de estos
Tres grandes precursores del Renacimiento, durante el Siglo XV continuó el
Empuje reformador y de cambio. Los humanistas continúan con la labor de
Recuperar y difundir a los clásicos y de dignificar la lengua vulgar. La herencia
De Petrarca se dejó sentir con fuerza en Italia y en toda Europa. También la
Poesía épica alcanzó desarrollo gracias a autores como Ludovico Ariosto y Torcuato
Tasso. Por su parte, Jacopo Sannazaro contribuyó a la recuperación del mundo
Clásico con un género nuevo, la novela pastoril. En La Arcadia, (nombre
Que toma de una regíón griega que ha pasado a la historia de la cultura como
Símbolo del lugar idílico y apartado de lo civilizado) quedan establecidos los
Rasgos esenciales del género en adelante: pastores y pastoras idealizados que
Viven delicadas historias de amor, tañen instrumentos y lloran y cantan la
Felicidad del amor correspondido o el dolor del amor perdido. Estilo delicado y
Exquisito en consonancia con los personajes y el entorno armonioso e
Idealizado.

2.2. El teatro isabelino:
La obra de Shakespeare

El género teatral no fue
Una excepción al tardío advenimiento del Renacimiento en Inglaterra. Durante la
Primera mitad del XVI predominó un teatro religioso de procedencia medieval.
Junto a este teatro se fueron abriendo paso un teatro cortesano (culto,
Universitario, con influencia humanista) y un teatro popular, que es el que
Acabaría triunfando y generando una nómina de autores de primer orden. Tales
Autores, a cuya cabeza se encuentra Shakespeare, constituyen el llamado teatro
Isabelino por coincidir con el reinado de Isabel I y extenderse a los
Reinados de Jacobo I y Carlos I, es decir, las dos últimas décadas del XVI y
Toda la primera mitad del XVII.

El teatro popular inglés
Empezó a representarse en escenarios improvisados, como los patios de las
Posadas. Pero al iniciarse el ciclo isabelino ya existían locales expresamente
Construidos para tal fin. Del mismo modo que en los corrales de comedias
Españoles, el público de estos teatros era heterogéneo, pero con un predominio
Del estamento popular, que impónía sus gustos al margen de los preceptos y
Normas clasicistas, reclamando diversión y emoción. Carácterísticas del
Teatro isabelino. En líneas generales este teatro desobedece o no sigue los
Preceptos clásicos y así, por ejemplo, transgrede la regla de las tres unidades
(unidad, tiempo y lugar); se mezclan los géneros, así como los personajes
Nobles con los plebeyos. Finalmente, era frecuente en una misma obra la
Alternancia del verso y la prosa. Sobre la mencionada mezcla de géneros debe quedar
Claro que, en unas obras predomina el elemento trágico o el cómico, por lo que,
Junto a las muy abundantes tragicomedias, podemos hablar de obras que se deben
Considerar tragedias y otras que son claramente comedias. Por último, circunscritas
Al drama o a la tragedia, abundan las piezas de tema histórico, principalmente,
De los antiguos reyes ingleses, que generaron un gran interés del público por
Un pasado nacional pasado agitado. Autores importantes del ciclo isabelino
Son, junto a Shakespeare: Christopher Marlowe, Benjamín Jonson, John Fletcher,
William Rowley y Thomas Middleton.

El teatro de Shakespeare. Las treinta y siete obras
Conocidas del autor están consideradas por muchos como el legado más importante
De las letras inglesas a la literatura universal. Su singularidad no estriba en
Los planteamientos o la estructura con que construía sus obras, ni en la
Originalidad de los temas abordados, que tomaba casi siempre de obras
Anteriores, sino en estas aportaciones:

-Un estilo versátil y
Rico capaz de reflejar la expresión más exquisita y el gracejo del habla
Popular, puesto al servicio de una gran capacidad para expresar cualquier
Emoción humana.

-Creación de personajes
Universales, al encarnar las pasiones más intensas pero sin reducirlos a meros
Prototipos; antes bien, resultan personajes vivos e individualizados.

-En particular debe
Resaltarse la creación del personaje cómico o clown (bufón), como
Contrapunto de los personajes más graves. Sin perder su comicidady sin
Dejar de aliviar la tensión de las situaciones más dramáticas, en Shakespeareadquieren las intervenciones del clown gran hondura filosófica, de
Modo que elhumor es, con frecuencia, más amargo que burlesco.

Las comedias. Están elaboradas a
Partir de los elementos del enredo de raízclásica e italiana
(malentendidos, disfraces, intrigas de giros inesperados, etc.). Enellas
Estudia todas las clases sociales, pero los personajes no son merosestereotipos
Sino criaturas individualizadas. Destacamos: La fierecilla domada, Sueño de
Una noche de verano, El mercader de Venecia.

Los dramas históricos. Ante la demanda del
Público por conocer el pasado cruento del país, Shakespeare escribíó diez
Piezas históricas que son un estudio de las ambiciones humanas relacionadas con
El poder, más que precisas reconstrucciones de episodios concretos del pasado.
Destacamos: Ricardo III, Enrique VI, Ricardo II. Junto a ellas,
También sondeó Shakespeare los entresijos del poder en la antigua Roma y, como
En los dramas ingleses, lo que menos interesaba es lo puramente histórico sino
La profundidad de los conflictos internos del personaje. Obras: Julio César,
Tito Andrónico.

Las tragedias. Tal vez en estas se
Muestre el genio de Shakespeare con más brillo y, a su vez, son las que le han
Dado más gloria. Innumerables son las versiones y adaptaciones que sus grandes
Tragedias han tenido en los escenarios y en el cine. En sus tragedias suele
Mezclar el verso y la prosa y en su lenguaje caben desde la expresión más
Exquisita hasta el registro más familiar, plagado de exabruptos y crudeza.
Obras: Romeo y Julieta (la pasión amorosa frente al peso de las convenciones
Sociales); El rey Lear (el Bien y el mal, la fidelidad frente a la ingratitud,
La lucidez y la locura); Otelo (el poder destructivo de los celos); Macbeth
(la ambición desmedida y sus nefastas consecuencias; la traición y la
Deslealtad);

Hamlet (la duda entre acción y
Reflexión, la venganza, la locura).

2.3. El teatro clásico
Francés: Molíère

A partir de los años
Treinta del XVII hay una fuerte reacción contra el Barroco y es en el teatro
Donde se muestra con mayor virulencia (ruptura de normas aristotélicas, mezcla
De géneros…). El influjo de los preceptistas que reivindicaban una vuelta a las
Normas clásicas aristotélicas es muy grande en Francia y, de hecho, unas
Décadas después, esta reacción normativa y racionalista francesa se extiende
Por toda Europa. Se considera esta etapa llamada Clasicismo como la época
Dorada del teatro francés, en la que se encuentran tres de sus grandes dramaturgos:

Corneille, Racine y Molíère.
Estos son los rasgos
Esenciales:

-Separación entre
Tragedia y comedia

-Distribución de los
Personajes según los géneros: los nobles eran exclusivos de la tragedia; los
Burgueses y plebeyos, de la comedia.

-Imposición de las tres
Unidades: de tiempo, lugar y acción.

-División de la obra en
Cinco actos.

-Exclusión de todo tipo de
Excesos (truculencia, aparato escénico complicado, etc.), considerados de mal
Gusto.

Molíère

Llamado Jean-Baptiste
Poquelin, nace en 1622, recibe una esmerada educación pero a los veinte años
Renuncia a un acomodado porvenir para dedicarse al teatro. Funda su propia
Compañía de teatro alternando el ejercicio de actor con el de creador. De
Regreso a Francia y en la década de los sesenta abandona sus farsas y bufonadas
Para escribir las comedias de caracteres que acaban por consagrarlo.

Sus afiladas críticas y
Burlas a los estamentos poderosos le trajeron innumerables pleitos,
Prohibiciones y ataques. Murió representando una de sus obras en 1673 (El
enfermo imaginario). En sus más conocidas comedias recrea vicios y
Defectos encarnados en personajes que han pasado a ser prototipos universales.
En ellas se muestra despiadado con la pedantería de los falsos sabios, la
Mentira de los médicos ignorantes, la pretenciosidad de los burgueses
Enriquecidos. Molíère exalta la juventud, a la que quiere liberar de
Restricciones absurdas: en comedias como Tartufo, El avaro o El
Enfermo imaginario, paralelos al tema principal, se trata y censura el
Abuso de autoridad paterna y los matrimonios de conveniencia. Su principal
Objetivo fue el de «hacer reír a la gente honrada». Puede decirse, por tanto,
Que hizo suya la divisa que aparecía sobre los teatritos ambulantes italianos a
Partir de los años 1620 en Francia, con respecto a la comedia: Castigat
Ridendo mores, «Corrige las costumbres riendo”.

La intención satírica con
Que Molíère concebía sus obras tiene, pues, una clara intención moral, dado que
Ridiculiza a un personaje que provoca con su actitud el daño a los demás. Esta
Doble intención (poner en ridículo y denunciar) se plasma con la creación de
Personajes representativos de un carácter; el autor parte de la observación de
Un tipo individual, con sus circunstancias personales, pero la pasión que lo
Domina está llevada a tal extremo que adquiere el rango de prototipo universal.
El rasgo definidor en el estilo del autor es la impresión de naturalidad en el
Lenguaje que emplean los personajes. Lenguaje lleno de viveza con un tono coloquial.
También es significativo el respeto del decoro poético, según el cual cada personaje
Se expresa según su condición y nivel. Tartufo es una sátira contra la
Hipocresía religiosa. El protagonista es un farsante que fingiendo ser un colmo
De bondades con el fin de lucrarse, se gana la confianza de un necio beato y
Rico que lo acoge en su casa y pretende integrarlo en la familia casándolo con
Su propia hija. El enfermo imaginario lo protagoniza un burgués que,
Aquejado de una extremada hipocondría, despilfarra su fortuna pagando los
Servicios de médicos y boticarios rutinarios e incapaces. Es una crítica feroz
A la falsedad. El avaro se inspira en La olla (Aulularia)
De Plauto, cuyo protagonista, Harpagón, es un mezquino burgués viudo,
Enriquecido con la usura y obsesionado con la posibilidad de ver menguada su
Fortuna.