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23
MAR
2022

Sociedad ilustrada

by estudiapuntes
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Condicionantes sociales y económicos frenaron en el teatro el impulso renovador que
habían experimentado la lírica y la narrativa coetáneas, pues los empresarios pocas veces
se arriesgaban a montar obras que no fueran del gusto de un público conservador, poco
receptivo a un teatro de crítica social o técnicamente innovador. Dos tendencias aparecen:
un teatro comercial, apegado a fórmulas tradicionales ya consolidadas, y un teatro
innovador, en temas y formas. La primera reúne un conjunto de obras de evasión alejadas
de los conflictos que vive España entre 1900 y 1936, y agrupadas en tres géneros: la
comedia burguesa, el teatro poético y el teatro cómico.
La comedia burguesa presenta situaciones cotidianas de personajes de clase
acomodada, diálogos naturales y cuidados, tramas bien construidas y una crítica tibia de las
hipocresías y convencionalismos sociales. El autor más importante es Jacinto Benavente.
En su primera obra, El nido ajeno (1894), se atrevíó a criticar la situación de la mujer
casada en la sociedad, lo que le valíó el rechazo del público. A partir de entonces suavizó la
crítica y escribíó dramas rurales ( Señora ama , La malquerida ) y comedias burguesas
( Rosas de otoño , Gente conocida ) muy aplaudidas. Su mejor obra, Los intereses creados ,
es una farsa que utiliza a los personajes de la commedia dell’arte italiana para plantear el
conflicto entre los intereses económicos y el amor verdadero.
Vinculado al Modernismo y al drama histórico ROMántico, el teatro poético evoca, desde
una perspectiva tradicionalista, acontecimientos de la España medieval o imperial. Era un
teatro efectista y retórico, creado para que los actores exhibieran sus dotes declamatorias.
Francisco Villaespesa ( El alcázar de las perlas ) y Eduardo Marquina son sus mejores
representantes ( Las hijas del Cid , En Flandes se ha puesto el sol ). También cultivan el
teatro poético Antonio y Manuel Machado ( La Lola se va a los puertos ) y Federico García
Lorca ( Mariana Pineda ), aunque sus obras se alejan del tradicionalismo que caracteriza a
los autores anteriores.
El teatro cómico es de tema intrascendente, argumento fácil, humor convencional y
ambientación y personajes populares. Los hermanos Álvarez Quintero cultivan la comedia
costumbrista y el sainete de escenario andaluz ( El genio alegre , Mañana de sol ). Carlos
Arniches toma como referencia los ambientes y tipos madrileños ( El santo de la Isidra , Los
milagros del jornal ); pero también cultivó un nuevo género que él mismo llamó “tragedia
grotesca” ( La señorita de Trevélez ), donde fusiona lo trágico y lo cómico, lo sentimental y lo
ridículo, para poner en evidencia la fragilidad del ser humano y la crueldad de la sociedad
que lo arropa. El “astracán” es un subgénero cómico creado por Pedro Muñoz Seca que
busca la carcajada de un público poco exigente mediante la representación de situaciones
descabelladas y chistes fáciles, basados en juegos de palabras, retruécanos y equívocos.
Destaca La venganza de don
Mendo , parodia de los dramas histórico-ROMánticos en verso.
Al lado de este teatro de éxito de público, se suceden propuestas de renovación de
dramaturgos que intentan, sin éxito, llevar a los escenarios obras rupturistas. Tales fueron
algunos de la Generación del 98, como Unamuno, Azorín y, sobre todo, Valle Inclán.
Unamuno escribe un teatro filosófico y existencial, por medio de una estética de desnudez
trágica, en la que los personajes son portadores de ideas sin apenas acción dramática ( La
venda , El otro , Fedra ). Azorín incorpora elementos surrealistas y la preocupación por el
tiempo ( Lo invisible ).
Bohemio e inconformista, Valle Inclán encarna la búsqueda constante de nuevas formas
de expresión teatral, que culmina con el “esperpento”. Su obra se divide en tres grandes
ciclos. El primero reúne obras ambientadas en una Galicia rural y mítica ( Comedias
bárbaras , Divinas palabras ), poblada por seres violentos y primitivos, que encarnan la
deformación física y moral del hombre, y la decadencia de un mundo arcaico ante el avance
de la moderna sociedad capitalista. El lenguaje es desgarrado y agresivo, y en conjunto
quiere ofrecer una imagen del hombre opuesta a la domesticada de la comedia burguesa. El
“ciclo de la farsa” incluye La marquesa Rosalinda , Farsa infantil de la cabeza del dragón ,
Farsa de la enamorada del rey y Farsa y licencia de la reina castiza , que, por medio de un
lenguaje estilizado, a veces, otras popular y castizo, y de la animalización de los personajes,
hacen una sátira del poder y del ideal estético del Modernismo. El “ciclo del esperpento” se
inicia con Luces de bohemia en 1920 e incluye también la trilogía “Martes de Carnaval” ( Las
galas del difunto , Los cuernos de don Friolera , La hija del capitán ) y Retablo de la avaricia,
la lujuria y la muerte . El esperpento es una crítica deformadora de la realidad y de los
valores sociales imperantes, a través de la degradación de los personajes (animalización o
cosificación), la mezcla de lo grotesco y lo trágico, la estilización del lenguaje vulgar y
castizo, y la elaboración literaria de las acotaciones.
La vinculación al teatro de Federico García Lorca no se limitó a la escritura, pues su
compañía La Barraca representó por los pueblos de España el repertorio clásico. A sus
primeras obras de orientación simbolista ( El maleficio de la mariposa ) y poética ( Mariana
Pineda ) siguieron las farsas ( El retablillo de don Cristóbal , La zapatera prodigiosa , El amor
de don Perlimplín con Belisa en su jardín ), que tratan el tema del adulterio y de los
matrimonios desiguales o por interés. A su etapa surrealista corresponden El público y Así
que pasen cinco años , obras personalísimas y de alto contenido simbólico. Su madurez
como autor está representada por Doña Rosita la soltera , que aborda el drama de la
soltería, y sus dramas rurales: Bodas de sangre (el amor trágico), Yerma (la maternidad sin
fruto) y La casa de Bernarda Alba (el enfrentamiento entre el individuo, y más precisamente
la mujer, y la sociedad).

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