POP ART 

Movimiento artístico surgido en Reino Unido (mediad. 50) y Estados Unidos (princ. 60) a mediados del S.XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, como anuncios publicitarios, cómic books, objetos culturales <<mundanos>> y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, presenta una forma de ver y tratar el arte, más global y social, no para pocos (elitista), sino para todos (popular). 

Surge como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte. 

El Arte Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada.

ANDY WARHOL 

Quería ser famoso. De hecho se podría decir que nadie estudió tanto el concepto de fama como él. Creador, consumidor, crítico de la fama. 

El expresionismo abstracto dominaba la escena artística y Warhol quiso buscar un estilo completamente distinto. Con su experiencia en publicidad, empezó a mostrar productos de consumo de masas como botellas de coca-cola, latas de sopa Campbell… Y al final, personas que eran productos en sí mismos, como Marilyn, Mao o Elvis. 

De pronto, el expresionismo abstracto dejó de existir. Ahora lo moderno era el Pop, con su frescura, humor y superficialidad. Warhol se convirtió en una estrella. 

Probablemente la figura más famosa del arte pop. Intentó tomar el Pop Art más allá de un estilo artístico a un estilo de vida, su obra a menudo muestra la falta de afectación humana, prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros. 

Procedente de una familia de inmigrantes eslovacos, nace en Pittsburg. Tras terminar sus estudios, se traslada a NY donde desarrollará la mayor parte de su obra artística como creador publicitario en grandes revistas como Vogue, The New Yorker, etc. Su estudio The Factory, se convertirá no sólo en un lugar de creación sino también de reuníón de los artistas más underground del NY del momento. 

Warhol elige o presenta dos elementos de ese capitalismo que repite de una forma casi obsesiva y captar la distorsión que puede llegar hasta la manipulación y la destrucción. Las dos imágenes elegidas fueron la lata de sopa y los botellines de Coca-Cola, símbolos de la modernidad. Su obra se reduce a una simple elección aparentemente banal pero que encierra un sentido irónico y crítico hacia el materialismo, la popularidad, el dinero y la fama. 

Realizó con la misma técnica, una serie de retratos de estrellas de Hollywood como Marilyn Monroe, Elvis y Elizabeth Taylor. Las imágenes no eran novedosas sino que eligió fotos bien conocidas por el público y lo único que hizo fue recortarlas, enmarcarlas, elegir lo colores y repetirla por medios gráficos. 

También pintó otros aspectos de la vida como accidentes de tráfico o desastres. Su colección «Muerte y Desastres» en la que se incluyen obras como Accidente en coche o Desastre naranja. 

Los últimos años de Andy transcurren algo más tranquilos que los vertiginosos 60 y 70 -especialmente tras el intento de asesinato contra él-pero no deja de pintar y codearse con los nuevos artistas que surgen e el panorama americano como Mick Jagger, Liza Minelli, Jacqueline Kennedy, etc, a los que retratará. 

En 1967 fundó junto a Paúl Morrissey la Film Makers Cooperative que produjo entre otras películas Flesh y Trash, sus films más conocidos. 

Tan importante como su obra es la imagen pública que él mismo proyecta como artista y como intelectual. Sabe esto y juega con su imagen andrógina.

HIPERREALISMO 

Es una tendencia de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los 60 que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura. 

Es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. 

En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el Realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo artistas como Chuck Cloe, Richard Estés, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos. 

Antonio López, Eduardo Naranjo.

Arte óptico Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

 El arte cinético Es una corriente artística, principalmente pictórica y escultórica, basada en el movimiento. Las obras cinéticas están dotadas de movimiento real o juegan con efectos ópticos que lo simulan. La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales y los recursos para crear el movimiento son numerosos, tales como el viento, el agua, motores o electromagnetismo. Provocan que sea el propio espectador el que se mueva para experimentar con sus distintas interpretaciones, buscando la integración entre obra y espectador.

EQUIPO CRÓNICA 

A mediados del S.XX surgen en España diferentes grupos y tendencias con el propósito de renovar el panorama artístico español. Equipo Crónica es uno de ellos. 

Adquiríó un mayor peso la temática erótica y el tono político, teniendo como marco de referencia la represión que sufría el país. Destaca el Equipo Crónica formado en Valencia en 1963 por Rafael Solbes, Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo. Las primeras obras revelan una notable influencia del Pop estadounidense, sobre todo por la utilización de imágenes procedentes de los medios de comunicación y la utilización de tintas planas. 

Una de las imágenes más emblemáticas fue la del ratón Mickey repetida en una larga serie de viñeta interrumpida. ¡América, América! 

Incorporan también imágenes muy conocidas como el periódico Marca. El Equipo Crónica trabajó sin parar durante 17 años y consiguió erigir un nuevo concepto de Realismo social opuesto al de las corrientes dominantes.

1964 hasta su disolución en 1981, por la muerte de Rafael Solbes. 

También reivindicaban la «obra gráfica» como medio de expresión, porque favorece una mayor popularización de la experiencia del arte, gracias a su bajo coste y a su mayor divulgación. 

Siempre fieles a su premisa de reivindicar a la figura del artista como trabajador manual en constante contacto con la realidad del mundo exterior. Firma anónima. 

Sus obras son auténticos reportajes o crónicas de denuncia sobre la situación política de España y la historia del arte del momento. 

Su mezcla es única: un poco realista, crítica, bastante pop, con citas pictóricas, anacronismos y pastiches agridulces. Todo ellos con bastante entusiasmo pero poca alegría por la sombra del franquismo. 

El objetivo fue el de transmitir un mensaje crítico y social de carácter antifranquista y contra el individualismo imperante. Utilizaron un estilo figurativo directo y claro. 

A partir de 1970, el grupo evoluciónó hacia la experimentación con técnicas y recursos propios del Pop Art, como las tintas planas, uso de imágenes tomadas de los medios de comunicación de masas o el dibujo despersonalizado. 

Periodo 1964-66 Iconografía principalmente extraída de los medios de comunicación de masas con imágenes que aparecen frecuentemente fragmentadas y con una gama de colores reducida y de tintas planas.

¡América, América!, de 1965. El ratón Mickey, una de las imágenes típicas de la cultura de los Estados Unidos, símbolo del buen humor, emblema de la felicidad, es elegido por el Equipo Crónica como símbolo de la sociedad norteamericana de consumo. Usan un procedimiento empleado por Andy Warhol, la repetición indefinida de una imagen divulgada por los medios de masas. Utilizan las tintas planas y la repetición en serie del mismo icono, pero introducen una imagen, la bomba atómica lanzada contra Japón, que llena el cuadro de significado crítico.

1- Primeras series: La Recuperación, Guernica 69, Autopsia de un oficio (1967-1971) La Recuperación

Con esta serie, Solbes y Valdés inician un camino nuevo en su trayectoria artística. Si sus obras anteriores ya tenían un carácter narrativo claro, hacer una serie implica la idea de desarrollar un volumen de cuadros bajo una misma unidad temática. Se trata de que sea el conjunto el que configure una narración y no cada obra de manera individual.

Guernica 69 A finales de los años sesenta, el gobierno intenta ofrecer una imagen más aperturista y decide construir en Madrid un nuevo edificio para el Museo de Arte Contemporáneo. En ese mismo instante se oye el rumor de que se quiere traer a España el Guernica de Picasso. Equipo Crónica reacciona ante esta situación preguntándose si el mensaje del Guernica puede llegar a ser tan ambiguo que incluso pueda ser manipulado por los mismos al que el propio cuadro denuncia.

Autopsia de un oficio Tal y como indica el título de esta serie, lo que intentan Solbes y Valdés con ella es abordar la propia naturaleza del acto de pintar. Para ello cuestionan la capacidad de integrar la pintura en una sociedad capitalista que todo lo manipula y que exige un ritmo de producción que los artistas no quieren satisfacer. Para ellos, arte y oficio son lo mismo.

2- Serie Policía y cultura (1970-72) Los acontecimientos de Mayo de 1968 y la agitación política que vino después marcaron un antes y un después en las sociedades europeas. Las imágenes de enfrentamientos entre policía y manifestantes se habían convertido en algo habitual y muchos de estos manifestantes eran precisamente estudiantes de Bellas Artes o de las diferentes escuelas de arte que había por toda Europa. Pero en lugar de abordarlo de manera metafórica y abstracta, como lo habían hecho en la serie Autopsia de un oficio, en Policía y cultura decidieron hacerlo de modo más directo y relacionado con la actualidad. 

3- Serie negra (1972) La Serie negra supone para Equipo Crónica una experiencia artística distinta donde explorar y desarrollar nuevos lenguajes plásticos. Será la primera vez que abandonan los colores planos e introducen el volumen a base de carboncillo y pluma, y emplean una gama mínima de color, fundamentalmente gris y negro. 

También incorporan elementos que parecen ajenos a la escena que se representa, como lápices de Alpino, reglas, cuadernos, tubos de óleo y otros objetos propios de los artistas en un intento por reivindicar que lo que estamos viendo es pintura y no una realidad. Esta serie funciona como una alegoría de su tiempo. La violencia, la censura y la presencia policial constante sufrida por la población se visualiza aquí por medio de imágenes que provienen del mundo del cine negro americano.