ARCO NEGRO KANDINSKY.:

uno de los mas grandes artistas contemporáneos cuya influencia en los pintores abstractos seria fundamental a partir de la publicación de su obra y sobre la espiritualidad del arte “(la belleza de la forma y el color no es objeto suficiente para el retrato)”. Kandinsky a partir del momento que rompe con toda reminiscencia de la pintura figurativa inicia su etapa de choque de colores lo que denomino “combinación de permitidas y prohibidas “esta obra de 1912 justifica s pintura como una necesidad interna. Obra en la que rechaza lo objetivo y en la que crea un arte puro casi mixto, excelente colorista y también conocedor como se diferencia del Cubismo y el colorismo, crea composiciones geométricas planas con bellas armonías de formas y color, para algunos críticos de su obra esta adquiere una sensibilidad casi musical.

BAILE EN EL MOULIN ROUGE. TOLOUSE LAUTREC:

pintura al oleo sobre lienzo que nos muestra un club con un grupo variopinto de personas, algunas de ellas personas conocidas. Obra que gusto al dueño del local que triunfaría en el parís de la época lo que le reportaría al autor nuevos encargos. La obra bastante estática se rompe con el movimiento de los 2 personajes, centrales, pintura influida por las estampas japonesas con una línea marcada, ondulante rítmica. Con una gran simplicidad de formas, planos cromáticos muy amplios con encuadres que nos recuerdan las pinturas degas  por su simetría lo cual dota de mayor dinamismo a la obra. Pintura con espacios vacios que contrastan con otros más intensamente ocupados. Colorido alegre, vivo que traslada el ambiente del lugar, tonos planos, amplios armonía de colores, solo roto por la diagonal de rojos y rosas, pincelada rápida, suelta, larga personajes abocetados, casi caricaturescos, en resumen una pintura que se acerca a la realidad pero desde un punto de vista existencial y no visual que no alguna medida resume el carácter del pintor.

COMPOSICION CUADRO MONDRIAN:

representante del neo-plasticismo o “de stijlum”  plasma en sus pinturas su protesta contra la primera guerra mundial “el hombre no debe guiarse por la violencia sino por la razón”, en esta obra ya muestra su interés por las formas geométricas (rectángulo) y los colores primarios eso si, sin mezclarlos, líneas rectas que concluyen en la no figuración aunque muy elaborado.

Arte austero y elemental composición que alegrar su paleta incluso utilizara la técnica del collage.  En resumen algo místico de la abstracción que suprime todo lo superficial y se adhiere a la línea, colores fundamentales y composiciones geométricas.

CRISTO AMARILLO. PAUL GAUGUIN:

pintura al oleo sobre lienzo en la que el color es protagonista, colores puros en campos extensos y gruesas líneas que dividen el lienzo en zonas de color. Colores planos sin profundidad, paleta muy rica en cromatismos muy vivos que dan gran vida a  la obra pero dentro de una armonía poética y musical. El color no es fiel a la naturaleza sino a los sentimientos y las figuras planas sin modelado y delimitadas por gruesos trazos. Composición a base de verticales y horizontales a las que se someten las figuras. Obra en la que la profundidad se simula a base de la disminución de las figuras en planos. Una pintura en la que el tema religioso sobre todo plasma un sentimiento íntimo del pintor dentro de un rechazo a la sociedad burguesa, urbana, es decir hacia un sentimiento primitivo.

DESAYUNO SOBRE LA HIERBA. MANET:

pintura al oleo sobre lienzo que podríamos definir como un paisaje con figuras y bodegón, bosque en el que aparecen 4 parisinos a orillas del Sena, dos varones elegantemente vestidos, una tercera ligera cubierta con una camisa y la cuarta desnuda. Que mira descaradamente al espectador. Quizás por ello y por la personalidad conocida de algunos de los personajes, el cuadro causo gran escandalo, algo a lo que no es ajeno el propio Monet ya que refuerza ese desnudo y ese descaro con una luz que incide directamente sobre esa figura desnuda. Igualmente también desafía a la figura tradicional ya que termina con la práctica, con la costumbre de fundir los planos que se practicaba en la perspectiva tradicional. Igual el color es de grandes manchas con colores yuxtapuestos y sin graduaciones, el dibujo carece de la mas mínima importancia, en consecuencia una pintura en la que Monet provoca al espectador al sustituir las venus clásicas (Caravaggio, Tiziano…) por este desnudo provocativo mas aun cuando muestra un absoluto preciosismo en el tratamiento del bodegón situado en la parte inferior izquierda. Monet será nombrado como uno de los padres del impresionismo.

EL GRITO DE MUNCH:

pintura al oleo, temple y pastel sobre cartón de Edward Munch, obra considerada como el icono del movimiento artístico denominada por presinismo. Oba de pincelada suelta de intenso cromatismo. Nos muestra en esta de los 4 que ejecuto la angustia del protagonista que nos trasmite el silencio angustioso de un grito e un paisaje ondulante y ante el cual los personajes del fondo permanecen ajenos sin mostrar la más mínima atención. Soledad, desamparo, y de nuevo, angustia y tragedia son los protagonistas de esta obra a la par que los sentimientos que Munch provoca en el espectador.

EL GUERNICA. PICASSO:

pintura al oleo sobre lienzo de gran formato, corresponde a la etapa surrealista pero que incorpora numerosos elementos cubistas en su composición y lo dota de una fuerte carga expresiva. Lógicamente con el lenguaje de las vanguardias, no intenta recrear un hecho concreto sino crear un ambiente (la guerra) algo a lo que no son ajenos otros grandes pintores españoles como Velázquez o Goya, compone el cuadro como un tríptico en un espacio cortado, renunciando al color y descoyuntando las formas con lo que fuerza un gran dinamismo, renuncia al color en beneficio de una gama de blancos y negros muy matizados y reforzados por una luz irreal. En la iconografía del Guernica nos muestra un niño muerto, una mujer, un toro y opuestos espacialmente a estos, el incendio y la mujer situado en el centro, el caballo y la mujer de la lámpara todo ello con una gran escenografía teatral. Respecto al significado simbólico se ha discutido mucho pero en cualquier caso la brutalidad, la muerte, las victimas, el terror flotan en el ambiente. El conjunto muestra una gran tensión y profundidad lo que nos recuerda el compromiso político de Picasso y el hecho de ser una obra encargada por el gobierno de la republica para su exposición en el pabellón de España en la exposición de parís de 1937.

EL SUEÑO DE LA RAZON PRODUCE MONSTRUOS. GOYA:

Agua fuerte sobre cobre realizada en 1797. Obra en la que a pesar de las dificultades que entraña su ejecución logra excelentes efectos de luz iluminando al personaje central. Oscureciendo progresivamente los demás planos lo cual dota a la obra de profundidad. La composición gira entorno a esta figura central somnolienta que se muestra en primer plano pero la obra se agita con el movimiento de las demás imágenes que incorpora. En el personaje se representa al mismo rendido sobre la mesa de trabajo rodeado de sus fantasmas e indicándonos como la razón libera a través del sueño el subconsciente. Ahí quien opina por el contrario que lo que nos trasmite Goya con este grabado es el poder de la razón sobre las tinieblas de la ignorancia que el tanto critica en sus series de grabados, pensamiento muy acorde por otra parte con la propia formación de Goya. 

IMPRESSION, SOLEIL, LEVANT. MONET:

obra fundacional de movimiento impresionista, cuyo titulo fue adoptado por estos pintores, pintura que resume los principios que rigen el devenir de este grupo entre ellos una pintura a pleno aire, es decir, fuera del estudio. Rechazando pintar de memoria trasmite sensaciones puntuales al espectador, brillo, la luz y el color, pinceladas sueltas amplias manchas sin mezcla de tonos en la paleta o el lienzo algo que se reserva a la misión del que en su momento rompió con las normas academicistas de la época pero a partir del salón de 1884 por arte de unos u otros pintores seria plenamente aceptada.

JUGADORES DE CARTAS. CEZANNE:

pintura al oleo sobre lienzo en el que Cézanne nos presenta a estos 2 hombres que sin embargo no ocupan el papel de protagonistas siendo la botella el eje, el centro de la pintura. Una obra en la que Cézanne busca la esencia, la estructura de la que se habrá prescindido en la pintura anterior, el mismo prescinde de todo lo accesorio, interesándose en los volúmenes, conos, cilindros, esferas… quizá como un símbolo de valores permanentes en la naturaleza de las cosas, composición muy equilibrada casi simétrica en torno al eje (botella) que contrasta con la horizontalidad de la mesa y los brazos de los jugadores. El color con pinceladas muy fluidos que casi conforma facetas lo cual sitúa a Cézanne como precursor del cubismo. Prima el volumen y la forma sobre la luz siendo el color de tonos apagados pero mezclados con gran armonía, el gran protagonista del cuadro no hay referencias especiales. Como mucho la botella da un paso a un paisaje abocetado, un cambio que se interesa por los elementos formales y cromáticos que no se interesa por el sentido figurativo pero que si es en alguna medida sinónimo de la realidad.

LA CASA DE LA CASCADA. WRIGHT:

obra maestra de la arquitectura orgánica realizada a mediados de la década de los 30 como residencia veraniega para un rico propietario de almacenes. La casa se edifica sobre una elevación de la que brota una cascada, alrededor de 4 pilares de piedra que disponen planos horizontales de hormigón armado con terrazas superpuestas en 3 pisos. El piso inferior lo ocupa 1 sala principal en torno a una chimenea, en el piso medio que la zona de noche (dormitorios) y el superior unas habitaciones. Todos ellos están relacionados con el entorno con cristaleras continuas y terrazas iguales que comunican el exterior con un puente que conduce a la entrada de un sendero. En definitiva la naturaleza se funde orgánicamente con el edificio, muchos de los materiales son también naturales. 

LA FAMILIA DE CARLOS IV:

pintura al oleo sobre lienzo, de gran formato. Retrato de familia que resulta un homenaje a Velázquez, a través de esta pintura que nos trae a la memoria las meninas y en la que el autor, se autorretrata, sin embargo en esta obra el espacio a sido recortado, no hay perspectiva, pero el repaso psicológico que hace de los personajes en donde no se prima de trasladarnos sus simpatías y antipatías  hacia alguno de los miembros de la casa real, alcanza mayor profundidad que el de Velázquez. Pinceladas a veces sueltas, pero que no impide que se puedan contemplar elementos preciosistas. 

LA NOCHE ESTRELLADA, VAN GOGH:

pintura al oleo sobre lienzo probablemente una de las obras mas sugerentes de toda la producción de Van Gogh, primero por que se trata de un tema nocturno, no muy habitual en la pintura pero sobre todo por el modo en el que representa el paisaje, un personaje que se retuerce en que todo se deforma, los colores vivos, intensos, resultan muy luminosos, la pincelada pastosa, irregular y agitada. El cielo se mueve en espiral  como movido por un tornado, los colores amarillos, azul, morado, le dan una enorme fuerza y sinceridad al cuadro. Paisaje a “plain air” que pinta desde la ventana del manicomio en donde se encuentra ingresado, si bien en un momento de euforia del artista, 13 meses antes de suicidio. En cualquier caso una obra que tiene vida por si misma en ese mundo interior, intenso y contradictorio del autor. 

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA. DALI:

obra ejecutada en 1931 perteneciente al surrealismo, oleo sobre lienzo de reducidas proporciones en la que el pintor nos muestra lo que parece una playa al atardecer si bien introduce como nuevos temas una serie de elementos que nos llevan a un paisaje absolutamente onírico. Los relojes blandos de bolsillo, la mesa, la rama sin hojas, esa especie de nariz larga, carnosa… nos sitúa en pleno movimiento surrealista lo que no impide un dibujo académico, casi relamido en la que el detalle es cuidado por el pintor, un colorido rico y variado en el que predominan los tonos fríos sobre los mas cálidos, composición muy estudiada con una línea de horizontalidad que divide el cuadro en dos mitades y con una perspectiva también muy tradicional aunque el espacio resulta absolutamente extraño al espectador. Obra surrealista y muy temprana tras el manifiesto de André Breton publicada en 1924.

LA SAGRADA FAMILIA. GAUDI:

arquitectura religiosa de carácter expiatorio que edifica Gaudí en un barrio obrero barcelonés, obra inacabada de planta de cruz latina con 5 naves longitudinales y 3 transversales, girola, deambulatorio y capillas absidiales, todo ello inscrito en un rectángulo que de modo muy original delimita el claustro que en este caso no se sitúa en una de las fachadas sino que circunda la obra. Los muros arecen de función sustentante (exteriores) lo cual permite abrir enormes ventanales lo cual resuelve la luminosidad interior y refuerza la sensación de ligereza. Los soportes son columnas que imitan el crecimiento de un árbol y se ramifican recibiendo el peso de las cubiertas. Riquísima decoración también inacabada en sus 3 fachadas. Inspiración muy variada, y concepción total de la arquitectura en la cual experimenta con nuevos o tradicionales materiales. Obra fundamental de la arquitectura modernista.

LAS SEÑORITAS DE AVIÑON. PICASSO:

oleo sobre lienzo pintado en 1927, obra que como otras se a convertido en el manifiesto de un movimiento pictórico fundamental  como es el cubismo. “como un campo de vidrios rotos” lo a definido algún critico y es que la obra es el resultado de un proceso de destrucción sistemático absolutamente metódico cuyo resultado a su vez son prismas y facetas angulares, sombreados, no sabemos si cóncavas o convexas o translucidos, que crean su propia integridad, continuidad e imagen aunque no del mundo exterior ni por supuesto a la manera clásica académica. Sin embargo, el tema son desnudos y bodegón no son ajenos a esa tradición clásica, si bien en el conjunto de la obra hay por parte del artista un afán provocador, un sarcasmo con lo que Picasso hace saltar la pintura desde el primitivismo y Cézanne hasta el cubismo sintético y el collage.

LOS FUSILAMIENTOS. GOYA:

pintura al oleo, de gran formato, tema histórico. Pintado tras ser sucedidos los hechos. Goya no idealiza a los protagonistas,  nos traslada antihéroes lo que no quita grandeza al momento mas aun individualiza a los personajes a los que convierte en protagonistas, mientras los ejecutores son anónimos y nos dan la espalda. Da prioridad a la luz y el color sobre el dibujo. Luz protagonista del cuadro por el ambiente de penumbra y oscuridad en la que solo destaca el perfil de la iglesia. Pincelada abocetada, enormemente suelta, lo que le da un aspecto muy moderno a su pintura, mostrándose como precursor de otros movimientos del XIX. Obra de gran dramatismo.

LUCIFER. POLLOCK:

Pollock es el precursor del expresionismo abstracto, pintura en 1947, este lienzo con el que se muestra como la máxima representante del movimiento denominada “action painting”. La obra la ejecuta con una nueva técnica “drepping” chorreado que consiste en poner el lienzo en el suelo y aplicar la pintura sin pincel perforando botes, tubos abiertos, bailando alrededor de dicho lienzo con estas pinturas. Esta técnica responde a la idea que el defiende por la que “lo importante no es la obra terminada sino el proceso de creación”. El cuadro es un buen testimonio de lo que denominamos la abstracción, movimiento pictórico que se inicio con Kandinsky y en el que el arte no toma como referencia lo natural y no se sujeta a ninguna regla. Pintura absolutamente subjetiva, que nos traslada al mundo interior del artista. Una pintura en la que la imaginación del ser humano se muestra con total y absoluta libertad.

VILLA SABOYA. LE CORBUSIER:

obra del primer cuarto del siglo XX y sin duda la más emblemática de lo que se ha venido denominando como la arquitectura racionalista. Le Corbusier pretende conciliar en esta obra las nuevas propuestas de la arquitectura con una producción en serie y con unas proporciones clásicas. En concreto en esta villa Saboya edifica sobre pilotis, columnas de hormigón armado que sostienen el edificio y lo aíslan del suelo, utiliza la fachada libre que al no tener función sustentable permite abrir vanos sin limitación, ventanas que resuelven la iluminación interior. Juega con la planta libre ya que no utiliza muros de carga y puede fraccionar el espacio libre. Y utiliza planas abiertas con jardín que le permite disfrutar del aire libre. Obra con el nuevo  lenguaje y técnica de la arquitectura moderna.