La Balsa de la Medusa

• Obra: La Balsa de la Medusa
• Autor: Jean-Louis André Théodore Géricault
• Tipología: Pintura
• Cronología: 1818-1819
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Medidas: 716 x 491 cm
• Estilo: Romanticismo francés
• Tema: Pintura de historia
• Localización: Museo del Louvre (París)

Contexto

En 1816, conocido como el «año sin verano» debido a una erupción volcánica en Indonesia que oscureció la atmósfera, la fragata “Medusa” naufragó frente a la costa de África Occidental. Llevaba a bordo colonos franceses que se dirigían a Senegal. Tras la caída de Napoleón en 1814, los Borbones regresaron a la corona francesa y numerosos partidarios suyos ocuparon diversos cargos, incluyendo la oficialidad del barco, que demostró ser inexperta. La aristocrática e incompetente oficialidad ocupó los botes salvavidas, dejando a marineros y pasajeros a su suerte. Estos construyeron una balsa que, con 150 náufragos, fue a la deriva durante 12 días en mar abierto, sin agua ni alimentos, y solo vino para beber. Se generaron momentos de hambruna, desesperación, orgías alcohólicas, y un motín. Los amotinados fueron reducidos y lanzados por la borda. Se recurrió al canibalismo para sobrevivir hasta el rescate final. La prensa difundió la noticia, causando un escándalo que supuso un enorme descrédito para la corriente borbónica y conservadora.

El Romanticismo se preocupó por lo no racional: los sentimientos, las pasiones, especialmente las negativas como el dolor, la muerte y la desesperación. Los románticos se interesaron por la representación de la naturaleza, con frecuencia mostrando su poder de destrucción y la insignificancia del hombre ante su poder. A los individualistas románticos también les interesaron los diferentes.

El Pintor

El pintor romántico francés Géricault se interesó en este acontecimiento por la carga política de denuncia, pero todavía más por las posibilidades de representar la existencia humana enfrentada a una situación extrema. Su interés por los sucesos de la Medusa le llevó a no escatimar esfuerzo por representar del modo más dramático posible esas penalidades: entró en contacto con dos supervivientes; hizo construir la balsa en su estudio; se interesó por el aspecto de muertos y moribundos y visitó los hospitales y depósitos de cadáveres, llevando a su taller miembros amputados. Su maestro, Guérin, le había concienciado sobre la necesidad de preparar meticulosamente toda obra. Géricault realizó por ello estudios al óleo, bocetos y dibujos para establecer el momento que debía ser representado, la disposición de los personajes, sus actitudes, etc.

Análisis Formal

• Descripción: La escena recoge el momento en el que los náufragos, varios de ellos de raza negra, avistan un barco. Los personajes componen toda una galería de expresiones posibles, desde la desesperación más absoluta, un padre desolado junto a su hijo muerto, al entusiasmo desbordante de los marineros que agitan paños. Junto a los vivos aparecen varios cadáveres tratados con un realismo perturbador. Una ola amenaza con volcar la balsa.
• Composición: Los cuerpos se disponen en una pirámide, desde los muertos de la base hasta los vivos que buscan salvación, cuya cúspide ocupa un marinero que ondea un paño haciendo señales. A esta pirámide se le suma otra, formada por cuerpos en sombra y la vela. Esta segunda pirámide oscura representa la muerte. Las pirámides son de base asimétrica. Este tipo de composición es típico del artista y frecuente en la historia del arte.
• Color: El color general es pardo, beige, grisáceo, con algún toque rojizo, buscando evocar la muerte.
• Luz: El ambiente es oscuro y tenebrista, de atardecer, con sol bajo y el cielo cubierto de nubes; ello acentúa el sentimiento de desesperación. La luz llega a ráfagas en ese espacio oscuro creando efectos semejantes a los que había conseguido Caravaggio.
• Perspectiva: Usa un punto de vista elevado a fin de mostrar mejor la escena y aproximar al espectador a los acontecimientos.
• Tratamiento de la figura, forma: Realiza una representación expresionista, fidedigna y naturalista de las figuras. Los cuerpos, retorcidos y en tensión, traducen la admiración de Géricault por Miguel Ángel, y su tratamiento naturalista remite también a Caravaggio. El dinamismo de la composición y la pincelada gestual proceden en cambio de Rubens.
• Tratamiento de la línea, dibujo: El dibujo de las figuras es preciso y detallado, algo aprendido en la Academia de Bellas Artes y a lo que saca partido.
• Pincelada, textura: Los colores en las figuras tienden a estar fundidos, excepto en los toques finales de color claro, donde deja las pinceladas visibles. También en el cielo y el mar deja las pinceladas libres y expresivas. Debido al tamaño del cuadro, el espectador debe alejarse para apreciarlo, y esos trazos se perciben menos.

Función y Significado

Géricault pretende hacer una obra de denuncia política: contra la ineficacia y la actitud clasista de los oficiales del barco, pero también contra el racismo. A Géricault le preocupaba la cuestión de la esclavitud, y en sus últimos años pensó en pintar un gran cuadro con el tema de la venta de esclavos. Se estima que representar en la pintura varios africanos y coronar la pirámide de cuerpos con un hombre de raza negra tenía como fin la concienciación sobre ese problema. Además, colocar a este hombre en contrapicado magnifica su presencia. Quería también hacer un análisis de las pasiones humanas: el dolor, la desesperación, la resignación, la muerte…

El 3 de Mayo en Madrid (Los Fusilamientos en la Montaña del Príncipe Pío)

• Título: El 3 de mayo en Madrid (Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío)
• Autor: Francisco de Goya y Lucientes
• Tipología: Pintura
• Cronología: 1814
• Técnica: Óleo sobre tela
• Medidas: 3.47 x 2.68 m
• Estilo: Romántico
• Tema: Histórico/alegórico
• Localización: Museo del Prado (Madrid)

Contexto

En 1807-1808, Napoleón maniobró para imponer como rey de España a su hermano José Bonaparte en lugar de Fernando VII. Ante eso, el pueblo de Madrid se sublevó contra los franceses el 2 de mayo de 1808. Los franceses apresaron a numerosos sublevados y los fusilaron en distintos sitios de Madrid. Seis años después de los hechos, en febrero de 1814, Goya mandó una carta al cardenal Luís de Borbón, regente en aquel momento a la espera del retorno de Fernando VII. En esa carta, Goya se ofrecía para, textualmente, “perpetuar mediante los pinceles las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa”. Fruto de este ofrecimiento de Goya fueron sus dos patrióticos cuadros “El dos de Mayo” o “La carga de los mamelucos” y el presente cuadro. Se desconoce la función original de ambos cuadros.

En el Romanticismo fue muy importante el nacionalismo, expresado como el sentirse diferente del resto de naciones, manifestándose en pinturas que muestran las glorias históricas. Del mismo modo, fue importante la expresión de sentimientos desgarrados, lo irracional, la reflexión sobre la muerte, la noche, presentes todos ellos en esta obra. En cualquier caso, Goya se interesó en esta obra por la representación de sentimientos desatados y lo pintó con su estilo característico de pinceladas sueltas, deshilachadas y gestuales, y su paleta cada vez más oscura y contenida.

¿Buscaba también congraciarse con el nuevo gobierno? A fin de cuentas, todos sabían de su pasado “afrancesado” y su trabajo para los franceses (obligado por su trabajo como pintor de cámara). Para realizar esta obra patriótica, recurre al género de la llamada «pintura de historia» en la que se narran acontecimientos históricos reales o literarios. Este género de pintura llegó a constituir la ocupación más importante para un pintor de la corte. Goya ha buscado representar una escena histórica llena de heroísmo. Para ello se inspira en recursos cogidos de la pintura religiosa: la figura con los brazos en cruz se relaciona con la crucifixión de Jesús, mientras que los colores amarillo y blanco, divisas heráldicas del Papa, simbolizan a la Iglesia, y la luz es una metáfora de la asistencia divina a los condenados a muerte.

Goya se acerca al espíritu de denuncia de la guerra y del invasor francés que ya había tratado con la serie de grabados “Los desastres de la guerra” (1810-1812). Al mismo tiempo, convierte la imagen heroica característica del Neoclasicismo (hay posturas que parecen tomadas de “El juramento de los Horacios” o «El rapto de las sabinas” de David) en el icono romántico de los luchadores por la libertad. Desde el punto de vista compositivo y temático, este cuadro influyó sobre “El fusilamiento de Maximiliano” de Manet, en “La matanza de Corea” de Picasso (quien también denunció los horrores de la Guerra Civil en el “Guernica”) y en la foto de Robert Capa “Muerte de un miliciano”.

Análisis Formal

• Descripción: En una escena nocturna al aire libre, a la luz de un farol, se aprecia a la izquierda un grupo de gente que va a ser fusilada. Ya hay algunos muertos en el suelo y a la derecha aparece la siguiente tanda de víctimas. Mientras, a la derecha, de espaldas y en diagonal, se ve un pelotón de ejecución formado por soldados franceses que les apuntan. Entre las víctimas españolas se aprecia una mujer y un fraile (rasgo de verosimilitud: muchas mujeres lucharon y se sabe que Francisco Gallego y Dávila, capellán de la Encarnación, fue capturado con las armas en la mano), pero destaca como protagonista un hombre con la camisa blanca y los brazos abiertos.
• Composición: Los dos grupos se solapan formando una franja horizontal. No obstante, se distinguen bien debido a las diferencias de posición e iluminación. El grupo de soldados franceses está dispuesto en diagonal, dando profundidad.
• Perspectiva: El espacio se organiza en profundidad a partir del solapamiento de las figuras, lo que produce una superposición de planos. Se nota especialmente en el caso de los franceses. El punto de vista es alto: eso hace que el espectador aprecie la escena en su conjunto, potenciando el realismo.
• Luz: Es una escena nocturna iluminada con la luz de un farol apoyado en el suelo. La luz, que ilumina fuertemente a los personajes de la izquierda y deja en la penumbra a los soldados franceses de la parte derecha, refuerza la diferenciación de los dos grupos.
• Color: La gama cromática es reducida a ocre, negro, blanco, amarillo y rojo. Las pinceladas son largas y abiertas, de esta manera potencian el dramatismo.
• Tratamiento de la figura, forma: Las figuras parten de un dibujo de contornos deshilachados típicos de Goya. Goya muestra la expresividad de los personajes a partir de sus gesticulaciones y con una sabia descripción de sus actitudes: rabia, terror, resignación, heroísmo… Por el contrario, los soldados franceses son vistos desde atrás: sin rostro y todos en la misma postura, son figuras deshumanizadas convertidas en máquinas de matar. La figura que tiene los brazos alzados y parece encararse a los soldados se convierte en el foco principal de la obra, alrededor del cual se distribuyen el resto de las figuras. Su camisa blanca le hace destacar del fondo oscuro y lo convierte en el protagonista.
• Tratamiento de la línea, dibujo: Goya prefiere no definir las figuras a partir de contornos definidos. Estos aparecen borrosos, ya que Goya prefiere crear las formas a partir de manchas de color. No obstante, sí que se perciben contornos dibujados con trazo oscuro en algunas de las figuras del primer plano.
• Pincelada, textura: Frente a la lisura de las obras neoclásicas, Goya trabaja dejando la pincelada visible, cargada de pintura. Junto a los pinceles, aparecen trazos de borde cuadrado hechos con espátula o pintura aplicada con el mango del pincel.

Función y Significado

Mediante estas obras, Goya quiere conmemorar el heroísmo de estos acontecimientos.