El Teatro Español del Siglo XX (Hasta 1939)

En las primeras décadas del siglo XX, se produjeron diversos intentos de renovación del panorama teatral, que en las últimas décadas de la centuria anterior había estado dominado por el modelo del drama realista y las obras de José Echegaray.

Las nuevas tendencias teatrales europeas no fueron ajenas a las tentativas innovadoras, como el teatro poético, consolidado con el estreno en París de La intrusa, o los grupos vanguardistas que en España intentaron crear un nuevo concepto del drama. Sin embargo, los intentos de renovación del drama no alcanzaron el éxito de que disfrutaron otras manifestaciones teatrales que sí gozaron del favor de los espectadores:

A. Teatro Comercial

• a. Jacinto Benavente: Frente a la exuberancia de Echegaray, Benavente compuso una obra caracterizada por la mesura en la composición de situaciones y de caracteres, y por el minucioso realismo de la puesta en escena de sus dramas. Éstos se centran en las preocupaciones de su público habitual, la alta burguesía, y con ellos alcanzó gran éxito en las primeras décadas del siglo.
• b. Teatro cómico: Fue uno de los preferidos por el público. Incluye música, canto y baile, y reúne una importante variedad de especies. En esta línea, destacan los hermanos Álvarez Quintero, el astracán de Pedro Muñoz Seca y la tragedia grotesca de Carlos Arniches.
• c. Teatro en verso: Sigue la efímera moda del teatro francés, con el modelo de Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand. Aborda temas históricos o fantásticos y emplea metros modernistas. Sus principales cultivadores son Eduardo Marquina, Francisco Villaespesa y los hermanos Machado.

B. Intentos de Renovación y Dramaturgos de Ruptura

Los primeros intentos de renovación teatral fueron llevados a cabo, entre otros dramaturgos, por Jacinto Grau, que ensayó diversas vías; por Miguel de Unamuno, con su teatro desnudo; y por Azorín, con su pretendido antirrealismo.

Sin embargo, el teatro español de las primeras décadas del siglo XX sólo alcanzó la cima con la obra de Ramón María del Valle-Inclán y de Federico García Lorca. Ellos son los únicos que lograron una calidad indudable en la renovación teatral que muchos habían pretendido. Sus obras, además de influir decisivamente en el teatro español posterior, siguen representándose aún hoy, y cada vez más en todo el mundo.

1. Jacinto Benavente

La fecunda producción dramática de Jacinto Benavente (172 obras) gozó del favor de su público habitual, la burguesía. En líneas generales, su teatro compone una crónica, casi siempre amable, de las preocupaciones y los prejuicios de esta clase social, por medio del empleo de una suave ironía.

Sus dramas responden a lo que él mismo escribió que debía ser el teatro: un medio o instrumento de ilusión y de evasión. En todas sus obras, sobresale el diálogo, natural, fluido, con tendencia a lo sentencioso. Benavente sustituye la acción por la narración, la alusión y el diálogo, y los momentos álgidos de sus dramas siempre acontecen fuera de escena o entre un acto y otro.

Algunas de sus obras más conocidas son:

• Los intereses creados (1907): Es una farsa que desarrolla el tema del poder del dinero por medio de personajes tipo: los pícaros Leandro y Crispín fingen ser un gran señor y su criado en una ciudad imaginaria. En sus pretensiones de ascenso social, Leandro se enamora de Silvia, hija de Polichinela, el hombre más rico de la ciudad. Éste accederá finalmente al casamiento con tal de que no se sepa que él también fue un pícaro.
• La malquerida (1913): Se encuadra dentro de los dramas rurales en los que destaca el sentido de la honra. Los personajes son campesinos y encarnan las pasiones humanas en su forma más primaria, no controladas por las normas de la educación urbana. El lenguaje utilizado intenta reproducir el popular. En esta obra confluyen, por un lado, la lucha entre la pasión (de Esteban hacia su hijastra Acacia, y la oculta de ésta hacia él) y su prohibición debido a los lazos de parentesco; y, por otro, una intriga policíaca (descubrir al asesino del novio de Acacia). El lenguaje resulta directo y sobrio.

2. El Teatro Cómico

En las primeras décadas del siglo XX, predomina el género cómico que, con frecuencia, aparece acompañado de elementos líricos (música, canto y baile). La finalidad básica de este teatro, que logró un significativo éxito de taquilla, era el entretenimiento del público.

Géneros del Teatro Cómico

Obras con Música

• Opereta: Pieza que presenta asuntos frívolos y que concede gran importancia a los aspectos visuales y a la música cosmopolita.
• Revista: Serie de espectáculos casi independientes, con especial hincapié en elementos eróticos y vistosos ambientes cosmopolitas.
• Vodevil: Comedia frívola, ligera y picante, que posee una intriga muy compleja en la que destacan dichos de autor.

Obras sin Música

• Juguete cómico: Degeneración de la comedia que convierte el enredo en embrollo y prescinde de toda verosimilitud.
• Sainete: Basado en los caracteres del mundo popular madrileño, presenta conflictos relacionados con el amor, los celos, el honor y el poder.
• Astracán: Género basado en el disparate cómico, al que se supeditan acciones, situaciones y personajes.

3. Unamuno y Azorín

Miguel de Unamuno

Coincidiendo con las corrientes renovadoras europeas, Unamuno se propuso llevar al público a un dramatismo esencial, lejos de la excesiva ornamentación escénica. Sus obras no fueron bien acogidas por las compañías teatrales, ya que consideraban improbable el éxito comercial.

Unamuno abogó por un teatro desnudo, que conllevaba una vuelta a la fuente poética del drama. Esta concepción implica la supresión de todos los efectos que no dependieran directamente de la palabra (decorados, trajes, etc.) y también de la ornamentación retórica del lenguaje verbal. Suponía la reducción de los personajes al mínimo, de las pasiones a su núcleo, y el esquematismo de la acción. En sus obras se repite un esquema fijo con fuerzas enfrentadas. La acción dramática apenas existe y es sustituida por la palabra.

En lo referente a la escenografía, Unamuno es parco en las acotaciones; si las hay, se caracterizan por su imprecisión y su vaguedad. Habitualmente, no aparecen indicaciones relativas al mobiliario, vestuario, aspecto físico de los personajes o luces. Sin embargo, sí se mencionan objetos importantes en los que se concentra el núcleo del conflicto y también concede importancia a los movimientos exteriores y, más aún, a los que expresan estados anímicos.

Azorín

También pretendió incorporar el teatro español a las nuevas tendencias europeas, especialmente a las francesas. Combatió la estética naturalista y bregó por un teatro antirrealista que incluyera lo subconsciente y lo maravilloso.

Para Azorín el teatro debía buscar “otra realidad más sutil, más tenue, más etérea” y a la vez “más consistente, más perdurable”, en palabras del autor. Consideraba que los temas debían buscarse en el mundo interior, en el espíritu y en la imaginación. A esta nueva estética la denominó superrealismo.

Abogó por la transformación de la técnica y de la estructura del espectáculo teatral; consideraba que el nuevo dramaturgo debía desorientar al público. Destacan tres aspectos en su renovación:

• Diálogo: Ha de contener el carácter, las costumbres y las peculiaridades de los personajes. Debe aproximarse al diálogo hablado, con todos los rasgos que presenta en la conversación ordinaria (repeticiones, retrocesos, falsos comienzos, etc.).
• Temas: Sus temas básicos son la búsqueda de la felicidad, el tiempo y la muerte.
• Iluminación: La utiliza en sus obras para subrayar lo que se encuentra más allá de la realidad; su ausencia momentánea se emplea para marcar el transcurso de los años.