La arquitectura gótica se caracteriza por los siguientes elementos: Predomina el vano sobre el muro; El uso del arco apuntado que desplaza las fuerzas hacia los laterales, para que el muro no reciba tanto peso; El uso de una bóveda de crucería, es decir, el cruce de dos arcos apuntados. Los arcos quedan visibles y reciben el nombre de nervios, que se cruzan en el centro. Los espacios entre nervios se llaman plementería; Las bóvedas de crucería aumentaron el número de nervios, originando bóvedas estrelladas, se diversifican los tipos de arcos: El carpanel, el escarzano, el conopial y el apuntado (más esbelto); Los nervios de la bóveda se prolongan por el muro y los pilares. Los nervios reciben el nombre de baquetones. El pilar compuesto ahora es una especie de friso corrido o banda que recorre el haz de baquetones uníéndolos; Los empujes verticales son absorbidos por los baquetones y los empujes se llevan al exterior a través de los arbotantes; Los arbotantes se apoyan en estribos o contrafuertes. Los estribos se asientan y estabilizan verticalmente mediante pináculos; Uso de la piedra, que se talla de manera exquisita; Para desaguar los tejados expulsaron el agua a través de gárgolas; Aparecen grandes ventanales que se cierran con vidrieras de colores. Las iglesias góticas reciben luz teñida por las vidrieras, sumando la altura de las naves y la sensación de verticalidad, da una sensación de espiritualidad y simbolismo en el interior.; La arquitectura civil presentó nuevos edificios como ayuntamientos, universidades, palacios… La catedral fue el edificio emblemático y estas son sus carácterísticas: La planta sigue el modelo de cruz latina con tres o cinco naves, la central siempre más ancha y alta. El transepto y sus brazos son más cortos y la mitad del templo queda ocupada por la cabecera; El ábside es poligonal y tiene girola y a su alrededor se abren capillas radiales; En el interior del templo la nave estaba dividida en niveles, situándose el trifolio, en la parte superior el claristorio y en la nave central encontramos el coro; En los pies del templo y en los brazos del transepto encontramos fachadas monumentales con  

decoración escultórica. Las portadas tienen arcos apuntados y abocinados y reciben decoración en las arquivoltas, tímpanos, jambas y parte luz. Sobre la puerta central hay un rosetón. En los laterales presenta torres campanario rematadas por agujas y la superficie de la fachada recibe decoración de gabletes y tracerías; La catedral gótica crea un efecto de verticalidad y dinamismo; El cimborrio pasa a llamarse chapitel. Gótico francés: La arquitectura gótica nacíó en Francia y podemos distinguirla en tres periodos: gótico inicial, se desarrolla en la segunda mitad del siglo XII y entre sus construcciones destacan el monasterio de Citéaux, la Abadía de Saint-Denis y la catedral de París. Estas construcciones se caracterizan por su robustez y solidez; gótico clásico: se desarrolla entre los siglos 13 y 14. Las formas son más esbeltas, los templos más altos y las vidrieras ocupan casi todo el muro. Destacan las catedrales de Chartres, Reims y la Santa Capilla de París; gótico flamígero: se desarrolla en el Siglo XV y se caracteriza por la abundancia de decoración y por la aparición de arcos más complejos (conopial). Destaca la catedral de Tours. Gótica europea En Inglaterra se construyeron edificios monumentales donde predominaban las fachadas horizontales. Se caracteriza por el uso son de bóvedas de abanico (en forma de cono invertido con molduras concéntricas) como las de la capilla de King’s College Alemania recibíó influencia del gótico francés. Las fachadas destacan por sus torres rematadas por altas agujas caladas. En los interiores se presenta el modelo de planta de salón, teniendo las tres naves la misma altura Italia se caracteriza por la influencia de la antigüedad clásica y por la aparición de frescos murales debido al predominio del muro sobre grandes cristaleras. En el Siglo XV el arte italiano se encamino hacia el Renacimiento. Una de las peculiaridades es la utilización de mármoles de colores (catedral de siena).Gótica en España: Se caracterizó por la horizontalidad, la sobriedad decorativa y la escasez de vanos en los muros. Hay que diferenciar la Corona de Castilla con la Corona de Aragón ya que presentan diferencias: en Castilla encontramos un mayor número de catedrales. Todas siguen las pautas del gótico clásico francés e intervienen franceses en su construcción, también influenciado por Flandes. Destaca la catedral de Burgos y de Toledo. El gótico flamígero aporta la catedral de Sevilla y el monasterio de San Juan de los Reyes. La corona de Aragón se caracterizó por: La ausencia de elementos decorativos en los muros; La poca superficie ocupada por los ventanales; La construcción de capillas entre contrafuertes; Diferencia de altura entre las naves para crear un espacio unitario. Entre sus construcciones destacan la catedral de Lleida , de Girona y de Barcelona.

ESCULTURA GÓTICA El rasgo más carácterístico de la escultura gótica es el Naturalismo. También se caracteriza por intentar crear sensación de realidad, tanto en las formas y los sentimientos de los personajes, relaciónándose entre ellos y abandonando el hieratismo. La escultura sigue supeditada a la arquitectura aunque con el tiempo llegará a ser exenta. Las portadas monumentales de las catedrales concentran la mayoría de obras. Las figuras aparecen en las arquivoltas y se colocan siguiendo la dirección del arco. Empiezan a esculpirse sillerías de los coros, retablos y sepulcros (liberados del marco arquitectónico) A los temas de tradición romana como el Pantocrátor se unen otros relacionados con la humanización de la divinidad. Ahora se representará un Dios amable, para ello se narran escenas de la vida de la virgen y los santos. Las representaciones de la virgen con el niño adquieren vida y transmiten alegría. También cambia la representación de los crucificados presentando a un Jesús sufriendo en la cruz y se cambian elementos como por ejemplo la sustitución de la corona de espinas por la del rey. La escultura gótica europea Presenta diferencias entre el norte y el sur de Europa. El modelo francés se extiende por toda Europa pero en Italia prevalece una influencia clásica. Se diferencian tres etapas: En el Siglo XIII se mantiene la severidad, a la vez que se busca la idealización (catedral de Reims); En el Siglo XIV se desarrolla el gótico internacional. Se caracteriza por el amaneramiento de las figuras, que se alargan y donde predominan los trazos curvilíneos (ropaje). También se resaltó lo anecdótico y los sentimientos (estatua del ángel sonriente catedral de Reims); En el periodo final durante el Siglo XV los personajes derivan hacia el patetismo y las imágenes son más voluminosas. Se busca captar de forma naturalista las expresiones de los rostros, lo que da pie a la aparición del retrato. Destacan el pozo de Moisés y el sepulcro de Juan sin miedo. La escultura gótica española sigue las mismas pautas que en el resto de Europa. La carácterística principal es la búsqueda del Naturalismo. En el Siglo XIII trabajaron maestros franceses en las catedrales de Burgos y de León destacando la portada de Sarmental y la puerta del juicio final. En el Siglo XIV destacan dos esculturas exentas: la Virgen Blanca de Toledo (primer caso de relación afectuosa entre la virgen y el niño) y San Carló magno (con un increíble detallismo que se refleja en las venas de las manos y adornos de las vestiduras, además del amaneramiento y la elegancia de las formas. En el Siglo XV se recibe influencia Franco borgoña y la flamenca. Destacan Guillem Sagrera en la corona de Aragón y Gil de Siloé en Castilla. Guillem Sagrera realizó la estatua de San Pedro de la puerta del mirador de la catedral de Palma de Mallorca y el ángel de la portada de la lonja de Palma de Mallorca, los pliegues ya no son tan sinuosos, los cabellos rizados aumentan el volumen y la alas están totalmente desplegadas

Las principales carácterísticas de la pintura gótica coinciden con las de la escultura: la búsqueda del Naturalismo, la humanización de la divinidad, la estilización de figuras…. La pintura gótica aporta novedades: Se desarrolla la pintura sobre la tabla ya que los muros ahora son translucidos. Desarrollo de la técnica de la vidriera dejando de lado los muros a excepción de Italia; La profusión de las pinturas sobre tabla se relacionan con el desarrollo de los retablos. Según el número de piezas puede ser: dípticos, trípticos, políticos…; Las escenas tienen fondo plano, normalmente dorado para crear sensación de espacio y profundidad, intercalando en el plano los objetos representados (intento de perspectiva intuitiva); Se desarrolla la técnica de la grisalla, que se colorea. La pintura gótica italiana
En Italia se mantuvo la pintura mural, aunque también se pintó sobre tabla. Destacan las escuelas de Florencia y la de Siena, que constituyen la pintura del Trecento. La escuela de Florencia intenta crear sensación de tridimensional a través de la perspectiva y el volumen. Destaca Giotto de Bondone: Es considerado como el iniciador de la pintura moderna y ya no hay representaciones simbólicas o arquetipos sino una aproximación a la realidad basada en la observación del natural. Intenta transmitir profundidad espacial y dota de sentimientos a sus personajes con la gesticulación. Realizó los frescos de la basílica superior de San Francisco y el fresco de la capilla de los Scrovegni. La escuela de Siena se caracteriza por la fusión de la influencia francesa con la bizantina. Destaca Simone Martini con su obra
La Anunciación. La pintura gótica flamenca En el Siglo XV se desarrolló en Flandes una pintura relacionada con el auge de la burguésía. Los burgueses se convirtieron en nuevos clientes que demandaban obras, especialmente retratos. Se alcanza un extraordinario Realismo al representar los más mínimos detalles. Está minuciosidad fue posible gracias al óleo. Es carácterístico de los pintores flamencos realizar trípticos con puertas pintadas por las dos caras. En las caras exteriores se representaban figuras en grisalla, visibles cuando las puertas se cerraban. Los pintores más notables fueron los hermanos Hubert y los hermanos Van Eyck y Rogier van der Weyden (Destaca el descendimiento de la cruz). Destaca Jan van Eyck, es el máximo representante de la pintura flamenca.

A él se debe el perfeccionismo de la pintura al óleo cuyo resultado final es más brillante, realista y detallista. Intentó reflejar la realidad tal y como la percibe el ojo humano, por eso dió tanta importancia a los detalles y al espacio tridimensional. Se basaba en aspectos lumínicos y atmosféricos tratados de manera intuitiva. Entre sus obras destaca el matrimonio Arnolfini y La adoración del Cordero Místico. La pintura gótica en España: La pintura gótica hispánica recibíó diferentes corrientes que dominaban Europa en cada momento. Se distinguen tres periodos: El gótico lineal se desarrolla entre los siglos 13 y principios del 14. Se caracteriza por un marcado dibujo de línea gruesa que se rellena con color. Los personajes adquieren una mayor sensación de movimiento.   El gótico internacional se establece a finales del Siglo XIV. Presenta unas carácterísticas comunes en toda Europa: predominio de la línea curva, movimientos sinuosos, personajes estilizados y elegantes de aspecto cortesano y atención a lo anecdótico y los pequeños detalles. Destaca el retablo de fray Bonifacio Ferrer. El hispano flamenco se desarrolló en el Siglo XV. La pintura gótica alcanzó un importante desarrollo en España. La influencia flamenca llegó a la península gracias al comercio que manténían España y Flandes. Pintores hispanos viajaron a Flandes para aprender nuevas técnicas. La pintura hispano flamenca asume todas las carácterísticas desarrolladas por los flamencos.

El Quattrocento fue el periodo en el que surgíó un nuevo arte que recogía la herencia del pasado clásico. Fue en Florencia, núcleo del humanismo, donde surgíó gracias a la actividad de un numeroso grupo de artistas. El orden, la proporción, la simetría y la unidad son las bases de la arquitectura renacentista. Los edificios serán fruto de elaborados cálculos matemáticos. La regularidad de los elementos utilizados contribuirá también a dar unidad al conjunto. Las carácterísticas principales de la arquitectura del Quattrocento son: El uso de elementos constructivos clásicos. Los órdenes dórico, jónico, corintio, toscano y compuesto se emplean tanto en arquitectura civil, como religiosa; En las fachadas domina la horizontalidad, y de decoración se utilizan muros almohadillados, guirnaldas, medallones… Predominan las líneas rectas con respeto a las curvas; Los interiores se decoran con motivos de la antigüedad clásica; Las plantas de los templos tienen gran perfección matemática. Tanto las centralizadas, de cruz griega, como la basilical, de cruz latina; Los materiales empleados son el ladrillo, el sillar almohadillado, y el mampuesto revestido de mármol; Los tipos de edificios son muy variados. Junto a las iglesias también hay edificios civiles. Filippo Brunelleschi(1377 1446) Al arquitecto Brunelleschi se le considera uno de los artistas que marca la ruptura con el gótico e introdujeron el movimiento renacentista. Brunelleschi nacíó en Florencia, y ahí fue donde realizó sus obras más importantes. Introdujo en sus obras las leyes de la proporción y de la perspectiva, que tomó de los clásicos. Por ello, en sus realizaciones destacan el uso de líneas rectas y de volúMenes cúbicos. Su obra más famosa es la cúpula de la catedral de Santa María de las Flores, en Florencia León Battista Alberti (1404-1472)  Alberti fue el prototipo del perfecto humanista, al tener conocimientos del teatro, música, derecho, pintura y arquitectura. Entre sus principales obras se encuentran la Iglesia de San Andrés en Mantua, y el Palacio de Rucellai, en Florencia 

El Quattrocento fue el periodo en el que surgíó un nuevo arte que recogía la herencia del pasado clásico. Fue en Florencia, núcleo del humanismo, donde surgíó gracias a la actividad de un numeroso grupo de artistas. La abundancia de obras escultóricas en Italia y, por tanto el conocimiento sobre ellas por parte de los escultores del momento, hicieron que el paso del gótico al Renacimiento, en cuanto a escultura se refiere, no fuera tan brusco como en el caso de la arquitectura. Las carácterísticas de la escultura italiana del Quattrocento son: El Naturalismo, que busca la semejanza del modelo con respecto a la obra; El tema principal será la figura humana, adquiriendo importancia los desnudos, y la anatomía; La independencia de la escultura con respecto a la arquitectura, permitiendo el desarrollo de las figuras de bulto redondo; La ampliación de la perspectiva, gracias a la cual se adquiere un mayor Realismo, al estar las figuras proporcionadas; La diversificación de los temas representados, y la importancia que adquiere el retrato Lorenzo Ghiberti (1378-1455) Se considera el iniciador del nuevo estilo. Muchos artistas formaron parte de su taller, por lo que su influencia fue notable. Su técnica favorita era el trabajo en bronce, tratando con gran maestría los relieves, con los paisajes y la figura humana. En torno a 1400, el gremio de comerciantes de Florencia quiso embellecer el baptisterio de la ciudad, cambiando las antiguas puertas de madera por unas de bronce. Las puertas del baptisterio de Florencia son la obra maestra de Ghiberti.  Donatello (1386-1466)  Donatello está considerado como el escultor más importante del Quattrocento. Nacíó en Florencia, y trabajó en el taller de Ghiberti como ayudante de broncista. Elaboró junto a su maestro las puertas del baptisterio Las carácterísticas de su esculturas vienen marcadas por un gran Realismo, el Naturalismo, y gran fuerza expresiva y emocional. Consiguió un perfecto dominio de la anatomía humana, lo que le permitíó representar al humano en todas las etapas de su vida. Utiliza el stiacciato (aplastamiento), técnica en bajorrelieve que en la que los planos de la composición se aplastan unos con otros. Algunas de las obras más importantes del artista son «David», «San Jorge», «San Juan Evangelista», etc

En la pintura del quattrocento encontramos las siguientes carácterísticas: El Naturalismo, interesado entre captar al ser humano en su ambiente, y el Realismo. Estas dos carácterísticas hacen que exista un gran interés por el estudio de la anatomía humana;  Mayor libertad respecto a los rígidos ves que más góticos, sobre todo ornamentales; El empleo de las leyes de la perspectiva, tratando de conseguir mayor profundidad del espacio gracias a la creación de un punto de fuga; Importancia del dibujo como delimitador de las formas; El uso de luz para definir planos y unificar el ambiente; Se sigue utilizando la tabla como soporte y la técnica del temple. Pero en la segunda mitad del Siglo XV, se introduce el óleo sobre lienzo; La temática sigue siendo religiosa en los frescos de los templos, pero encontramos también temas mitológicos o alegóricos. Se introduce el retrato. Los principales pintores del Quattrocento son Masaccio, Fra Angelico, Piero della Francesca y Botticelli. Masaccio (1401-1428)  Masaccio está considerado como el iniciador de la pintura renacentista del Quattrocento. Representa la afirmación del nuevo estilo. Sus obras más representativas son los frescos de la Iglesia de Santa María Novella y los de la capilla Brancacci realizados por encargo de Felipe Brancacci. Fra Angelico (1395/1400-1455) Este pintor nacíó en un pueblo de la Toscana, y pasó su vida entre el convento de San Marcos, Orvieto y Roma, donde intervino en la decoración del Vaticano. Su obra muestra una ambivalencia estilística.Por un lado, mantiene aún la tradición gótica, por otro, Fra Angélico estudió las obras de Masaccio e introdujo en sus composiciones la perspectiva y los elementos arquitectónicos. Probablemente, su obra más representativa sea la Anunciación. Piero della Fancesca (1415/1420-1492) Este pintor trabajó alejado de Florencia, por lo que desarrolló un estilo muy personal. Las formas geométricas y la solemnidad de sus escenas marcarán el tono majestuoso de sus pinturas, sin dejar de lado las composiciones en perspectiva. Utiliza una iluminación diáfana que crea luces y sombras que definen las figuras. Una de sus obras más destacadas es la flagelación de Cristo Sandro Botticelli (1445-1510). Botticelli se formó en el taller del pintor Filippo Lippi y hacia 1470 abríó su propio taller. Se le considera el pintor que marca el final del Quattrocento y el inicio del Cinquecento. Fue un gran admirador de la belleza femenina. Dotó a sus figuras de voluptuosidad, de cuerpos sinuosos, casi etéreos, y de largas cabelleras ondulantes. Entre sus obras de temática mitológica se encuentran la primavera y el nacimiento de Venus.

Los últimos años del Siglo XV y los primeros del Siglo XVI, se caracterizan por el clasicismo. En este momento el arte se valora como una expresión de la belleza, que pasa a ser considerada como algo inaccesible. Es el periodo más conocido del arte italiano, además, el foco artístico se desplaza desde Florencia a Roma. La urbe medieval se transforma en una ciudad nueva donde los mejores artistas del momento realizan sus proyectos más ambiciosos. La arquitectura se caracteriza por el Racionalismo de las formas, que buscan el equilibrio y la armónía de las proporciones. La decoración de detalle va a tener un carácter secundario y se apuesta por los efectos monumentales. Donato Bramante (1444-1514) Bramante está considerado un auténtico erudito que escribíó tratados sobre arquitectura y la proporción perfecta de los cuerpos, que no se conservan. Su labor artística la desarrolló primero en Milán y, después, en Roma, donde fue requerido por la Santa Sede para los trabajos de la basílica de San Pedro del Vaticano, aunque este proyecto permanecíó inacabado y fue modificado por Miguel Ángel con posterioridad. Fue en Roma donde realizó su obra más importante, el templete de San Pietro in Montorio. Palladio (1508-1580) Palladio, trabajó principalmente en Vicenza, uno de los centros del Renacimiento veneciano. En esta ciudad desarrolló su labor como arquitecto. En 1570 escribíó su conocido tratado “los cuatro libros de la arquitectura”, cuya influencia posterior será fundamental para la historia de esta disciplina. En el tratado recoge normas básicas de la construcción y explica cómo construir puentes, edificios civiles, religiosos, etc. Construyó edificios de carácter religioso y civil, como la Iglesia del Redentor, en Venecia

Los últimos años del Siglo XV y los primeros del Siglo XVI, se caracterizan por el clasicismo. En este momento el arte se valora como una expresión de la belleza, que pasa a ser considerada como algo inaccesible. Es el periodo más conocido del arte italiano, además, el foco artístico se desplaza desde Florencia a Roma. Las carácterísticas de la pintura del Cinquecento en su fase de pleno Renacimiento, vienen determinadas por: La preocupación por el movimiento y la luz; El tratamiento de la luz es más real, se incluyen matices que hacen diferenciar los distintos momentos del día; Las composiciones sencillas que se resuelven en una escena, generalmente de esquemas triangulares; El abandono progresivo de los contornos de las figuras muy definidos; La búsqueda de la belleza ideal y el mantenimiento del orden, la simetría, el equilibrio y la serenidad en las obras. Leonardo da Vinci (1452-1519). Para Leonardo la pintura es una actividad intelectual destinada a reproducir la realidad, y es misión del artista plasmar fielmente por medio del estudio del ser humano y la naturaleza que le rodea. La luz, era una de sus grandes preocupaciones. Emplea la técnica del sfumato basada en la difuminación de las formas y de los colores envolvíéndolo todo como en una neblina, aplicaba en los fondos colores fríos y apenas marcaba los contornos. Entre sus obras más destacables cabe la Virgen de las rocas, la Gioconda, etc. Rafael (1483-1520). En 1504 es la época en la que pinta obras tan importantes y reconocidas como la Madonna, y en 1508 el Papa Julio II lo llamó para participar en la decoración de las estancias del Vaticano. En Roma también trabajó en las obras de la basílica de San Pedro sustituyendo a bramante. Sus pinturas se caracterizan por una perfecta maestría en el dibujo y por la rica gama cromática. Sus composiciones son armoniosas, con figuras dinámicas y de singular belleza. 

La escuela veneciana

: En Venecia se desarrolló un estilo pictórico muy particular donde predominaba el color. Se le da una especial importancia al paisaje, se rinde culto al lujo y la riqueza. Es una pintura, donde la luz y el color se funden e integran perfectamente. Tiziano, junto con Giorgione y Veronés, es uno de los artistas más destacados de la escuela veneciana del Siglo XVI. Entre sus obras más tempranas, podemos citar la Venus de Urbino. Tiziano realizó numerosos retratos de Carlos V. También pintó temas religiosos, como la Asunción de la Virgen de la Iglesia de Santa María Dei frari, en Venecia. En la obra hace que los contornos de la figura desaparezcan y trabaja las formas por medio del color. Una de sus obras más importantes es Dánae recibiendo la lluvia de oro.