LA ESCULTURA RENACENTISTA EN ITALIA

La escultura renacentista como la arquitectura nace apoyada en los modelos clásicos. Se advierte un gusto por el desnudo, por la utilización de materiales nobles de la antigüedad (mármol y bronce) y un interés por lo monumental y severo. Aplica un esquema racionalista de proporción y simetría, con un detallado estudio anatómico que se fundamenta en un gusto por el desnudo. Se amplía la temática y, además de religiosa, surge una temática profana que se manifiesta tanto a través de la escultura funeraria cómo a través del retrato (ecuestre o busto). Se exalta al individuo algo muy propio de la ideología humanista, y se va sustituyendo la narrativa religiosa medieval por un arte que busca la belleza de las formas y el placer estético. El hombre y la naturaleza serán los protagonistas. Reaparece el desnudo, y los temas religiosos se presentan con tipos figurativos paganos. La escultura renacentista es realista y naturalista, y utiliza composiciones caracterizadas por la curva y la contra curva. Los materiales utilizados son diversos: piedra, mármol, terracota, madera, yeso y bronce.

Artistas principales dentro del Cuattrocento (siglo XV): –

Ghiberti como buen humanista es un ejemplo del nuevo artista que sediferencia del artesano medieval. Fue arquitecto, escultor y pintor. Entresus obras destaca “Las puertas del paraíso” realizadas en bronce. Enestas puertas logra la perspectiva al trabajar el bronce como si de unapintura se tratase: utiliza el alto-medio-bajo relieve obteniendo así, laprofundidad.-
Donatello, es el escultor más importante del “Quattrocento”. Cultivó laorfebrería y supo de arquitectura y pintura. Su escultura oscila entre labúsqueda del equilibrio clásico y la belleza, y el cultivo de un ciertoexpresionismo, de valores dramáticos.En el Cinquecento (siglo XVI)
continúa el sentido clasicista de equilibrio yarmonía. Pero poco a poco surge una tendencia a la agitación en la

composición, a la búsqueda constante del movimiento y a la monumentalidad hasta llegar al manierismo.
A partir de la segunda década del XVI la tendencia será la búsqueda de la tensión frente al equilibrio clásico, la volumetría frente a la gracilidad y la expresividad frente al idealismo. Inquietud, sorpresa y zozobra frente al orden clásico.

El siglo XVI está marcado por la figura de Miguel Ángel.
Es el máximo exponente del clasicismo y, al mismo tiempo, el iniciador del lenguaje manierista. Miguel Ángel es el prototipo de hombre del Renacimiento, arquitecto, escultor y pintor y es considerado uno de los grandes genios de toda la historia. Su obra es variada y compleja pero donde destaca es en la escultura. Utiliza siempre el mármol de Carrara blanco y, compacto por ser para él, el material que más se acerca a la Belleza. Su fuerte personalidad queda reflejada en la escultura mejor que en cualquier otro campo. Dota a la escultura de una fuerza y viveza excepcionales, conseguida a través de dominio de la técnica. Sus figuras son grandiosas, verdaderos titanes, contienen una gran fuerza contenida que surge del interior y aplasta al espectador. Refleja toda la tensión interna es la terribilitá de Miguel Ángel. Destacan su “Piedad” obra maestra de equilibrio, y “David” donde refleja al héroe con fuerza, vigor y tensión en contraste con el modelo delicado del Cuattrocento. Trabaja en “El Mausoleo de Julio II”, un enorme monumento de mármol con más de cuarenta figuras de tamaño natural que por presiones políticas quedó reducido a tres figuras entre las que destaca la figura de Moisés. “El Moisés” es el ejemplo de la terribilitá miguelangesca, de la fuerza contenida y la grandiosidad.

8 LA PINTURA RENACENTISTA

Características generales

La pintura renacentista española se lleva a cabo normalmente en óleo. Realiza interiores sujetos a las leyes de perspectiva, sin agolpamiento de personajes. Las figuras son todas del mismo tamaño y anatómicamente correctas. Se utilizan diferentes gamas tonales en los colores y sombreados. Para acentuar el estilo italiano se añaden ruinas romanas en los paisajes, incluso en escenas de la vida de Cristo. La pintura española se caracteriza por la ausencia de temática profana y el predominio de la religiosa. La clientela será fundamentalmente la Iglesia. Destaca el Greco.
Este pintor es uno de los grandes maestros del siglo XVI. Presenta tres grandes influencias:-
La bizantina que explicaría el carácter rígido que caracteriza sus figuras. –
La veneciana que se refleja en sus colores ácidos y encendidos. –
La hispánica que inunda toda su obra de misticismo, y de expresionismo dramático muy típicamente español.

PINTURA RENACENTISTA ITALIANA

La pintura italiana renacentista participa también de las nuevas ideas. Hay una vuelta a la cultura clásica, a la búsqueda de la belleza basada en la medida, el número y la proporción. Se trata de una pintura preocupada por la representación de la realidad de la Naturaleza. Por ello aporta un nuevo sistema visual: la perspectiva tridimensional, lineal3 y aérea que hace posible la representación de lo real en las dos dimensiones. Hay un interés por la representación naturalista, por la percepción de los volúmenes, así como por reflejar la psicología de los personajes.
La temática es predominantemente religiosa en los frescos que decoran iglesias y en las tablas de altares y oratorios, pero se cultivan también temas mitológicos o profanos. La pintura se practica sobre muro, tabla y lienzo y las técnicas más comunes son el fresco, el temple4 y el óleo5. Después de Giotto (siglo XIV) hay que esperar hasta el siglo XV en el Cuattrocento para que la pintura se inspire en el mundo clásico, en la observación de la naturaleza y al estudio de la plasmación de la perspectiva. Durante algún tiempo, aún predomina un gusto lineal y cromático, un gusto

cortés propios del gótico internacional. Pero pronto se impone una reacción contra este estilo. Se investiga en la