El Diseño Modernista y su Expansión

¿Qué pasó en nuestra sociedad para que el diseño fuera algo indispensable en nuestras vidas?

Factores Clave del Auge del Diseño

• Publicidad: Fue la herramienta más importante para difundir el modernismo, utilizando la prensa de masas. Su evolución incluye nuevas tipografías y colores, lo que hace que el diseño gráfico se vuelva más interesante y artístico.
• Imprenta: Mejora la publicidad al permitir la impresión masiva de carteles y se renueva la litografía, que mejora la calidad.
• Diseño de carteles: Deben ser económicos, elegantes y claros, adaptándose a diferentes contextos, lo que lleva a que los diseñadores sean cruciales en la economía. Incorporan movimiento, curvas, siluetas, colores simples y permiten la expansión del diseño como profesión.

Todo el mundo puede acceder a algo bello con la función de vender. Las empresas se dan a conocer de manera ágil y moderna y abren puertas al diseño gráfico.

Primeros Cartelistas del Modernismo

• Chéret: Considerado el primer cartelista del modernismo, centra su trabajo en la figura femenina, que se convierte en símbolo de moda y sensualidad, lo que impulsa las ventas.
• Lautrec: Representa la vida bohemia y la diversión en París, usando colores y formas llamativas. Marca la tendencia del «París alegre».
• Mucha: Utiliza el japonismo en sus carteles, que a menudo incluyen mujeres lánguidas, líneas curvas y abstractas. Publicita una amplia gama de productos.

Otras Tendencias y Diseñadores Relevantes

Diseñadores austriacos: Ponen de moda las líneas rectas, sobre todo los cuadrados, y su influencia se extiende a otros espacios (alfombras…). Muchos también son arquitectos.

Diseños políticos: Con los problemas sociales, muchos diseñadores crean carteles para partidos políticos; así, el diseñador utiliza el diseño para expresar ideas (Steinlen es el más importante).

• Van de Velde: Revoluciona el diseño de carteles con su diseño «TROPON», utilizando la línea abstracta (rompedor).
• Toorop: Promueve la moda y representa a la mujer como un atributo sensual (destacando el cabello). Vende muchos productos.

El Modernismo en Cataluña (Arts Cat)

• Casas: Expande ideas de la historia española (la mujer española como la más libre), aunque su cartel de cigarrillos no fue claro en su mensaje.
• Beardsley: Artista sombrío debido a su difícil vida, utiliza «curvas globo» y colores oscuros.

La Escuela de Nancy: Identidad y Naturaleza

La Escuela de Nancy (fundada en torno a la Exposición de 1884, consolidada después), se enfoca en la identidad regional a través del diseño, en parte como reacción a la pérdida de Alsacia y Lorena tras la guerra franco-prusiana (1871). Se destacan diseñadores nativos que utilizan materiales como el vidrio y la madera, y sus obras incluyen símbolos locales como la cruz de Lorena y la flor del Cardo, lo que les otorga distinción (productos originales). Utilizan motivos de flora, fauna y frases, desarrollando una variante floral propia.

• Émile Gallé es el diseñador más importante. Sus elementos recurrentes incluyen cardos, paisajes lacustres y libélulas. Su diseño de jarrón «Cebolla» es muy famoso. Funda una fábrica que produce diseños funcionales, asociados a la popularización de la ciudad de Nancy.
• Louis Majorelle destaca por su uso de líneas curvas y, posteriormente, también rectas en el mobiliario.
• Los Hermanos Daum crean objetos en serie, decorándolos con encanto, y contratan a Jacques Gruber para mejorar el prestigio y la técnica de su fábrica.

En resumen, tenemos una escuela cuyo diseño está fuertemente marcado por su historia y su identidad local, influenciado por el contexto post-guerra.

La Escuela de París: Elegancia y Lujo

La escuela de París, gracias a Hector Guimard, es famosa por el «Estilo Metro» en las entradas de las estaciones (lo que da glamour a una infraestructura utilitaria). Su diseño incorpora curvas sinuosas y elementos inspirados en la naturaleza, buscando una conexión orgánica entre el diseño y el espectador.

René Lalique es un ejemplo sobresaliente del diseño Art Nouveau. Destacado diseñador de joyas, se formó como artista decorativo y trabajó con marcas prestigiosas como Cartier. Crea objetos como peinetas, broches y cajas, que son obras de arte costosas. Inspirado en la mujer y la naturaleza, especialmente en insectos y plantas, fue pionero en diseñar frascos de perfume icónicos para Coty. Su trabajo combina técnicas innovadoras (como el moldeado de vidrio) y artesanía exquisita, lo que aumenta su valor.

Jugendstil: El Modernismo Alemán

El Jugendstil está muy marcado por la naturaleza y también influenciado por la capitalización y el deseo de consumo de las clases adineradas. Se definen estilos y arquitectos importantes, como se ha visto en otros países.

Dos cuestiones clave emergen: forma y función.

La Escuela de Múnich: Rebeldía y Tradición

Múnich, al ser menos influida por la sociedad conservadora que otras ciudades más grandes, permite a los artistas ser más libres y tener más tiempo para crear. Debido a un espíritu de rebeldía, se crea un Art Nouveau renovado.

Los diseños de estas escuelas «pequeñas» se hacen famosos y alcanzan proyección internacional por su genuinidad.

Peter Behrens es muy influyente en este arte. Es pionero en el diseño industrial, incluyendo objetos eléctricos para AEG (como teteras).

La Escuela de Múnich, aunque inicialmente tradicional, dura poco en su primera fase, ya que Behrens y otros diseñadores importantes se trasladan a la Colonia de Artistas de Darmstadt debido a la falta de burguesía y mecenas suficientes.

Se rinde culto a la modernidad, a la importancia de la línea (formal, recta y curva) y a una identidad propia alemana.

Características del Jugendstil

El término Jugendstil (Estilo Joven) proviene de la revista Jugend (Juventud), lo que demuestra la importancia del diseño gráfico, capaz de dar nombre a estilos artísticos. Este movimiento dura aproximadamente una década en su apogeo.

El Jugendstil es el modernismo alemán, una renovación del diseño y el arte. Los cartelistas crean verdaderas obras de arte. Tiene influencia del movimiento Arts and Crafts en su búsqueda de inspiración en la naturaleza.

• Se busca la participación del artesano para que no se pierda su oficio.
• Hay una vinculación con lo exótico y la naturaleza.
• Existe una tendencia a la simetría, la estilización y la ornamentación abstracta. La estética es fundamental.
• Predominan dos tipos de líneas: 1. Formal y 2. Abstracta (impulsada por artistas como Olbrich y Obrist).
• El objetivo es la obra de arte total (Gesamtkunstwerk).

Figuras Destacadas del Jugendstil en Múnich

• Joseph Maria Olbrich: Diseña vajillas y otros objetos, buscando integrar en el diseño diferentes disciplinas artísticas. Más tarde será clave en Darmstadt y Viena.
• August Endell: Su estilo toma influencia de la revista Simplicissimus. Realiza diseños de líneas a menudo rectas y poco ornamentados. Forma una escuela y se especializa en arquitectura urbana; también deja Múnich por Berlín. Su Estudio Fotográfico Elvira (1897-98) es muy importante; su fachada dinámica y colorida llamaba la atención y recalcaba la importancia del cambio y la modernidad. Aunque no es un diseño típico del Jugendstil floral, su espíritu de cambio y rebeldía sí se relaciona con el movimiento.
• Hermann Obrist: Diseña todo tipo de objetos. Pasa a la historia por su aportación más importante: la línea dinámica y orgánica (el «latigazo» o Peitschenhieb) plasmada en su obra Bordado Ciclamen (1895).
• Otto Eckmann y Hans Christiansen: Abordan temas como la paz y la sensualidad de la mujer (a menudo a través de la representación del cabello). Eckmann realiza diseño textil, mobiliario, joyería y crea una famosa tipografía (Eckmann-Schrift). Muy influenciado por el japonismo, incluye líneas rectas en los muebles. Se irá a la Colonia de Darmstadt. Colabora en revistas, reflejando nuevas tendencias y creando figuras en los diseños que remiten a la identidad alemana.
• Peter Behrens: Realiza trabajos similares a otros diseñadores de Múnich, pero va mucho más allá. Aunque pertenece a la misma escuela, hace cosas totalmente distintas, siendo pionero en diseñar objetos cotidianos eléctricos para AEG. Será uno de los diseñadores más importantes de Darmstadt y marca la transición del diseño al siglo XX. Tiene gran influencia del Arts and Crafts, de Morris y de la naturaleza. Trabaja tanto para la élite adinerada como para políticos de izquierdas, lo que resulta en una producción prolífica. Su xilografía El Beso (1898) es fundamental para la escuela de Múnich, debido a sus pocos colores, trazos simples, la importancia de la curva, una composición simétrica y una posible referencia a Klimt. Ha pasado a la historia, entre otras cosas, por interpretarse como una representación ambigua de género o andrógina. Reconoce que no se puede trabajar solo y se necesita un mecenas. Funda los Talleres Unidos para el Arte y la Artesanía (Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk) para dar a conocer su trabajo, conseguir encargos y fomentar la colaboración.
• Richard Riemerschmid: Diseñador de «arte total» (Gesamtkunstwerk), con reminiscencias del pasado y una fuerte influencia alemana. Tiene un taller propio. Su aportación más importante es la introducción de muebles en la producción industrial (muebles «tipo» o Typenmöbel), hechos a máquina, lo que permite una producción económica y en serie sin perder calidad.

La Colonia de Artistas de Darmstadt: Un Laboratorio de Diseño

Origen y Objetivos

La Colonia de Artistas de Darmstadt (Darmstädter Künstlerkolonie) es un proyecto promovido por Ernesto Luis, Gran Duque de Hesse, en la colina de Mathildenhöhe. Esta iniciativa pretende crear un espacio donde los artistas puedan vivir y diseñar obras de calidad, funcionando como un modelo para la renovación del arte y la artesanía alemanes.

• La colonia se enfoca en la formación del artesano para que desarrolle su propio gusto y contribuya a la cultura alemana.
• En 1899, el duque llama a siete artistas, incluyendo a Peter Behrens y Joseph Maria Olbrich, para diseñar siete casas como obras de arte total, reflejando el diseño alemán moderno.
• Olbrich es el arquitecto principal de los edificios comunes y varias de las casas.

Desarrollo y Exposiciones

• En 1901, se celebra la primera gran exposición, «Un Documento del Arte Alemán», donde las casas y sus interiores son presentados como elementos artísticos integrales, marcando un hito en el arte alemán.
• Durante esta exposición, Behrens y Olbrich compiten simbólicamente por crear la mejor casa. Sus residencias tienen diferentes estilos y conceptos, reflejando sus visiones artísticas (Behrens busca crear conciencia y racionalidad; Olbrich busca principalmente la belleza y la expresión artística).
• La colonia prospera con sucesivas exposiciones (1904, 1908, 1914), aunque se cierra funcionalmente debido a la Primera Guerra Mundial, no por fracaso intrínseco.
• Se expande gracias a la idea (similar a la de Ruskin) de conservar y promover la cultura a través de los objetos diseñados, uniendo arte y vida. Así se dignifica al artesano (aunque el foco no está tanto en el obrero industrial).
• La Colonia de Darmstadt funciona como un documento artístico y ayuda a la economía local a través de la venta de sus objetos diseñados.
• La exposición de 1904 es un éxito funcional. En 1908, con la participación de diseñadores gráficos para los carteles, también fue un éxito de ventas. La última exposición, en 1914, muestra elementos modernistas más tradicionales y tiene menor impacto al ocurrir cerca del inicio de la guerra.

Legado e Innovaciones

Empieza a haber un recambio de artistas: Behrens se va a Berlín (a trabajar con AEG), Olbrich se va a Düsseldorf y luego a Viena. Empiezan a surgir otros diseñadores con ideas novedosas: uso predominante de líneas rectas, geometrización, relieves en las paredes, cambios de colores (tonos muy claros)…

Así, la colonia da una vuelta de tuerca al modernismo del Art Nouveau, aportando numerosas innovaciones al diseño y sentando bases para el diseño industrial y la arquitectura moderna.

Los Talleres Vieneses (Wiener Werkstätte): Diseño Integral y Cooperativismo

Organización y Principios

Los Talleres Vieneses (Wiener Werkstätte) en Austria, activos principalmente entre 1903 y 1932, se convirtieron en un importante movimiento de diseño. Fundados por Josef Hoffmann, Koloman Moser y el industrial Fritz Waerndorfer, su enfoque teórico fue respaldado por un funcionamiento práctico, donde artistas y diseñadores trabajaban juntos de manera colaborativa.

1. Organización y Estética: Los talleres estaban organizados como una empresa con diferentes departamentos (metal, cuero, madera, textil, etc.), influenciados por el Art Nouveau (especialmente la Secesión Vienesa) y el movimiento Arts and Crafts. Su estética era vanguardista, valorando la creatividad, la calidad artesanal y la libertad formal (especialmente la geometría).
2. Cooperativa: Funcionaban inicialmente con un espíritu cooperativo, aunque estructurados como empresa. Los diseñadores provenían en su mayoría de la Escuela de Arte y Oficios de Viena (Kunstgewerbeschule).
3. Objetivos de Diseño: Se enfocaron en crear productos utilitarios y decorativos de alta calidad: muebles, vajillas, joyas, telas, moda, gráfica. Buscaban elevar el diseño al nivel del arte, darle un prestigio artístico y crear una identidad colectiva reconocible.
4. Financiamiento y Declive: La cooperativa fue financiada inicialmente por Fritz Waerndorfer, aunque eventualmente las dificultades económicas (alto coste de producción, mercado limitado) y los cambios políticos (Primera Guerra Mundial, crisis económica, ascenso del nazismo) contribuyeron a su cierre definitivo en 1932.
5. Diseño Gráfico y Branding: Desarrollaron una fuerte identidad gráfica, utilizando un logotipo distintivo (la rosa de Hoffmann y las iniciales WW) y un estilo coherente en papelería, catálogos y publicidad para consolidar su visibilidad. El diseño gráfico era fundamental para comunicar la marca.
6. Proyectos Destacados: Diseñaron espacios completos como «obras de arte total», destacando el Sanatorio Purkersdorf (Hoffmann, 1904-1905), donde lograron una gran cohesión entre arquitectura, mobiliario y decoración.
7. Línea de Productos: Se centraron en muebles (como la famosa silla reclinable «Sitzmaschine» de Hoffmann), cerámica, vidrio, metalistería y textil. Tras la Primera Guerra Mundial, intentaron adaptarse a las necesidades de una clase media con menor poder adquisitivo, pero sin renunciar a sus altos estándares de calidad.
8. Moda y Textiles: La moda cobró importancia, con un departamento propio desde 1911. Diseñadoras como Dagobert Peche (aunque hombre, muy influyente en textiles y moda) y otras mujeres aportaron diseños innovadores. Las diseñadoras tuvieron un impacto significativo en el sector textil, creando patrones audaces y modernos.
9. Diseño e Igualdad: Aunque era una sociedad de su tiempo, fomentaron un entorno de relativo respeto y colaboración. Las mujeres desempeñaron roles importantes, especialmente en el diseño textil y de moda.

Diseño Gráfico, Metal y Moda en los Talleres

• Diseño Gráfico: Los diseños son a menudo únicos o de series limitadas, marcados y a veces firmados. La colaboración entre artistas y artesanos es esencial. Los diseños reflejan la identidad del diseñador y la estética de la Werkstätte (geometría, estilización).
• Diseño en Metal: Utilización de metales variados como plata, alpaca, latón. Incorporación de estructuras geométricas innovadoras y superficies martilladas o lisas.
• Tipos de Letra: Predomina la búsqueda de tipografías claras, a menudo geométricas y sans-serif, integradas en composiciones equilibradas. Uso de contrastes, principalmente blancos y negros, pero también colores planos.
• Moda: Gran libertad creativa. Diseñadoras como las hermanas Flöge (Emilie Flöge, aunque más asociada a Klimt, representa el espíritu reformista en la moda) y las de la Werkstätte aportan comodidad y estilo moderno, alejándose del corsé. La producción textil crece. Se diseñan tanto prendas como telas, fomentando la integración del diseño.

Viendo los diseños, especialmente los de las mujeres, apreciamos la amplitud de talento que contribuyó al diseño austriaco dentro de los talleres.

La Secesión Vienesa: Ruptura y Búsqueda de un Estilo Propio

La Secesión Vienesa (Wiener Secession) es un movimiento artístico fundado en Viena en 1897, asociado al Art Nouveau internacional pero con características propias. Un grupo de artistas (pintores, escultores, arquitectos), liderados por Gustav Klimt, se separan (hacen «secesión») de la conservadora Academia de Bellas Artes (Künstlerhaus), cansados de sus directrices académicas, para buscar un estilo nuevo que refleje la vida moderna, joven y vibrante. La Secesión busca la «obra de arte total» (Gesamtkunstwerk).

Origen, Objetivos y Estilo

• Origen y Objetivos: Buscan crear un foro para el arte contemporáneo austriaco e internacional, sin un estilo programático único, pero unidos por el deseo de renovación. Quieren unificar e integrar diversas artes (pintura, escultura, arquitectura, artes aplicadas). El estilo es variado según el autor, sin una forma única específica, aunque comparten ciertas tendencias.
• Diseño y Estilo: Crean un diseño distintivo, a menudo denominado «Estilo Secesión» o «Estilo Vienés», caracterizado por la elegancia, la estilización, el uso de la línea (tanto curva como recta), la geometría (especialmente el cuadrado), la simetría y, en ocasiones, una rica ornamentación simbólica. Se convierte en un movimiento importante, conectado con la efervescente vida intelectual vienesa (discusiones en cafés sobre psicoanálisis, ciencia, política…). Algunos críticos dudaban de su éxito y longevidad.
• Principales exponentes: Incluyen a Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Carl Moll, y el arquitecto simpatizante Otto Wagner.
• Características: Uso de curvas orgánicas y líneas rectas geométricas, simetría, repetición de motivos, bidimensionalidad, y una fuerte carga simbólica y narrativa (a menudo centrada en la figura femenina). También se inspira en el arte japonés y otras culturas.

Figuras Centrales y Obras Emblemáticas

• Klimt: Figura central y primer presidente de la Secesión. Creó el cartel para la primera exposición (1898), que tuvo que ser modificado por censura (el desnudo de Teseo fue cubierto parcialmente con un árbol). Su estilo se caracteriza por el uso de líneas elegantes, espacios planos, letras decorativas y la figura humana estilizada. Su arte posterior incorpora pan de oro y otros ornamentos, resaltando la figura femenina con gran sensualidad y simbolismo.

El Edificio de la Secesión («El Repollo Dorado»)

• Diseñado por Joseph Maria Olbrich (1897-98) como manifiesto arquitectónico del movimiento. Lema inscrito en la entrada: «A cada tiempo su arte, a cada arte su libertad».
• Utiliza materiales modernos y una composición basada en volúmenes geométricos simples, con poca ornamentación aplicada, pero con una distintiva cúpula calada de hojas de laurel doradas (apodada «el repollo dorado»).
• Inicialmente controvertido, hoy se considera uno de los edificios clave del modernismo europeo.
• Alberga exposiciones y obras como el monumental Friso de Beethoven de Klimt (1902), reflejando la vinculación entre arte, música y diseño.
• Triunfa por su elegancia, simplicidad simbólica y tiene gran repercusión cultural.

El Museo de Artes Aplicadas (MAK) de Viena alberga importantes ejemplos y ayuda a difundir el diseño de la Secesión Vienesa y el arte aplicado.

• Moser: Diseñador polifacético destacado tanto en el Jugendstil como en la Secesión y cofundador de la Wiener Werkstätte. Famoso por su habilidad estética y práctica. Su trabajo abarcó diferentes rangos de precios, buscando ampliar el acceso al buen diseño. Abrió un nuevo enfoque en el diseño diversificado: nuevas formas, estilo adaptable y funcional. Desarrolló nuevas tipografías, buscando a menudo la inscripción dentro de formas geométricas como el cuadrado.

Revista Ver Sacrum («Primavera Sagrada»)

• Órgano oficial de la Secesión, lanzada en 1898. Mantenía un altísimo estándar de diseño gráfico y tipográfico en todos sus números, funcionando como un escaparate del estilo del movimiento.

Arquitectos Clave de la Secesión

Tres arquitectos son fundamentales en este contexto, aunque con enfoques distintos:

• Otto Wagner: Considerado el padre de la arquitectura moderna austriaca. Buscó renovar la arquitectura urbana, creando edificios funcionales y bellos para la vida moderna, tanto para la clase media (como la Caja Postal de Ahorros – Postsparkasse) como para infraestructuras públicas (estaciones del Stadtbahn – metro) y otros usos (Hospital Steinhof), aplicando un diseño integral. También diseñó edificios residenciales como la Majolikahaus (Casa de las Mayólicas). Utiliza tanto curvas decorativas como estructuras basadas en líneas rectas, dando una nueva fisonomía a la ciudad. (Muchos elementos metálicos, como en las estaciones de metro, están pintados del característico «Verde Otto Wagner»). Utiliza decoración geométrica y aplica tanto elementos lujosos como innovaciones técnicas. Una gran obra es la Caja Postal de Ahorros (1904-1906), donde utiliza aluminio de forma innovadora en elementos constructivos y decorativos (como los remaches vistos de la fachada), transmitiendo una imagen de modernidad, seguridad y funcionalidad. Combina materiales tradicionales como la madera y el mármol con elementos modernos en el mobiliario (estilo Thonet modificado, aluminio). El interiorismo busca la funcionalidad, con predominio de superficies lisas y colores claros.
• Adolf Loos: Arquitecto, influyente teórico y diseñador que aboga por la eliminación del ornamento superfluo en la arquitectura y el diseño. Considera que el ornamento no es esencial para la belleza funcional, que reside en la coherencia, la calidad de los materiales y la adecuación al propósito. Su influyente ensayo Ornamento y Delito (1908) critica la ornamentación excesiva, asociada en parte al Art Nouveau y la Secesión. Diseñó la Casa Michaelerplatz (conocida como «Looshaus», 1910-11), cuya fachada lisa y sin ornamentos frente al Palacio Imperial causó una enorme controversia (se le exigió añadir jardineras con flores). Prioriza el diseño del espacio interior (Raumplan), articulando volúmenes y alturas según la función. Valora la línea recta, la pureza de los materiales nobles y la artesanía de calidad. Diseñó interiores de cafés (como el Café Museum), valorándolos como espacios de discusión social e intelectual. Crea espacios funcionales y confortables, donde el diseño sirve al propósito sin imponerse visualmente de forma ostentosa. También proyectó viviendas sociales, buscando mejorar las condiciones de vida de los obreros priorizando la funcionalidad sobre la apariencia exterior.
• Joseph Maria Olbrich: Discípulo de Wagner, diseñador del Edificio de la Secesión y figura clave en la Colonia de Darmstadt. Defensor de la «obra de arte total», integrando arquitectura, diseño interior y artes aplicadas con un lenguaje formal elegante y a menudo simbólico.