Historicismo y eclecticismo.  El arte de los siglos XIX y XX no representa ninguna unidad. Son unos siglos muy agitados. Las tendencias y estilos artísticos se suceden más rápidamente que hasta entonces. La arquitectura del siglo XIX se caracteriza por la variedad de tendencias. Conviven2 formas distintas de entender la arquitectura: una que la concibe como arte y se preocupa especialmente de las formas y del ornamento: historicismo o eclecticismo, y otra que lo entiende como ingeniería y se interesa por los aspectos técnicos de la construcción y la introducción de los nuevos materiales: arquitectura del hierro. El historicismo y el eclecticismo. En el Siglo XIX existía un retorno al pasado. El neoclasicismo fue la primera manifestación de esta tendencia pero sus formas se fueron abandonando debido al encorsetamiento que supónían las formas fijadas por las academias. Los arquitectos buscan la inspiración en el pasado arquitectónico: estilos historicistas. Este movimiento se construye a imitación de los estilos arquitectónicos anteriores, se toman elementos de distintas arquitecturas y se añaden a edificios que poco tienen que ver con el pasado… Los edificios utilizaban técnicas constructivas nuevas, así como los nuevos materiales. Carácterísticas.Rechazo al academicismo clasicista y búsqueda de una mayor libertad creativa. Reproducción de formas arquitectónicas del pasado, usando las técnicas del s. XIX. Preocupación por el aspecto exterior de los edificios sin que haya siempre una correspondencia con el interior o con la estructura.  La arquitectura desarrollará un gran interés por los mundos exóticos y lejanos que han conocido gracias a la expansión colonial. De los estilos historicistas destaca el neogótico porque estaba vinculado al Romanticismo, evocaba formas antiguas de religiosidad, y tenía un estilo del pasado. Otro arquitecto neogótico fue August Pugin que construyó el Parlamento de Londres. El Eclecticismo. Los arquitectos empezaron a ensayar la combinación libre de los distintos estilos. Combinar de modo creativo formas procedentes de distintos estilos. Con formas que no sean originales se crea algo nuevo.
Se desarrolla a partir de la mitad del siglo y será un estilo muy habitual. Su éxito se basaba en la posibilidad de escoger para cada caso la opción que mejor se adaptara a los fines de la obra.
Uno de los edificios más representativos de esta corriente es la Ópera de París de Garnier en la que predominan diferentes estilos, emplea una estructura de hierro y hormigón y se decora con temas barrocos, elementos manieristas italianos.

Arquitectura modernista Movimiento que se desarrolla en Europa a finales del Siglo XIX. Refleja el rechazo y afán de superación de la arquitectura historicista y ecléctica. Se incorporan los avances de la arquitectura del hierro, que se exhiben sin tapujos y se revalorizaron estéticamente: Se combinan materiales tradicionales (piedra, ladrillo) y nuevos (hierro, vidrio). Las estructuras metálicas sostienen el edificio y quedan a la vista. La decoración es abundante, pero no oculta la estructura del edificio. El interior adopta plantas libres, huyendo de la simetría. La luz penetra a través de ventanas, miradores, vidrieras y claraboyas. El exterior pretende transmitir al entorno urbano una sensación de alegría y variedad. 2 tendencias: Una ondulante: Elementos de gran plasticidad y dinamismo. Plantas y superficies curvas  Una rectilínea: Más severo. Se basa en la línea recta. Decoración de carácter geométrico. Víctor Horta: Casa Tassel: Hierro como material estructural, dándole formas curvas como tallos u ondas. El interior de forma libre, sin pasillos ni habitaciones en fila.  Gaudí: Casa Milá, “La Pedrera”: Se asemeja a un grupo de montañas, con arbustos metálicos en los balcones y cumbres nevadas con chimeneas antropomórficas. Planta libre y estructura celular.

Cubismo analítico La preocupación es conseguir el equilibrio estructural del cuadro, considerando éste como un espacio en el que se ordenan las formas. La exploración cubista pretendía superar las ideas del impresionismo. Esta nueva pintura analítica busca una formulación arquitectónica ordenada y de naturaleza abstracta que valga como una visión total de los objetos, elaborada a partir de sus elementos constructivos. No se pretende engañar, sino transcribir al pie de la letra la realidad. Afecta a las obras de Braque y Picasso entre 1909 y 1912. La técnica del facetado fue uno de los recursos primordiales; consiste en representar el espacio por facetas, una visión fragmentada por parcelas que se reúnen en el cuadro como en el fondo de un ojo facetado. A partir del aspecto de las cosas, según se presenten desde distintos ángulos, se perfilaban los esquemas básicos del cuadro. Cubismo sintético desemboca en una pintura que empieza a introducir recuerdos objetivos de la materia. Así, se simulan las vetas del mármol, maderas, texturas granuladas y rugosas. Se espesa la pintura mediante la mezcla del óleo con otras materias para lograr esos efectos. También se intercalan papeles de periódico, que se pegan sobre el lienzo. Nacieron los papiers collès, técnica con la que Braque obténía realizaciones enormemente sobrias. Los valores táctiles hallan aquí un nuevo juego estético. Picasso y Braque comenzaron a incorporar material gráfico como páginas de diario y papeles pintados, técnica que se conoce como collage Estas obras son más simples, más sencillas de entender, son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los objetos ya no se reducen a volúMenes y planos expuestos en diversas perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos esenciales

Francisco de Goya rompe con el neoclasicismo. En sus obras se observa el amor al pueblo, la crítica a la clase alta.-Estilo: Su estilo experimentó una gran evolución a lo largo de su vida, comenzó con obras alegres y coloristas, después d la Guerra Civil española adopta colores intensos.-temas: religioso, escenas costumbristas con crítica social.-Género: el retrato, donde plasmaba los rasgos físicos d sus personajes y su psicología, y al final d su vida predominaron las pinturas negras:-Grabados: pinta el anticlericalismo, la ignorancia-Retratos: pinta a reyes y a amigos, La Familia de Carlos IV y Las majas. En la cuarta etapa su estilo es diferente:- los desastres d la guerra: refleja el: El 2 de Mayo y Los Fusilamientos del 3 de Mayo.-El coloso: representa un gigante d pie.-Las pinturas negras: son pinturas realizadas al óleo sobre las paredes de su casa.

Cezanne y van gogh: El Postimpresionismo los pintores exploran nuevas alternativas en la pintura diferentes de la visión, les interesa el color, el volumen, la línea…-Cézanne: antecedente del Cubismo, le preocupaba la estructura y el volumen d las formas, sus obras se reducen a módulos fundamentales: esferas, conos, cilindros. Rompíó con las leyes de la perspectiva, combinando diversos puntos de vista. Jugadores d cartas, Manzanas y naranjas.-Van Gogh: Colores muy vivos y contrastados, sobre todo el amarillo con el azul. Pinceladas pastosas. De Van Gogh partíó el Expresionismo, El café d noche o La noche estrellada.

Impresionismo:-Es una pintura al aire libre. Los artistas tuvieron una actitud d rebeldía y se convirtieron en unos marginados d la sociedad. Tratan d mostrar los efectos cambiantes d la luz d la naturaleza. Se trasladaban al campo pa pintar, x lo que sus cuadros eran pequeños-Temas: Integran paisajes campestres: El agua; pintando orillas, estanques, barcos o La niebla y la luz del sol. También paisajes urbanos, q reflejaba la ciudad industrial-Preocupación por la luz y el color: Los colores se juntan entre sí x la ley d complementarios. Emplean los colores primarios y superponen los colores primarios que los componen pa los secundarios. Eliminaron el blanco y el negro. Es frecuente q pinten un mismo un paisaje a diferentes horas del día, con colores luminosos.-Técnica: Emplean pinceladas sueltas y ligeras. Pintar así era rápido y les permitía cantar el movimiento fugaz. No hay perspectiva.

Pablo Ruiz Picasso es 1 d los fundadores del Cubismo. Encarna al artista del Siglo XX. Evolución:-En Barcelona, pintor influenciado x el ambiente d la bohemia modernista-En París, el fauvismo, el impresionismo y el postimpresionismo. Aquí empieza la Etapa azul, donde el expresionismo + dramático. Tonos fríos- el Período rosa, representa personajes d circo-la creación del Cubismo plasmado en Las señoritas de Aviñón. Ofrece en las pinturas múltiples puntos de vista y descompone las figuras en múltiples planos geométricos que crean profundidad.-el collage, construcción d elementos plásticos nuevos y tradicionales (papel de periódico, óleo,…) color + rico. Salvador Dalí es el más importante representante del Surrealismo figurativo. Elabora el método crítico-paranoico, representa objetos y paisajes de un modo casi fotográfico, atmósfera onírica y delirante q se desprende de sus obras.La persistencia de la memoria es quizá el mejor ejemplo de sus obras. Joan Miró el más importante pintor del Surrealismo abstracto:- el Cubismo sintético con un sentido del humor muy personal.- pinta una serie d cuadros llenos d elementos líricos y emotivos: Tierra labrada es un paisaje rural donde trata de encontrar un nuevo método pa la descomposición y el análisis d la realidad.El Carnaval de Arlequín los elementos fantásticos se mezclan con los reconocibles.

3 de los mayores exponentes de la pintura del Siglo XX, tanto por ser creadores o máximos representantes de diversas vanguardias como por la influencia que su obra ha tenido en múltiples creadores. Pablo Ruiz Picasso (1881-1873) es uno de los fundadores del Cubismo pero su importancia reside además en que encarna al artista del Siglo XX, comprometido con las causas de su época y explorador constante de nuevos caminos artísticos. Su evolución puede seguirse en los siguientes pasos: 1Su llegada a Barcelona, influirá en su formación como pintor influenciado por el ambiente de la bohemia modernista. 2Su llegada a París revelan su asimilación del fauvismo, del impresionismo y del postimpresionismo. Comienza la Etapa azul, donde el expresionismo aparece en su obra reflejando las duras condiciones de vida que él mismo sufría. Los tonos fríos en sus pinturas nos muestran una terrible sensación de desamparo. La influencia de la obra de El Greco es muy patente. “La planchadora”. 3Un 2 período sería el Período rosa; aquí se especializa en representar personajes de circo suavizando sus tonos(“Retrato de Gertrude Stein”). 4Una 3 etapa correspondería a la creación junto con Braque del Cubismo plasmado en “Las señoritas de Aviñón”.  La influencia de Cézanne y de Matisse, de la escultura ibérica llevan a Picasso a crear un nuevo lenguaje pictórico ofreciendo en las pinturas múltiples puntos de vista, especulando con la noción del espacio pero también del tiempo y descomponiendo las figuras en múltiples planos geométricos que crean diferentes profundidades. Así desarrollará a partir de esta obra el llamado Cubismo analítico. 5A este Cubismo le seguirá el Cubismo sintético, donde partiendo de la idea del collage concebirá la obra de arte como una construcción de elementos plásticos nuevos y tradicionales, los planos geométricos se simplifican, el color es más rico y las evocaciones naturalistas más explícitas (“Jugador de cartas”, “Naturaleza muerta verde”) 6El comienzo de la II Guerra Mundial coincide con el momento de mayor creación del pintor. Su constante búsqueda le lleva a poner su pintura cubista al servicio del Surrealismo entre 1925 y 1935. 7Con el estallido de la Guerra Civil, su compromiso con la causa republicana le llevan a pintar el Guernica (1937) para denunciar el bombardeo de la pacífica ciudad vasca. Ha quedado para la Historia como un símbolo de las tragedias que sufre la población por las guerras en el Siglo XX. 8Tras la Guerra Mundial su pintura vuelve a un optimismo vitalista y por una reinterpretación de muchas obras clásicas del pasado. Salvador Dalí (1904-1989) es  el más importante representante del Surrealismo figurativo. Tras sus estudios  se instala en París y entra en contacto con el grupo surrealista. Dalí elabora en esos años su método “crítico-paranoico”: con un brillante colorido representa objetos y paisajes de un modo casi fotográfico.  “La persistencia de la memoria” es quizá el mejor ejemplo de sus obras. La materia de la pintura es la realidad pero el resultado nos lleva a una mórbida evocación de los sueños. Desde la II Guerra Mundial repetirá sus modelos orientando su pintura hacia la comercialización de su obra. Joan Miró (1893-1983) Es considerado el más importante pintor del Surrealismo abstracto. 1En sus comienzos acusa la influencia del fauvismo, de Cézanne y de Van Gogh, pero desde 1919 le vemos combinar el Cubismo sintético con un sentido del humor muy personal.  2El paso decisivo lo da cuando pinta una serie de cuadros llenos de elementos figurativos personales: “Tierra labrada” es un “idílico” paisaje rural donde vemos que el artista trata de encontrar un nuevo método para la descomposición y el análisis de la realidad. El Carnaval de Arlequín representa la culminación de todas estas experiencias y el punto de partida de todas las obras posteriores de Miró. Los elementos fantásticos se mezclan con los reconocibles y aunque aún se mantiene en este cuadro lo figurativo, esto desaparecerá en muchas de sus obras posteriores. 3Durante la Guerra Civil su evolución es muy similar a la de Picasso. 4Después de 1945, el lenguaje de Miró es más directo, más abstracto, pintando sobre grandes superficies, sin renunciar a su mundo de ojos, lunas, estrellas y espirales.  

NE: Se trata de formas únicas de continuidad en el espacio, una escultura de bulto redondo de Umberto Boccioni. Este realizó la escultura original en yeso en 1913, y después se realizaron varios modelos en bronce, aunque Boccioni nunca la vería en fundición ya que murió en 1916, cuando tuvo un accidente al caerse de un caballo en Verona. Boccioni es el mejor exponente del Futurismo, su carrera se transformó cuando conocíó a Marinetti, artista que lo inició en el movimiento junto a otros pintores, todos emigraron a París y publicaron el Manifiesto del movimiento futurista. Boccioni desarrolló elementos clave del Futurismo, como el de líneas-fuerza, compenetración de planos… De acuerdo a los conceptos que desarrolló se observa que la idea fundamental de todos ellos es la reciprocidad de las relaciones que existe entre los objetos y el ambiente que los circunda.    NI: Esta obra trata la representación de una figura que en cierta parte nos recuerda mitad a una máquina y mitad a un ser humano. Boccioni es capaz de mezclar ambas cosas y representar lo que se percibe en la sociedad de la época. La escultura carece de brazos y rostro, pero la imponente zancada producida por la amplitud de separación de sus piernas nos hace olvidarnos de ello, generando una fuerte sensación de tensión que está provocada intencionadamente.    La luz juega un papel fundamental, los permanentes contrastes de luces y sombras originados por los cruces que se crean al sucederse los choques entre líneas curvas y aristas aumentan aún más la sensación de continuidad y movimiento. Es una composición que admite diferentes puntos de vista.   Esta escultura al observarla, lo primero que transmite es sensación de velocidad, otra carácterística del Futurismo, que además se convirtió en su seña de identidad, pero para representar esa sensación de movimiento el artista se sirve de la multiplicidad de planos al mismo tiempo, algo que practicaba Picasso en pintura y escultura antes de la existencia de este estilo.    Esta superposición de formas que busca engañar a la mente y conseguir que ésta asocie la sensación de movimiento ante un objeto que no deja de ser estático, tiene una consecuencia inmediata: ampliar el espacio y ángulo de visión de la escultura.   Con esta obra Boccioni intentó ir más allá de la impresión de movimiento y explorar la noción de velocidad y fuerza en la escultura, pretendiendo asignar valores lumínicos a la superficie tallada. La escultura excede los límites corpóreos del ser humano. Parece que el cuerpo que se representa serpentea, luchando contra una fuerza invisible. Aunque el resultado es un retrato en tres dimensiones, el cuerpo en movimiento introduce una cuarta dimensión, el tiempo. En su «lucha» contra esta fuerza invisible, el cuerpo en movimiento, va dejando pedazos de sí mismo.    NI: Esta obra representa perfectamente lo que decía el Manifiesto del movimiento futurista, que el artista moderno debía dejar atrás el esquema figurativo del pasado para centrarse en lo contemporáneo que está en continua evolución y movimiento. Para Boccioni fue inevitable sentirse influenciada por el Cubismo, aunque criticaba lo que consideraba un excesivo énfasis de esa vanguardia de la línea recta y por ello siempre realizó sus obras con base en curvas y superficies ondulantes, representando movimiento y dinamismo espaciales. Fue uno de los pocos artistas futuristas que experimentaron con la escultura, para la cual utilizó siempre materiales que consideraban modernos como el hierro, el cemento o el cristal. Actualmente el original y una fundición de esta obra se encuentra en el Museo de Arte
Contemporáneo de la Universidad de São Paulo. Es la obra escultórica más célebre del Futurismo y se ha convertido en un icono de las vanguardias de los primeros años del Siglo XX. Muchos artistas de épocas posteriores desarrollaron su escultura con base en los caminos abiertos por esta obra.

NE: Se trata de Saturno devorando a su hijo de Francisco de Goya. Esta obra fue pintada en la primera mitad del Siglo XIX y se inscribe dentro de la época de las “pinturas negras“ de Goya, con las que anticipa el expresionismo y en las que plasma su visión pesimista y desesperanzada de la vida tras haberse quedado sordo y perder a casi toda su familia. Va a utilizar el óleo para pintar sobre las paredes de su casa, pero posteriormente fue pasada a lienzo para que pudiera ser expuesta. NI: En esta obra predomina el color sobre la línea. Los figuras se componen de manchas de color, principalmente grises y negros, solo rotos por los ocres y rojos de las encarnaciones . Se observa un predominio de las líneas diagonales, aunque hay una vertical muy claro en el grupo del hijo de Saturno que da mayor sensación de verticalidad del cuadro y contrarresta el dinamismo de la postura de su padre. La composición es abierta, desequilibrada y asimétrica. Se capta el momento exacto de la acción. La luz es de estilo tenebrista. El foco de luz, ilumina principalmente el cuerpo del hijo, resaltando la sangre del cuello. No hay ningún estudio del espacio, se presenta a las dos figuras sobre un fondo negro. La corporeidad se consigue con los juegos de luces y sombras. Presenta un Naturalismo realista de expresividad exagerada. Se trata de una pintura de género mitológico, ya que representa el mito de Saturno comíéndose a su hijo, ya que le habían predicho que uno de ellos, al igual que el hijo con su padre. Cuando ya había devorado varias de sus hijos, y rea idearon un plan para engañarlo y salvar a Zeus, darle una piedra envuelta en un pañol diciéndole que era él. Como había sido predicho de sus hermanos y se convirtió en el rey de los dioses del Olimpo. NI: El Barroco tardío y en el clasicismo. No tengo un solo estilo ni se especializó en un tema específico, ya que entre sus temas podemos destacar desde temas religiosos o mitológicos. Desarrolló un estilo que influirá en el Romanticismo. El arte goyesco supone el comienzo de la pintura contemporánea. Se considera precursor de las vanguardias pictóricas del Siglo XX. La etapa de las pinturas negras de Goya se corresponde con el regreso de Fernando VII España, lo que supuso la vuelta al absolutismo. En este sentido, este cuadro se podría interpretar como una alegoría de Fernando VII como tirano que “Devora” al pueblo español por sus intereses personales.