1. Cartel Artístico

Surge en un contexto cambiante; sociedad tecnológica… y se necesita estimular la demanda para Sinfín de novedades y la calle es el medio ideal. Es el siglo XIX, en pleno auge de la publicidad y qué mejor para publicitar que un cartel, que superaba a la fotografía y que además gracias a la litografía estaban hechos para su reproducción y difusión en serie (10.000h/H).

Jules Cheret: padre del cartel artístico porque fue el primero en producir sistemáticamente desde 1866 grandes carteles litográficos a color dibujados directamente sobre piedra. A pesar de que la técnica litográfica permitía reproducir imagen y texto a la vez, él introducía la tipografía a posteriori, por eso a veces parece forzado. Influenciado por el barroco (Tiepolo), el rococó (Fragonard) y la estampa japonesa, logró crear un estilo muy personal. Representaba a través de un estilo elegante y colorido espectáculos y productos. Destaca la figura femenina inspirada en Charlotte Wiehe que dará lugar a las cherettes, buscando el dinamismo en los pliegues y vuelo de los vestidos.

Tolouse Lautrec: familia noble. En 1872 tuvo su primer contacto con la pintura y en ese mismo año decidió ser pintor. Vividor, fue a Montmartre en busca de un nuevo estilo, ganando amistad con el mundillo de los cabarets (Van Gogh) y tuvo influencia en las pinturas de la noche y los espectáculos, temas habituales. En los años 90 comenzó a usar la litografía, pero hacía bocetos antes de grabar en piedra, era meticuloso. Captó muy bien la realidad, influenciado por la fotografía y ella a él. También tuvo influencia de la estampa japonesa, con contornos marcados se alejó del naturalismo y se acercó a la caricatura. Sus carteles eran simples y claros, con tipografía a posteriori y hechos a mano alzada. Utilizaba un sello para evitar copias.

2. Surrealismo

Comienza con el primer manifiesto de Breton en 1924 y no se sabe cuándo concluye. El estilo se define como automatismo puro, a través del cual se intenta expresar de cualquier modo el funcionamiento real del pensamiento, sin la regularización de la razón, sin preocupaciones estéticas ni morales, liberar al verdadero yo. Tiene antecedentes dadaístas y la surrealidad es un estado entre sueño y vigilia. El azar, la imaginación y todo lo no racional forman la estética. Además del automatismo, se utilizan técnicas como el cadáver exquisito, objetos encontrados, dedalcomanía, frottage y el método paranoico crítico. Es considerado un estilo interdisciplinario que afecta a todas las manifestaciones artísticas. Algunos de sus representantes son Dalí, Kahlo, Magritte, Giorgio, Max Ernst y Joan Miró.

Art Déco

Surge en los años 20 y es el reflejo del ambiente del periodo de entreguerras. Hace de puente entre los estilos tradicionales y las vanguardias. Coincidió con el periodo de inflación de 1922 y la crisis de 1929, en busca de la felicidad tras la Primera Guerra Mundial. Fue considerado dentro del modernismo, pero ahora es considerado un movimiento en sí mismo. Las tres ramas que dividen el arte del siglo XX se dan la mano en el art déco. La decoración del modernismo se cambia por funcionalidad. Está influenciado por el arte exótico y primitivo. La arquitectura también se llena de referencias a lo antiguo y la moda se entremezcla con otras artes. Algunos de sus representantes son García Benito y Cassandre.

La Bauhaus

La escuela tenía carácter multidisciplinario, relacionó el diseño gráfico con otras disciplinas y mostró gran interés por la fotografía publicitaria, la ilustración y la tipografía. Surge de la fusión de la Escuela de Artes y Oficios del Gran Ducado de Sajonia y la Escuela Superior de Bellas Artes. En 1923 adquiere carácter internacional y se convierte en lugar de encuentro de la vanguardia europea. Su programa fomentaba la creatividad de los alumnos y fue influenciada por el expresionismo. Desaparece en 1925 con fama de escuela de diseño. Su nuevo edificio es un hito de la arquitectura contemporánea. Está influenciada por la abstracción, la vanguardia rusa, la industria y la tecnología. En 1932, el edificio es abandonado en Berlín.

Dadaísmo

Surge como movimiento literario con Tzara y Ball, entre otros. Dos fechas importantes son la inauguración del Cabaret Voltaire en 1916 (sede) y la publicación del manifiesto de Tzara en 1918. El nombre fue elegido sin un significado concreto, asociado con que estaban en contra de la tradición burguesa debido a los horrores de la Primera Guerra Mundial. Adoptaron una actitud nihilista y se declararon antiartistas, buscando la destrucción de los códigos y apostando por el caos, el absurdo y el sarcasmo. Este movimiento tiene un carácter individualista, ya que cada uno terminó emprendiendo su propio camino. Utilizan nuevos materiales y llevan el collage cubista hasta límites insospechados. El objeto adquiere importancia como protagonista (ready made) y utilizan el montaje en la fotografía para crear nuevas realidades. Algunos de sus representantes son Duchamp y Schwitters.

Suprematismo

Entre 1915 y 1925, vinculado a la vanguardia rusa y ligado al futurismo y al cubismo. Tiene dos tendencias: el cubo-futurismo y el rayonismo. Comienza con la última exposición futurista: 0.10 en Petrogrado en 1915, liderada por Malévich. Busca la supremacía del puro sentimiento artístico por encima de los objetos y liberar al arte de la carga del objeto. Se centra en las figuras geométricas simples. En la década de 1920, la abstracción recibe fuertes críticas y el estado ruso considera necesario apostar por el realismo. El suprematismo influencia a la Bauhaus alemana y al minimalismo americano de los años 60.

Neoplasticismo holandés

Entre 1917 y 1931, vinculado a Piet Mondrian y Theo Van Doesburg. Se conocieron en París y experimentaron con el cubismo. Mondrian fue el ideólogo, pero Van Doesburg fue el difusor del estilo. La revista De Stijl fue el órgano de expresión del movimiento. En 1918 publicaron el manifiesto del Neoplasticismo. Mondrian abandonó el proyecto en 1925 por desavenencias con Van Doesburg. El arte se identifica con la vida entendida como pura actividad interior. Se manifiesta además la necesidad de eliminar del arte lo objetivo, algo extraño a nuestra conciencia. Se reduce el arte a la mínima esencia, utilizando colores fundamentales y líneas rectas. Sin sensación de profundidad. Tuvo repercusión en la arquitectura, a través de las propuestas de Van Doesburg y las obras de Rietveld, como la casa Schroeder en Utrecht. También impactó en la Bauhaus.

Cubismo

Considerado el primer movimiento vanguardista que rompe con la representación tradicional. Surge en 1907 en París con la exposición retrospectiva de Cézanne, a la que acuden Picasso y Braque. Picasso culminó los estudios de no-perspectiva de Cézanne y Braque simplificó y geometrizó la realidad. Con su unión, nació el cubismo. Además, muchos artistas se reunieron en el barrio Montmartre y surgió el Bateau Lavoir. Es un estilo intelectual, donde la concepción mental es fundamental. No se representa lo que se ve, sino que se recopila información del entorno y se simplifica con geometría. Aunque tiene un lenguaje figurativo, no se aprecia a primera vista.

Futurismo italiano

Surge en 1909 en Italia gracias al impulso de la publicación del manifiesto de Marinetti. Afecta a todas las corrientes artísticas. Al principio, no sabían cómo plasmar su renovación total y encontraron influencias en Eadweard Muybridge, el cubismo y los avances tecnológicos. Buscaron dinamizar el cubismo a través de líneas, simultaneidad, repetición, etc. Dinamizaron la sintaxis de la tipografía, Marinetti trató de romper la gramática convencional condenando los adverbios y adjetivos e incluyó símbolos matemáticos. Todo esto hizo que en la publicidad fuera desplazado por un estilo más tradicional. Destacan tres aspectos: la importancia del color, los collages y la tipografía como elemento de la composición. Las veladas futuristas fueron antecedente de muchas corrientes del siglo XX.

Expresionismo alemán

Entre 1905 y el estallido de la Primera Guerra Mundial. La crítica decidió el nombre de expresionismo para diferenciar a Munch del impresionismo francés. Estas obras van dirigidas a la emoción, su objetivo no es agradar al espectador, sino removerlo. El color tiene mucha importancia. Se relaciona con el crítico y artista Walden, creador de Der Sturm. El término se utilizó para un grupo de artistas sin estilo homogéneo, pero que buscaban conmover y provocar al espectador. En el tránsito del siglo XIX al XX, se aplicó el término expresionismo a bastantes corrientes y autores, pero terminó siendo exclusivo para los alemanes, siendo así sinónimo de vanguardia alemana.