Escultura del Cinquecento (1500-1530)

Características Generales

• Roma como centro artístico fundamental.
• Importancia de ciertos descubrimientos arqueológicos (Laocoonte y sus hijos).
• El bulto redondo es la forma preferida.
• La figura de Miguel Ángel domina este periodo, imponiendo su sentido de lo grandioso.

Miguel Ángel Buonarroti (Michelangelo)

Se inició en el taller de Ghirlandaio y se formó con las colecciones de los Médici. Sus obras se ven afectadas por su carácter (duro, agrio, violento) y por sus circunstancias (interrupción frecuente de las obras). Busca el equilibrio entre la masa y el movimiento. Su obra se divide en varias etapas.

Primera Etapa (1490-1505)

• Virgen de la Escalera (1490-1492): Juega con la profundidad del relieve (schiacciato), modelo muy robusto del niño.
• Batalla de los Centauros (1490-1494): Recuerda a los sarcófagos romanos con escenas de batallas.
• Pietà del Vaticano (1498-1500): Mármol blanco. Composición triangular (simbolizando la estabilidad de la Iglesia). Realismo idealizado. Contraste de texturas (blandura del cuerpo y dureza de las telas). Falta de dramatismo exacerbado. Acabado muy pulido (lisciatura), sensibilidad, blandura. Firmada en la cinta que cruza el pecho de la Virgen. Obra agredida hace años.
• Virgen de Brujas (1503-1504): Novedad en la figura del Niño, que parece estar bajando de los brazos de la Virgen para dar los primeros pasos en el camino que le llevará a morir por los hombres. Movimiento. Volumen de la Virgen. Dulzura y gravedad.
• David (1501-1504): Mármol. Representa la tensión previa al movimiento de lanzar la piedra contra Goliat.

Segunda Etapa (1505-1520)

• Proyecto del Mausoleo de Julio II en San Pietro in Vincoli: Un proyecto monumental que Miguel Ángel no pudo completar según su diseño original debido a múltiples interrupciones y cambios. Los restos de Julio II finalmente descansaron en la Basílica de San Pedro.
• Moisés (c. 1513-1515): Figura central de la versión reducida del Mausoleo de Julio II. Encarna la terribilità. Tensión contenida, figura serpentinata. Movimiento a punto de ejecutarse. Indignación en la mirada antes de destruir las Tablas de la Ley, al darse cuenta de que su pueblo ha traicionado a Dios adorando al becerro de oro.
• Figuras de Raquel (vida activa) y Lía (vida contemplativa) en el Mausoleo de Julio II: Representan aspectos de la personalidad del Papa y de la vida humana.
• Los Esclavos (o Prisioneros): Figuras destinadas originalmente al mausoleo, representan la lucha del alma por liberarse de la materia. Algunos quedaron inacabados (non finito), como el Esclavo moribundo y el Esclavo rebelde (Louvre) o los posteriores Esclavos de la Academia de Florencia.

Tercera Etapa (1520-1540)

• Capilla Medicea (Sacristía Nueva) en la Iglesia de San Lorenzo, Florencia: Alberga los sepulcros de miembros de la familia Médici.
• Tumba de Lorenzo de Médici, Duque de Urbino: Mármol blanco. Lorenzo, apodado Il Pensieroso (El Pensativo), se lleva la mano a la barbilla y apoya el codo en un cofrecillo cerrado, interpretado a veces como símbolo de la vida intelectual o melancolía. Le acompañan las alegorías del Crepúsculo y la Aurora.
• Tumba de Giuliano de Médici, Duque de Nemours: Representación de la vida activa. Sostiene el bastón de mando. Le acompañan las alegorías del Día y la Noche.

Cuarta Etapa (1540-1564)

• Pietà Florentina (o Pietà Bandini) (c. 1547-1555, Museo dell’Opera del Duomo, Florencia): Intenta mostrar al máximo el cuerpo de Cristo. Incluye un autorretrato de Miguel Ángel como Nicodemo.
• Pietà Palestrina (c. 1555, Galleria dell’Accademia, Florencia): Mármol. Atribución discutida.
• Pietà Rondanini (1552-1564, Castello Sforzesco, Milán): Mármol blanco. Incompleta y modificada. La madre, de pie, sostiene verticalmente al Hijo muerto en una composición alargada y espiritual.

Benvenuto Cellini

Famoso por su Autobiografía, por su maestría en la fundición del bronce, la orfebrería, el esmalte, las medallas y las gemas. En conclusión: célebre orfebre y escultor.

• Perseo con la cabeza de Medusa (1545-1554, Loggia dei Lanzi, Piazza della Signoria, Florencia): Perseo, joven y de gran belleza, sostiene la cabeza de Medusa y la espada. A sus pies yace el cuerpo decapitado. El pedestal muestra su virtuosismo como orfebre y su minuciosidad. Se pierde en parte el carácter épico clásico en favor de un detallismo manierista.

Juan de Bolonia (Giambologna)

De origen flamenco (Jean Boulogne), activo en Italia. Gran orfebre y escultor manierista.

• Mercurio (c. 1580, Bargello, Florencia – existen varias versiones): Una muestra de ligereza y dinamismo, figura serpentinata.
• El Rapto de las Sabinas (1581-1583, Loggia dei Lanzi, Florencia): Grupo escultórico con tres figuras entrelazadas en una espiral ascendente, ejemplo de virtuosismo técnico y composición manierista (figura serpentinata).

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Pintura del Renacimiento Italiano

Antecedentes

• Siglos XII y XIII: Predomina la tradición bizantina (Cimabue). Giotto introduce un mayor interés por la Naturaleza y el hombre, buscando la tridimensionalidad.
• Siglo XIV (Trecento): Desarrollo del estilo gótico internacional y la escuela sienesa, junto a la continuidad de la influencia de Giotto.

Pintura del Quattrocento (1400-1500)

Características Generales

• Representación verosímil de la naturaleza: Interés por la figura humana (estudios anatómicos) y el volumen.
• Representación del espacio: Desarrollo y aplicación de la perspectiva lineal (o geométrica).
• Uso de colores armoniosos y luminosos.
• Composición geométrica: Búsqueda de formas cerradas, armonía y equilibrio.
• Predominio del dibujo y la línea continua para definir los contornos.
• La pintura como reflejo de una reflexión intelectual y filosófica (Neoplatonismo).
• Técnicas y soportes variados: Fresco, temple sobre tabla, inicio del óleo. Soportes murales, tablas y lienzos.
• Temas: Inspiración en la Antigüedad clásica (mitología), temas religiosos (Biblia, vidas de santos), alegorías, retratos.
• Luz: Generalmente diáfana y clara, uniforme y homogénea, sin un foco luminoso definido y dramático. Se experimenta con la luz para dar volumen y contraluz.
• Centros de desarrollo: Florencia como foco principal, también Umbría, Padua y Venecia.

Fra Angelico

Discípulo de Lorenzo Monaco. Suaves combinaciones de colores. Temas religiosos imbuidos de profunda espiritualidad y delicadeza.

• Noli me tangere (c. 1440-1441, Convento de San Marcos, Florencia): Fresco.
• La Coronación de la Virgen (Varias versiones, ej. c. 1434-1435, Uffizi; c. 1440-1441, Convento de San Marcos): Temple sobre tabla y fresco.
• La Anunciación (Varias versiones, ej. c. 1425-1426, Prado; c. 1440-1441, Convento de San Marcos): Temple sobre madera y fresco. Perspectiva, marco arquitectónico renacentista, acercamiento naturalista a la realidad dentro de un idealismo devoto.

Masaccio

Domina la figura humana con un gran conocimiento de la anatomía. Sentido escultórico del volumen, amplios escenarios y uso pionero de la perspectiva.

• La Trinidad (c. 1425-1427, Santa Maria Novella, Florencia): Fresco. Representación magistral de la perspectiva lineal para crear un espacio profundo en un plano bidimensional.
• Frescos de la Capilla Brancacci (Iglesia del Carmine, Florencia, c. 1424-1428): Empleo innovador de la luz para modelar el cuerpo y los ropajes. Serie de frescos (completados por Filippino Lippi). Obras maestras como El Tributo de la Moneda y La Expulsión del Paraíso. Refleja un foco lumínico único y direccional (coincidente con la ventana real de la capilla), creando un juego de luces y sombras (claroscuro) que aporta naturalidad y realismo.
• Bautismo de los Neófitos
• El Tributo de la Moneda: No se centra solo en el milagro, sino también en el valor ético y moral del deber cívico de pagar impuestos. Las figuras tienen un volumen rotundo gracias al modelado por luz y sombra.
• La Expulsión de Adán y Eva del Paraíso: Dramatismo y expresividad en las figuras.
• La Distribución de los Bienes y la Muerte de Ananías: Ananías trató de engañar a la comunidad de los primeros cristianos quedándose parte del dinero de la venta de un campo, cuando se había acordado repartir la ganancia. Entonces, según los Hechos de los Apóstoles, cayó muerto.

Paolo Uccello

Aprendió la perspectiva de Ghiberti y se convirtió en su obsesión. También se preocupa por el color, que utiliza de manera peculiar. Usó la perspectiva para crear un sentimiento de profundidad, a veces de forma experimental y decorativa. Sus obras más conocidas son las tres tablas que narran la Batalla de San Romano.

• La Batalla de San Romano: Bernardino della Ciarda cae derribado de su caballo (c. 1438-1440, Uffizi): Temple sobre madera. Uso del escorzo.
• La Batalla de San Romano: Niccolò da Tolentino al Mando de las Tropas Florentinas (c. 1438-1440, National Gallery, Londres): Temple sobre madera. Perspectiva lineal marcada en el suelo. Composición en dos planos. Fondo como un telón. Uso del escorzo.

Piero della Francesca

Se preocupa por la perspectiva, la luz y la geometría. La proporción y la simetría regulan sus composiciones solemnes y monumentales. Escribió un tratado sobre la perspectiva en la pintura: De Prospectiva Pingendi.

• La Leyenda de la Vera Cruz: El Sueño de Constantino (c. 1455-1466, San Francesco, Arezzo): Fresco. Gran uso de la luz nocturna y el color. La luz modela el volumen y define el espacio. Hay efectos de contraluz.
• La Flagelación de Cristo (c. 1455-1460, Galleria Nazionale delle Marche, Urbino): Temple sobre tabla. Perfecta perspectiva lineal. Establece las proporciones de sus espacios arquitectónicos en función de la medida humana. Composición enigmática.
• Bautismo de Cristo (c. 1448-1450, National Gallery, Londres): Temple sobre tabla. Concepción neoplatónica de la belleza: perfección de las formas puras, atmósfera cristalina.
• Díptico de los Duques de Urbino (Retrato de Federico da Montefeltro y Battista Sforza) (c. 1465-1472, Uffizi): Óleo sobre tabla. Retratos de perfil, inspirados en las monedas romanas, sobre un vasto paisaje.

Sandro Botticelli

Pintor sensible y apasionado, influido por el neoplatonismo florentino. Su maestro fue Fra Filippo Lippi. Destaca por su idealización de las figuras, su delicadeza lineal, sus detalles decorativos y su melancolía.

• El Descubrimiento del Cadáver de Holofernes (c. 1472, Uffizi): Temple sobre madera.
• El Retorno de Judit a Betulia (c. 1472, Uffizi): Temple sobre tabla. En esta obra ya aparecen rasgos característicos de Botticelli: la ligereza de las figuras, el movimiento de los ropajes, la delicadeza y belleza de los rostros, y la representación del cielo con tonos azules y grises.
• Virgen del Magnificat (c. 1480-1481, Uffizi): Temple sobre tabla (tondo). La armonía compositiva es un elemento fundamental en su estilo. Composición circular. Se puede observar la belleza serena de los rostros, las miradas soñadoras y la calidad del dibujo lineal.
• La Anunciación (c. 1489-1490, Uffizi): Temple sobre tabla. Dominio de la composición espacial y de la perspectiva. El ángel se aproxima cuidadosamente mientras que la Virgen parece querer alejarse con un movimiento elegante.
• Lamentación sobre Cristo Muerto con Santos (c. 1490-1492, Alte Pinakothek, Múnich): Temple sobre tabla. Mayor dramatismo, posiblemente influido por Savonarola.
• La Primavera (c. 1477-1482, Uffizi): Temple sobre madera. Una compleja alegoría sobre el amor neoplatónico y el reino de Venus. Céfiro atrapa a la ninfa Cloris, que se transforma en Flora, diosa de la primavera.
• Venus y Marte (c. 1483, National Gallery, Londres): Temple sobre madera. Parece que se inspiró en Giuliano de Médici y Simonetta Vespucci. Alegoría del amor que vence a la guerra.
• Palas y el Centauro (c. 1482, Uffizi): Temple sobre lienzo. Una interpretación es que la sabiduría (Palas Atenea) doma la ignorancia o la pasión (el centauro). Otra interpretación política alude a la diplomacia florentina (Atenea) sobre Roma o Nápoles.
• El Nacimiento de Venus (c. 1485, Uffizi): Temple sobre lienzo. Icono del Renacimiento, representa la llegada de Venus, diosa del amor y la belleza, a la orilla.
• La Calumnia de Apeles (c. 1495, Uffizi): Temple sobre tabla. Alegoría compleja basada en una descripción literaria de una pintura perdida de Apeles. El rey Midas (con orejas de burro) escucha a la Ignorancia y la Sospecha. El Odio presenta a la Calumnia, adornada por la Envidia y el Fraude, que arrastran al Inocente. La Penitencia (figura encapuchada y oscura) mira hacia la Verdad desnuda. En esta obra se observa la pérdida de la visión optimista del primer Renacimiento, reflejando la crisis cultural y religiosa de Florencia a finales de siglo (influencia de Savonarola).

Andrea Mantegna

Perteneciente a la Escuela de Padua, influido por Donatello. Su pintura busca ser monumental y escultórica. Maestro del escorzo y la perspectiva.

• La Muerte de la Virgen (c. 1461, Museo del Prado): Temple sobre tabla.
• Lamentación sobre Cristo Muerto (c. 1480-1490, Pinacoteca di Brera, Milán): Temple sobre lienzo. Innovadora y dramática forma de usar la perspectiva mediante un audaz escorzo. Pintura de gran austeridad y patetismo, con un enfoque casi»escultóric».

Antonello da Messina

Originario del sur de Italia (Sicilia), puente entre la pintura flamenca y la italiana. Introduce y perfecciona el uso de la técnica del óleo en Italia, lo que permite mayor brillantez, detalle y luminosidad en sus obras. Gran sensibilidad para el retrato y la captación psicológica.

• Cristo muerto sostenido por un ángel (c. 1475-1476, Museo del Prado): Óleo sobre tabla.
• Retratos: Famoso por sus retratos de tres cuartos, con gran penetración psicológica (ej. Retrato de Hombre, c. 1475, National Gallery, Londres).

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Pintura del Cinquecento (1500-1530) – Alto Renacimiento

Características Generales

• Simplificación compositiva: Pérdida de interés por los detalles secundarios en favor de la claridad y monumentalidad.
• Claridad y equilibrio en las composiciones.
• Figuras elegantes, idealizadas, con mayor movimiento y naturalidad (contrapposto).
• El escenario arquitectónico interesa como masa y marco grandioso, no tanto por el detalle arqueológico.
• Desarrollo de la perspectiva aérea: Difuminación de los contornos (sfumato), cambio gradual en los colores hacia tonos más fríos y azulados en la lejanía, disminución del tamaño de los objetos.
• Uso del escorzo en las figuras con movimiento.
• Estudio profundo de la luz y la sombra para crear volumen y atmósfera.
• Escuelas principales: Roma (centro del Alto Renacimiento), Florencia, Milán, Venecia, Parma, etc.

Leonardo da Vinci

Arquetipo del genio renacentista. Polifacético, con inquietudes técnicas (diseño de máquinas de guerra, vehículos, estudios de hidráulica), científicas (anatomía mediante disección de cadáveres, botánica, geología, estudio de la luz y la sombra – desarrollo del sfumato) y artísticas (autor de un tratado de pintura).

Etapa Florentina (c. 1470-1482)

Trabaja en el taller de Andrea del Verrocchio.

• Bautismo de Cristo (de Verrocchio y Leonardo) (c. 1472-1475, Uffizi): Leonardo pintó el ángel arrodillado de la izquierda y retocó parte del paisaje, mostrando ya una técnica más suave y atmosférica que la de su maestro.
• La Anunciación (c. 1472-1475, Uffizi): Óleo y temple sobre madera. Influencia de Verrocchio y del ambiente florentino, pero con innovaciones en la representación atmosférica del paisaje.
• La Adoración de los Magos (c. 1481, Uffizi): Óleo sobre tabla. Obra inacabada. Se observa un gran dinamismo compositivo y un profundo estudio de las expresiones y emociones humanas.

Etapa Milanesa (1482-1499)

Al servicio del duque Ludovico Sforza. Realiza estudios para una gran escultura ecuestre de Francesco Sforza, que resultó un fracaso por problemas con la fundición del bronce.

• Hombre de Vitruvio (c. 1490, Gallerie dell’Accademia, Venecia): Dibujo a tinta sobre papel. Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano basado en los textos del arquitecto romano Vitruvio. Leonardo inscribe la figura humana desnuda en dos posiciones sobreimpresas dentro de un círculo y un cuadrado.
• Virgen de las Rocas (Primera versión c. 1483-1486, Louvre; Segunda versión c. 1495-1508, National Gallery, Londres): Óleo sobre tabla (trasladado a lienzo). Ejemplo magistral de perspectiva aérea y sfumato. El cromatismo varía entre el primer plano y el fondo. Las figuras y el paisaje rocoso muestran un aire de misterio al difuminar los contornos.
• La Última Cena (c. 1495-1498): Técnica mixta (temple y óleo sobre yeso seco). Pintura mural para el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie, Milán. Experimentó con la técnica para lograr mayor luminosidad, pero esto provocó problemas de conservación y un rápido deterioro. Realizada para su patrón Ludovico Sforza. Representa el momento en que Jesús anuncia que uno de sus discípulos le traicionará. Se puede observar la variedad de reacciones (estupor, temor, indignación) y el carácter individualizado de los apóstoles, en contraste con la serenidad de Cristo en el centro. La composición es equilibrada y la perspectiva acentúa la figura de Jesús.
• Retrato de Cecilia Gallerani (La Dama del Armiño) (c. 1489-1490, Museo Czartoryski, Cracovia): Óleo sobre madera. Retrato de gran refinamiento y penetración psicológica.

Segunda Etapa Florentina y últimos años (1500-1519)

• La Gioconda (Mona Lisa) (c. 1503-1506, Louvre): Óleo sobre tabla de álamo. Es quizás la obra de arte más famosa del mundo. Se cree que la modelo es Lisa Gherardini, esposa del mercader florentino Francesco del Giocondo. Leonardo trabajó en ella durante muchos años y la llevó consigo a Francia. Técnica minuciosa donde las pinceladas son casi imperceptibles. Culminación del sfumato. La enigmática expresión reside en parte en la indefinición de las comisuras de los labios y los ángulos de los ojos. El paisaje del fondo, dividido en dos niveles que no coinciden exactamente, contribuye al misterio. Leonardo profundiza en la idea de Belleza ideal y en la representación de la vida interior a través del juego de luces y sombras.
• La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana (c. 1508-1513, Louvre): Óleo sobre madera. Composición piramidal, figuras entrelazadas con gran naturalidad, sfumato.
• San Juan Bautista (c. 1513-1516, Louvre): Óleo sobre tabla. Figura andrógina que emerge de la oscuridad, con una sonrisa ambigua y gesto que apunta hacia lo alto.

Rafael Sanzio (Raffaello Sanzio), «El Divino»

Representa los ideales más clásicos del Alto Renacimiento romano: grandiosidad, equilibrio, armonía y belleza ideal.

Etapa Juvenil (Umbría, hasta 1504)

Trabaja en el taller de Perugino, cuya influencia es notable en sus primeras obras.

• Los Desposorios de la Virgen (1504, Pinacoteca di Brera, Milán): Óleo sobre tabla. Supera el modelo de su maestro Perugino en la organización espacial y la gracia de las figuras.

Etapa Florentina (1504-1508)

Contacto con la obra de Leonardo y Miguel Ángel. Gran intérprete de la belleza femenina serena a través de sus numerosas Madonnas.

• Madonna del Granduca (c. 1504, Palacio Pitti, Florencia): Óleo sobre madera. Sencillez compositiva y dulzura intimista.
• Madonna del Prato (o del Belvedere) (1506, Kunsthistorisches Museum, Viena): Óleo sobre madera. Colores luminosos. Composiciones sencillas y equilibradas (esquema piramidal) con pocos elementos. Movimiento contenido y comunicación a través de las miradas.

Etapa Romana (1508-1520)

Llamado por el Papa Julio II, alcanza la culminación de su arte y se convierte en el pintor dominante en Roma. Defiende el saber humano (filosofía, arte) como complementario de la revelación divina (teología). Decora las «Estancias» del Vaticano (aposentos papales en el Palacio Apostólico): Sala de la Signatura, Sala de Heliodoro, Sala del Incendio del Borgo y Sala de Constantino (esta última completada por sus discípulos).

• Sala de la Signatura (Stanza della Segnatura):
• La Escuela de Atenas (1509-1511): Fresco. Representación idealizada de los grandes filósofos de la Antigüedad en un majestuoso marco arquitectónico inspirado en Bramante. Platón (apuntando al cielo, mundo de las ideas) y Aristóteles (mano hacia la tierra, mundo empírico) en el centro de la composición y del punto de fuga. Incluye retratos de contemporáneos: Heráclito (figura pensativa en primer plano) con los rasgos de Miguel Ángel, Euclides (o Arquímedes) enseñando geometría con los rasgos de Bramante. Zoroastro con el globo celeste y Ptolomeo con el terráqueo. A la izquierda, Pitágoras escribiendo. Rafael se autorretrata en el grupo de la derecha. Simboliza la Filosofía y la búsqueda de la verdad racional.
• La Disputa del Sacramento (1509-1510): Fresco. Representa la Teología. La Eucaristía (la Hostia en la custodia) es el centro de la composición. La Iglesia se divide en dos niveles: la Iglesia Triunfante en el cielo (Cristo, la Virgen, San Juan Bautista, apóstoles, santos y ángeles) y la Iglesia Militante en la tierra (Papas, obispos, cardenales, teólogos y fieles discutiendo el misterio).
• El Parnaso (1510-1511): Fresco. Representa la Poesía. Apolo tocando la lira en el centro, rodeado por las Musas y poetas antiguos (Homero, Virgilio, Safo) y modernos (Dante, Petrarca).
• Sala de Heliodoro (Stanza di Eliodoro): Tema general: la protección divina sobre la Iglesia.
• La Expulsión de Heliodoro del Templo (1511-1512): Fresco. Dramatismo y dinamismo en la representación del castigo divino a Heliodoro por intentar robar el tesoro del Templo de Jerusalén.
• Sala del Incendio del Borgo (Stanza dell’Incendio di Borgo):
• El Incendio del Borgo (1514): Fresco. Narra un milagro del Papa León IV, que extinguió un incendio con la señal de la cruz. Mayor dramatismo y estudio de desnudos influido por Miguel Ángel. Gran parte ejecutada por ayudantes.
• Las Virtudes Cardinales y Teologales (1511, luneto sobre El Parnaso en la Sala de la Signatura): Fresco. Alegorías de la Prudencia, Fortaleza y Templanza (Cardinales) y Fe, Esperanza y Caridad (Teologales, representadas por angelitos o *putti*).
• Sagrada Familia de la Perla (c. 1518-1520, Museo del Prado): Óleo sobre tabla (luego lienzo). Obra tardía, con una luz más contrastada y mayor complejidad compositiva, posiblemente con intervención del taller.

Fue también un experto retratista, capaz de expresar el carácter y la posición social de la persona retratada con gran naturalidad y elegancia.

• Retrato de Cardenal (c. 1510-1511, Museo del Prado): Óleo sobre madera. Intensa captación psicológica.
• Retrato del Papa Julio II (c. 1511-1512, National Gallery, Londres): Óleo sobre madera. Retrato íntimo y poderoso del pontífice.
• Retrato de Baldassare Castiglione (c. 1514-1515, Louvre): Óleo sobre lienzo. Reflejo del ideal del cortesano renacentista: elegancia, serenidad, inteligencia.
• Retrato de Mujer Joven (La Fornarina) (c. 1518-1519, Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma): Óleo sobre madera. Retrato íntimo, posiblemente de la amante de Rafael.
• Retrato del Papa León X con dos Cardenales (c. 1518-1519, Uffizi): Óleo sobre madera. Suntuoso retrato de aparato, con gran realismo en las texturas y la psicología de los personajes.

Michelangelo Buonarroti (Miguel Ángel) como Pintor

Él se consideraba fundamentalmente escultor. En su pintura se observa:

• Énfasis en el dibujo y el contorno, desinterés relativo por el color como elemento expresivo principal.
• Búsqueda de la monumentalidad y el volumen escultórico en las figuras.
• Interés por la anatomía humana, el desnudo y los escorzos complejos.
• Representación del concepto heroico del hombre, creando seres de gran fuerza física y tensión espiritual (terribilità).
• Influencia de Masaccio (volumen, monumentalidad) y Jacopo della Quercia (energía, movimiento).

• Tondo Doni (Sagrada Familia con San Juan Bautista) (c. 1506-1508, Uffizi): Temple sobre tabla. Composición circular. Hay dos planos: la Sagrada Familia en primer plano (símbolo del mundo cristiano) y figuras de desnudos masculinos al fondo (¿mundo pagano?). Estructura dinámica. Movimiento. Figura serpentinata en la Virgen (retorcida). Modelado escultórico muy marcado. Colores brillantes y contrastados.
• La Capilla Sixtina (Bóveda: 1508-1512; Pared del Altar – Juicio Final: 1536-1541):
• Función religiosa como Capilla Palatina y lugar de cónclaves papales. Planta rectangular sin ábside. Bóveda de cañón rebajada con lunetos y pechinas sobre las ventanas.
• Originalmente, la decoración de la pared del altar fue encargada a Perugino. El Papa Julio II encargó a Miguel Ángel la decoración de la bóveda, inicialmente con un proyecto más simple (los doce apóstoles). Miguel Ángel propuso un programa iconográfico mucho más complejo, centrado en la Creación, el Pecado Original y las prefiguraciones de la llegada de Cristo.
• Trabajó prácticamente solo en la bóveda, sobre un andamio diseñado por él mismo. Demostró un dominio absoluto de la anatomía humana y la pintura al fresco, a pesar de considerarse escultor. Los personajes tienen una tensión y fuerza extraordinarias. Se dice que Bramante y Rafael, inicialmente escépticos, promovieron el encargo creyendo que fracasaría, pero el resultado fue un éxito rotundo que le ganó el respeto de todos.
• Estructura de la Bóveda: Nueve escenas centrales del Génesis (desde la Separación de la Luz y las Tinieblas hasta la Embriaguez de Noé), flanqueadas por Profetas y Sibilas sentados en tronos monumentales, y los Ignudi (jóvenes desnudos) sosteniendo medallones. En las pechinas de las esquinas, escenas de la salvación del pueblo de Israel. En los lunetos y enjutas sobre las ventanas, los antepasados de Cristo.
• Profeta Isaías: El ángel le interrumpe la lectura, iluminándole el futuro. Pesados y plegados paños de brillante colorido que se ciñen para mostrar la potente musculatura. Figura serpentinata.
• Las Sibilas eran profetisas de la Antigüedad clásica que, según la tradición cristiana, anunciaron la llegada de Cristo.
• Sibila Eritrea: Figura monumental, casi masculina, reflejando el desinterés de Miguel Ángel por los modelos femeninos convencionales.
• Sibila Délfica: Una de las figuras más idealizadas y serenas.
• Los Ignudi (Desnudos): Figuras atléticas en posturas variadas y complejas, muestran la influencia de esculturas clásicas como el Laocoonte y el Torso de Belvedere. Su significado es debatido (¿ángeles apteros, símbolos del alma humana?).
• El Pecado Original y la Expulsión del Paraíso Terrenal: Dos escenas narradas en un mismo panel, separadas por el Árbol del Bien y del Mal.
• La Creación de Adán: Es una de las imágenes más icónicas del arte occidental. Representa el momento en que Dios infunde vida a Adán. Muestra el mundo celestial (Dios rodeado de ángeles en un manto) y el terrenal (Adán reclinado). Las manos a punto de tocarse simbolizan la transmisión de la chispa divina y el enigma de la creación.
• Pechinas: Cuatro escenas de la salvación milagrosa del pueblo de Israel (David y Goliat, Judit y Holofernes, El Castigo de Amán, La Serpiente de Bronce).
• Judit y Holofernes: Representa la decapitación del general asirio por la heroína judía.
• Lunetos con los Antepasados de Cristo: Figuras representadas en actitudes cotidianas y melancólicas.
• El Juicio Final (Pared del Altar, 1536-1541): Encargado por el Papa Clemente VII y completado bajo Paulo III. Representa la segunda venida de Cristo para juzgar a vivos y muertos. Composición tumultuosa y dinámica, centrada en la figura poderosa y terrible de Cristo Juez. Desaparece la arquitectura fingida de la bóveda. Visión pesimista y angustiada, reflejo de la crisis religiosa (Reforma Protestante) y política (Saqueo de Roma). Los desnudos causaron gran controversia y fueron parcialmente cubiertos posteriormente por Daniele da Volterra («Il Braghettone»).

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La Escuela de Venecia

Venecia ofrece un panorama distinto al de Florencia y Roma. Ciudad rica por su pujante actividad comercial y sus contactos con Oriente, su arte refleja un carácter más sensorial, colorista y festivo.

• Exaltación de la sensualidad, el lujo y los placeres de la vida.
• Perfeccionamiento de la técnica del óleo sobre lienzo, que permite mayores efectos de textura y luminosidad.
• Profundización en la utilización de la perspectiva aérea y la representación de la atmósfera.
• Revolución en el uso del color: Se considera el elemento primordial de la pintura (predominio del color sobre el dibujo). Los colores son ricos, luminosos, aplicados a menudo con pinceladas sueltas (pasta), haciendo que la luz parezca surgir de la propia pintura.
• Atmósfera que envuelve las figuras, a menudo etérea y rutilante (brillante), expresión de la riqueza y vitalidad de la sociedad veneciana.
• Gran influencia en la pintura barroca posterior (Rubens, Velázquez).
• Preferencia por temas mitológicos, pastorales, fiestas y retratos, además de los religiosos tratados con un enfoque más humano y terrenal.

Giorgione (Giorgio da Castelfranco)

Figura enigmática y de corta vida, pero fundamental. Introduce la novedad de pintar al óleo directamente sobre el lienzo, sin dibujos preparatorios detallados (o con bocetos muy someros). Concibió la pintura fundamentalmente en términos de color y luz. Los paisajes adquieren un protagonismo esencial, cargados de lirismo y misterio (pintura tonal).

• La Tempestad (c. 1505-1508, Gallerie dell’Accademia, Venecia): Óleo sobre lienzo. Obra enigmática. Contemplación poética del paisaje, que es el verdadero protagonista. Atmósfera cargada por la tormenta inminente, vibraciones de luz. Belleza femenina de formas amplias.
• Concierto Campestre (c. 1509, Louvre): Óleo sobre lienzo. Atribuido también a Tiziano joven. Escena pastoral con desnudos femeninos alegóricos junto a jóvenes vestidos. Atmósfera lírica y sensual.

Tiziano Vecellio (Tiziano)

Discípulo de Giorgione, larga y exitosa carrera. Pintor predilecto del emperador Carlos V y de Felipe II. Combina la belleza clásica y la armonía compositiva con un cromatismo rico, brillante y sensual que evolucionará hacia una pincelada más suelta y dramática en su vejez. Cultivó todos los géneros: retratos, temas religiosos y mitológicos.

• Amor Sacro y Amor Profano (c. 1514, Galería Borghese, Roma): Óleo sobre lienzo. Alegoría compleja sobre diferentes aspectos del amor y la belleza según la filosofía neoplatónica.
• La Bacanal de los Andrios (1523-1526, Museo del Prado): Óleo sobre lienzo. Parte de una serie mitológica para Alfonso d’Este. Exaltación pagana del vino y la fiesta.
• Carlos V en la Batalla de Mühlberg (1548, Museo del Prado): Óleo sobre lienzo. Retrato ecuestre imperial, símbolo del poder y la majestad del emperador.
• La Venus de Urbino (1538, Uffizi): Óleo sobre lienzo. Desnudo femenino recostado en un interior doméstico, de gran sensualidad y belleza idealizada.
• Dánae recibiendo la lluvia de oro (Varias versiones, ej. 1553-1554, Museo del Prado): Óleo sobre lienzo. Tema mitológico tratado con gran erotismo y riqueza cromática.
• Flora (c. 1515-1520, Uffizi): Óleo sobre lienzo. Retrato idealizado de una mujer como diosa de la primavera, sensual y elegante.

Paolo Veronese (Paolo Caliari)

El pintor que mejor reflejó el lujo, la fastuosidad y el espíritu festivo de la Venecia del siglo XVI. Composiciones grandiosas, llenas de personajes, arquitecturas suntuosas y colores brillantes y claros.

• Cena en Casa de Leví (1573, Gallerie dell’Accademia, Venecia): Óleo sobre lienzo. Originalmente titulada La Última Cena, tuvo que cambiar el nombre por objeciones de la Inquisición, debido a la inclusión de figuras profanas (bufones, perros, soldados) en la escena sagrada. Es un ejemplo de sus grandes»cena» o banquetes.
• Las Bodas de Caná (1563, Louvre): Óleo sobre lienzo. Inmensa composición que traslada el milagro bíblico a una suntuosa fiesta veneciana contemporánea.

Tintoretto (Jacopo Robusti)

Expresión de la crisis del ideal renacentista, acercándose al Manierismo. Estilo dramático y agitado, con composiciones dinámicas (diagonales, perspectivas forzadas), uso audaz del escorzo y fuertes contrastes de luces y sombras (tenebrismo). Pincelada rápida y enérgica.

• El Lavatorio (c. 1548-1549, Museo del Prado): Óleo sobre lienzo. Composición descentrada y dinámica, con perspectiva audaz.
• Ciclo de San Marcos para la Scuola Grande di San Marco (Venecia):
• El Descubrimiento del Cuerpo de San Marcos (1562-1566, Pinacoteca di Brera, Milán): Óleo sobre lienzo. Escena nocturna y milagrosa, con iluminación dramática y perspectiva vertiginosa.
• El Traslado del Cuerpo de San Marcos (1562-1566, Gallerie dell’Accademia, Venecia): Óleo sobre lienzo. Composición agitada bajo una tormenta.
• Susana y los Viejos (o El Baño de Susana) (c. 1555-1556, Kunsthistorisches Museum, Viena): Óleo sobre lienzo. Tema bíblico tratado con sensualidad y tensión narrativa.