Galería FARNESE. ANNIBALE CARRACI 1597- 1604/6

Se inauguró el 2 de Junio de 1601. Entre 1597-99 trabajó también Agostino.
Numerosas esculturas griegas, de vaciado, por lo tanto son originales. Hizo una serie de cuadros al fresco en los que se habla a partir de escenas de la mitología (Ovidio) amor sacro y amor profano, vicio y virtud.
En esa sala donde primero se colocaron esas esculturas se hizo el programa pintado en cuadros, son cuadros ricortati. Son cuadros trasladados a las bóvedas, están pensados para ser vistos de frente, por lo que el punto de vista natural se ha cambiado por completo, por lo que tendríamos que tumbarnos en el suelo para poder verlo bien. Cada cuadro tiene un enfoque distinto, porque lo que se ha tenido en cuenta es la colocación en la pared, no en relación con el espectador, por eso se llaman cuadros trasladados. Para poderlos ver bien deberían estar pintado en sotto in su (perspectiva arquitectónica hacia el cielo, como si fuera un óculo en la habitación a partir del cual aparecen las figuras). Esto se generaliza en 1630. Esto ya lo hace mantegna en 1473 en el palacio ducal de Mantua. También lo vemos en Correggio, maestro de Carracci, por lo que el sabia que eso existía (bóveda de la catedral de Parma).
La sala estaba concebida para una serie de esculturas. En los lados menores de la sala, donde no había escultura, si no puertas, Carracci pinta engrisalla unas figuras masculinas que imitan esculturas, de esa manera es como si continuara con la serie de esculturas de los lados mayores (posiciones muy violentas y dramáticas, también hercúleas). Las figuras masculinas hacen la función de atlantes (sostiene un entablamento o bóveda). Esta sosteniendo el cuadro que aparece en uno de los lados mayores. En el otro lado tenemos exactamente lo mismo. La grisalla era una herencia del mundo flamenco. En esos lados menores estamos viendo como en el cuadro que ha colocado en lo que llamamos luneto o frontón que cierra una de las paredes, vemos en el centro otra historia, y en la parte baja, como si estuvieran sujetando el cuadro dos desnudos en posiciones inestables, muy musculosos, hercúleos, que vuelen a llevarnos a esos desnudos que en la capilla Sixtina están en los ángulos de las escenas del centro de la bóveda. Esos ignudi aparecerán en los lados mayores, además en relación con unos medallones broncíneos.
También tenemos unas figuras también en grisalla (Hermes y atlante) que sostienen el entablamento o cornisa sobre la que apoyan los tres cuadros centrales. Esas figuras son una figura masculina completa, con piernas (atlante), el Hermes puede ser el Hermes masculino o la herma masculina, toros y cabeza humana y la parte baja es un soporte geométrico en forma de tronco de pirámide invertida. Es lo que luego dará lugar al estípite.
Hasta el año 1604 van a trabajar fundamentalmente, para terminarlo todo el taller. Se le pago muy poco, por lo que entro en depresión.
Uno de los dibujos que el va a trabajar (hace para todas sus obra multitud de dibujos hasta conseguir el dibujo definitivo). Vemos muy bien la diferencia entre el atlante y el Hermes. Hay un medallón y otro desnudo, en el que vemos esa musculatura.
Pasamos a hablar de ese cuadro ricortato:
triunfo de Baco y Ariadna, la obras más importante. Esa otra escena que nos lleva al mundo clásico que le sirve como referencia. El tema es de la mitología clásica que hace referencia al momento en que Baco o Dionisos desposa a la ninfa Ariadna. También se llama entrada triunfal de Baco y Ariadna. Al final la acaba convirtiendo en una constelación. Vemos a un amorcillo que la esta coronando con una corona de estrellas para que no muera.
Rupert Martín, cree que habla del tránsito entre el amor humano y el amor divino. Porque al convertirla en su esposa la diviniza. En los ángulos estarían representados los dos amores restantes: el más bajo del todo, el amor animal, estaría reflejado en el sátiro; en el lado opuesto tenemos la figura de Venus con su hijo Venus que representan el amor carnal pero lleno de belleza.
Tenemos un centro que se abre, que divide las figuras en dos grupos, equilibrando la composición. Las figuras son todas en primer plano, el paisaje se extiende hacia atrás como si fuera un telón de fondo, de modo que las figuras se ven con toda su monumentalidad y precisión dibujistica. Esto se debe a también a al luz clara, que va a dar por igual en todas las figuras, normalmente dará lateralmente ara crear zona de luz y zona de sombre (Rafael). De esa manera crea mínimas matizaciones cromáticas. Diagonales que nos llevan al fondo: perspectiva cónica (frente a las diagonales de Caravaggio propias del Barroco). Las figuras las podríamos comparar con la de los grandes maestros. La de Venus, por su corpulencia, podría ser comparada con las de Miguel ángel. Todas las figuras masculinas presentan esa densidad muscular (Hércules farnese, Miguel ángel). En cuanto a los colores no presentan la misma riqueza cromática que en Venecia, a demás predominan los desnudos. Solo hay dos figuras en