7.1. 
EL TEATRO COMERCIAL: COMEDIA BURGUESA, TEATRO CÓMICO
 Y TEATRO POÉTICO

Continuador
Del que se daba a finales del XIX (drama postromántico, costumbrista, alta
Comedia en la línea de Echegaray…), orientado
A un público burgués, escasamente crítico y que aporta pocas novedades
Técnicas. Es el teatro que triunfa en las salas teatrales de la época. En este
Grupo se incluye:

Comedia
Burguesa: Jacinto Benavente

Recibíó
El Premio Nobel en 1922 (segundo autor teatral que lo recibe, después de
Echegaray).

El
Teatro de Benavente pasa por dos etapas
Muy claras:

A)Intento
De renovacióntécnica y de crítica social en su primera obra, El nido ajeno (1984

)

En esta obra analiza y critica la
Situación de la mujer casada en la sociedad burguesa, utilizando un lenguaje
Sencillo y sobrio.

b)“Comedias
De salón”. Ante la poca acogida de la obra optó por una posición
Menos crítica. A partir de este momento compuso obras que se ajustaban a los
Gustos del público de su tiempo, aunque nunca renunció a la introducción de una
Ligera crítica social.

Los temas y
Personajes de la comedia burguesa se corresponden con los de las clases
Medias y altas de la sociedad de entonces y con los conflictos típicos de esos
Grupos sociales: amores insatisfechos, infidelidades, hipocresía,
Murmuraciones, hijos calavera. En obras como La noche del sábado (1903), Rosas
De otoño (1905), Benavente
Consiguió un teatro a la medida de la burguésía de la época, que lo convirtió
En el autor más representado.

De estas carácterísticas se escapan dos obras suyas
Que, sin embargo, se han convertido en las más interesantes de su producción
Teatral:
Los intereses creados(1907)desarrolla
En tono de farsa (por medio de
Personajes-tipo que proceden de la ‘commedia dell´arte ‘italiana) trata
El tema del poder del dinero, contraponiendo el mundo del interés y el mundo
Del amor.
La malquerida (1913) sigue 
El modelo del ‘drama rural’,
Un tipo de teatro que, ambientado en un mundo campesino dominado por la
Fatalidad y por atavismos ancestrales, desarrolla un violento mundo de pasiones
No controladas por la educación urbana.

Teatro
Cómico

Pedro
Muñoz Seca y Carlos Arniches

Hecho
Para divertir al público, con frecuencia acompañado de música, cante y baile (géneros
“musicales” son: opereta, revista, vodevil, yaunque no es propiamente “teatro
Cómico”;  la zarzuela siguió contando con
El favor del público: La cancióndel
Olvido, La verbena de la paloma,..).

Es un
Género heredero de los entremeses del
Siglo de Oro.
Sus carácterísticas principales son:

-Ambientación popular.

-Historia amorosa con final feliz.

-Humor y lenguaje sencillo.

Pedro
Muñoz Seca, creael astracán o astracanada( género
Basado en el disparate cómico, al que se supeditan acciones, situaciones y
Personajes y cuyo objetivo era obtener la carcajada a través de obras
Descabelladas, que en un principio se representaba en Pascuas en el Teatro de
La Comedia de Madrid, como descanso del teatro “serio” nacional o extranjero.

Estrenó
Más de trescientas obras.La más lograda es La
Venganza de don Mendo, parodia de dramas ROMánticos, de los dramas de
Honor de Calderón de la Barca y del teatro en verso de la época.

Humorista de ley hasta los últimos momentos,
Dirigíó estas palabras al pelotón de fusilamiento que acabó con su vida por sus
Ideas monárquicas y católicas en Paracuellos del Jarama: «Podéis quitarme la
Hacienda, mis tierras, mi riqueza, incluso podéis quitarme, como vais a
Hacer, la vida, pero hay una cosa que no mepodéisquitar… y es el miedo que
Tengo». Cuentan que los soldados que a la postre lo fusilaron que le
Pidieron perdón por lo que estaban obligados a matarlo, pero parece ser que él
Fue quien los consoló diciéndoles que estaban ya perdonados, que no se
Molestaran… «aunque me temo que ustedes no tienen intención de incluirme en
Su círculo de amistades».

Carlos
Arniches

En su producción
Dramática se distingue una primera etapa en la que cultivó el sainete de
Costumbres (Sainetes del Madrid
Castizo)
. También cultivó un género nuevo, la “tragedia grotesca”, donde combina lo risible con lo conmovedor, y
Con una actitud crítica ante las injusticias. Juega con la comicidad externa y
Con una profunda gravedad en el contenido. Estas obras encierran una voluntad
De denuncia de la realidad nacional,
Caracterizada por la ignorancia, el inmovilismo, la hipocresía, la crueldad y
El vacío espiritual. Entre ellas destacaLa señorita de Trevélez (1916), ¡Qué
Viene mi marido! (1918), Loscaciques (1920), La heroica villa
(1921) y Es mi hombre (1921).

El teatro poético: Eduardo Marquina

El teatro en verso surge directamente de la corriente modernista como reacción al
Teatro realista triunfante. Se trata de un teatro de pura evasión, sin relación inmediata con la realidad, que recupera temas históricos y legendarios,
Rescatando mitos nacionales.

Eduardo
Marquina(1879-1946). Cultivó
Especialmente el drama histórico y
El drama rural, ambos en verso. En
Sus dramas históricos se registran dos etapas:

Primera
Etapa

Se recupera la tradición mediante la exaltación de virtudes como la
Nobleza, el valor, la generosidad, la fidelidad y el sacrificio. A este periodo
Pertenecen Las hijas del Cid, Doña María la Brava y En Flandes se ha
Puesto el sol.

Segunda
Etapa

Se concentra en lo religioso, exaltando la fe y la piedad. En esta
Etapa se inscriben El monje blanco y Teresa de Jesús.

En medio de ambas, abandonó provisionalmente el
Teatro en verso por comedias en prosa de tema contemporáneo y de carácter
Realista pero no costumbrista: Cuando florezcan los rosales y La
Extraña.

7.2.EL TEATRO
RENOVADOR: TENDENCIAS. Federico GARÍA Lorca

Muchos son los autores que
Pretenden hacer un teatro diferente en estos años, pero, en la mayoría de los
Casos, estas nuevas fórmulas no tuvieron éxito.Estos intentos de renovación
Vienen de la mano de autores de la Generación
Del 98 (Unamuno, Azorín) y de la Generación
Del 27 (Alejandro Casona, Max Aub, Rafael Alberti y, por encima de todos,
Federico García Lorca).

Alejandro
Casona (1903-1965)

 Comienza su carrera de dramaturgo con el
Estreno en 1934 de La sirena varada, obra que obtiene el premio “Lope de Vega”
De teatro. Antes de salir de España en 1937 era ya un dramaturgo conocido y
Estimado por esta y otras piezas de éxito. A diferencia de otros escritores
Españoles de su generación, como Max Aub o Rafael Alberti, Casona seguirá en el
Exilio su obra de dramaturgo sin romper ni temática ni estilísticamente los
Moldes de su teatro anterior a la Guerra Civil española, siendo sus comedias
Más representadas La dama de alba y Los árboles mueren de pie. En ellas tres se
Plantea un conflicto entre realidad e irrealidad, entre fantasía y verdad,
Entre ilusión y vida, concluyéndose con la idea de que es ésta última la que
Tiene la última palabra y no la primera. Irrealidad, fantasía e ilusión tienen
El prestigio y el brillo de la belleza, pero es en la realidad donde sólo el
Hombre puede vivir la verdad.

Lo que el dramaturgo parece
Querer mostrar es que la plena humanidad consiste precisamente en la uníón de
La dimensión real e irreal de la existencia, no en su oposición ni en su
Exclusión. Otro rasgo del teatro de Casona habitualmente señalado por la
Crítica lo constituye la presencia de un espíritu docente y de elementos
Pedagógicos en las obras. Hay en general en todo el teatro de Casona, una
Exaltación de la bondad, del amor entre los hombre y a las cosas, de la poesía
Como forma de vida superior a la vulgaridad y al egoísmo. Obras: La dama del alba (su mejor obra) y La casa de los siete balcones.

Jacinto
Grau (1877-1958)

Parte del desacuerdo con la
Situación del teatro español comercializado y acomodaticio. Es un teatro minoritario, intelectualizado y poco representado. En su obra hay primeramente
Un deseo de establecer la tragedia como
Una forma renovada del teatro total y pleno.
Son un tipo de tragedias
Totalmente acontemporáneas, por lo que no conectaron con el público.

También escribe una vertiente
De teatro de carácter político-social:
El tercer demonio, El señor dePigmalión (con influencias de
Pirandello y Unamuno).

Un tema que le atraía profundamente es el de Don Juan.
Así lo trata en dos obras: Don Juan de Carillana y El burlador
Que no se burla. Esta última representa el límite de la tendencia del drama intelectual, ya que en una serie
De escenas inconexas que ofrecen distintos aspectos del carácter del personaje,
Grau intenta llegar a la esencia del mito de Don Juan. En esta obra se
Advierten influencias del expresionismo alemán. , que se proyectará también en
Obras posteriores como Las galas de don
Telesforo, Bibí Carabé y El infierno se está mudando.

Federico García Lorca (1898-1936)

Creó el verdadero teatro poético.
En él, además de la palabra, cobran importancia
Otros componentes, como la música, la danza y la escenografía, configurando así
Un espacio total.
Escribíó sus obras
Más conocidas a partir de 1930, en las que mantiene una gran coherencia
Temática donde la soledad, el dolor y la muerte son constantes. Lorca experimenta con el drama surrealista, la tragedia rural y la farsa violenta, para llegar al
Espectador y hacerle partícipe del drama que sufren los personajes.

La obra dramática de Lorca puede agruparse en tres
Grandes bloques:

A)Primeras piezas teatrales

Las primeras obras de nuestro autor están escritas
Bajo la influencia de autores
Modernistas como Villaespesa o Marquina, de los cuales toma los siguientes
Elementos:

-Distribuye el argumento en estampas, es decir, escenas consecutivas que muestran la evolución
De los personajes.

-Lorca detiene el desarrollo argumental para
Introducir elementos líricos y pequeños
Poemas.

-El carácter
Popular de su obra se basa en la ambientación
Rural que comparten la mayoría de sus piezas teatrales.

En 1920 estrena El maleficio de la mariposa,
Obra de influencia modernista sobre el amor entre una cucaracha y una  linda mariposa, que inaugura ya el tema
Fundamental de la dramaturgia lorquiana: la insatisfacción amorosa.
El estreno fue un fracaso del que Lorca se
Resarcíó pronto con Mariana Pineda, drama histórico basado en la heroína
Ajusticiada por Fernando VII en Granada por haber bordado una bandera liberal.
A estas dos obras se unen las farsas trágicas sobre amores desgraciados de La
Zapatera prodigiosa y El amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín.
En esta primera época también compone varias piezas breves de teatro de marionetas, al que dio la
Denominación de “Los títeres de cachiporra”; en ellos desarrolla otro de los
Temas nucleares de su dramaturgia: el conflicto
Autoridad/libertad.

B)Teatro
Vanguardista: las “comedias imposibles” o misterios

Lorca dio este nombre a estas tres comedias creadas
Bajo el influjo surrealista (El
Público, Comedia sin título, Así pasen cinco años). El “teatro imposible” anticipa la ruptura de la lógica espacio-temporal,
El desdoblamiento de la personalidad y la posibilidad de varias
Interpretaciones.

La técnica surrealista le vale para explorar en los instintos ocultos del
Hombre.
Así en El público (incompleta) Lorca defiende el amor como
Un instinto ajeno a la voluntad, que se manifiesta de formas muy diversas,
Entre ellas, la homosexual; y critica a una sociedad que condena a todo el que
Es diferente.

C)La etapa de plenitud

Lorca escribe durante los años treinta obras
Teatrales que sí alcanzan el éxito comercial: Bodas de sangre,  Yerma, Doña Rosita la soltera o el
Lenguaje de las flores y La casa de Bernarda Alba. Todas ellas
Tienen en común el protagonismo de las
Mujeres, cuya situación de marginación social es tema común en las cuatro.
Con una intensa carga simbólica, el
Teatro de Lorca alcanza aquí un inigualable poder de sugerencia. Su lenguaje poético, salpicado de
Metáforas arriesgadísimas (fruto de la asimilación de la vanguardia), se mezcla
Con ambientes, motivos y personajes
Arraigados en lo popular.
Su conocimiento de nuestro teatro clásico le
Presta la gravedad, el sentido trágico y los conocimientos formales que su obra
Necesita. 

Bodas de sangre y Yerma
Son dos tragedias de aire clásico,
En las que Lorca mezcla la prosa y el verso, utiliza coros como en la tragedia griega para comentar la acción, maneja
Elementos simbólicos y alegóricos… En Bodas
De sangre (una novia huye con su antiguo novio el día de su boda)
Aparecen temas conocidos de Lorca (el amor, la violencia, la muerte, las normas
Sociales que reprimen los instintos).

Yerma aborda otros temas muy lorquianos:
la esterilidad, la opresión de la
Mujer, el anhelo de realización que choca con la moral tradicional…

Doña Rosita la soltera es un drama urbano, también en prosa y verso  -aunque aquí el verso sirve para satirizar y
Parodiar-, que trata de las señoritas solteras de provincias condenadas a
Esperar inútilmente el amor en un medio burgués mediocre que ahoga sus deseos
De felicidad. Es el drama de “la cursilería española, de la mojigatería
Española” como señala el propio Lorca.

La casa de Bernarda Alba suele señalarse como la cumbre del teatro de Lorca.
Es una obra en prosa pero de fuerte lirismo.
La obra trascurre en un
espacio hermético y  los temas que trata son: la libertad frente a
La autoridad, el deseo erótico y los instintos naturales enfrentados a las
Normas sociales y morales, la esterilidad y la fecundidad, la frustración
Vital, la condición sometida de la mujer; pero, sobre todo, una reflexión sobre el poder.
Bernarda es
Una mujer que impone por la fuerza todo un código de conducta represivo a unas
Hijas que, con excepción de la menor, aceptan estas reglas que su madre ha
Recibido de la tradición heredada  y que
Ellas están dispuestas a perpetuar.

El simbolismo en
El teatro de Lorca.-

Al igual que en su
Poesía, en la dramaturgia lorquiana es frecuente el empleo de símbolos, que además de al lenguaje,
Afectan a la escenografía:

Agua

Cuando fluye, representa fecundidad, fuerza
Y libertad. Cuando está estancada, esterilidad y muerte.

Luna

Puede ser la muerte, pero también la fecundidad o
La esterilidad.

Caballo

Simboliza la vida, la fuerza erótica, aunque
También es portador de anuncios funestos.

Sangre

Puede ser vida, pero también alude al sufrimiento.

7.3

LA TRAYECTORIA
DRAMÁTICA DE RAMÓN MARÍA DEL VALLE-INCLÁN

Para
Algunos el autor más importante de la dramaturgia nacional. Su obra supone una revolución en lahistoria del teatro español
Y la semilla de los nuevos caminos abiertos por el teatro actual: para
Referirse a del absurdo». Evoluciona desde un Modernismo elegante y
Nostálgico a una literatura crítica, basada en una feroz distorsión de la
Realidad.

Su obra
Teatral suele agruparse en tres
Ciclos:

A)

Los inicios: dramas
Decadentistas

La producción dramática
De Valle sigue una evolución similar a su narrativa: las primeras piezas, como El marqués de Bradomín, Cuento de Abril
Y Voces de gesta corresponden al
Género del “teatro poético” o modernista,
De tema histórico, tono heroico e ideología tradicionalista.

B)

Dramas de ambiente
Galaico y farsas

Comienza a aparecer en
Su obra cierta conciencia de realidad,
Que sin embargo se expresa a través de elementos
Míticos.
En esta época, Valle comienza a regodearse en lo clásico, cuyo
Particular tratamiento da lugar a sus tres Comedias
Bárbaras y a Divinas palabras,
Así como en las farsas, en las que los
Personajes comienzan a ser tratados como peleles, como marionetas (al igual
Que, en otro sentido, sucederá en los “esperpentos”): La cabeza del dragón, La marquesa Rosalinda y Farsa y licencia de la reina castiza.

C)

El esperpento

Esa realidad que Valle presenta de modo caricaturesco
Va dejando sitio a una visión
Progresivamente más profunda y a una crítica de alcance universal,
Resultado del inconformismo del autor con toda la realidad y con toda la
Sociedad y que quedará definida como el esperpento

En 1928, en una entrevista, Valle decía Que había tres maneras de ver el mundo artística o estéticamente: de rodillas, en pie, o levantado en El aire. Cuando el autor mira desde abajo, la realidad aparece enaltecida, Los personajes como héroes –así en la tragedia clásica-; si se mira al Mismo nivel, los personajes son como nuestros hermanos –así en Shakespeare- ; si los miramos desde arriba, resultarán muñecos o peleles – así en Quevedo. Desde esta última visión surge el esperpento.

Esperpento

Persona extravagante, absurda. Para Valle es una estética que quiere “ser una
Superación del dolor y de la risa”. Su mejor definición se halla en la escena
XII de Luces de bohemia.

El ESPERPENTO
Es un intento de presentar la realidad española, pero dando no una visión
Natural y real, sino presentando los hechos de una manera exagerada y
Burlesca.
Nos presenta una realidad deformada, para que el espectador quede
Sorprendido y tome conciencia de la misma. El objetivo es parecido al mismo que
Perseguirá más tarde B. Brecht con su “técnica del distanciamiento».
Se presenta en el escenario un mundo insólito y sorprendente, para que el
Espectador lo relacione con su propia realidad cotidiana y se dé cuenta de lo
Que esta tiene también de insólito. En Luces
De bohemia dirá por boca de Max Estrella, uno de sus personajes más
Queridos: “Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el
“esperpento”. Las imágenes más bellas, reflejadas en un espejo cóncavo, son
Absurdas. (…) Deformemos la expresión en el mismo espejo que nos deforma las
Caras y toda la vida miserable de España.

El
“esperpento” no es tanto un género dramático como una forma de concebir la
Literatura y resultado, a su vez, de una actitud ante la realidad.

Así
Podemos observarlo en las cuatro obras que Valle bautizó como “esperpentos”: Luces de bohemia, Los cuernos de don
Friolera, Las galas del difunto y La hija del capitán.

Algunos
rasgos del esperpento:

Deformación,
Distorsión de la realidad

Se esperpentiza incluso la muerte, que se
Deforma paródicamente. Descubre cuanto hay de negativo en la condición humana,
Siempre con una intención crítica, aunque no proponga soluciones.

·
Degradación
De los personajes mediante rasgos de animalización, cosificación
O muñequización.
De esta manera,
Entre los personajes predominan los fracasados, los bohemios, los borrachos y
Prostitutas, los mendigos…que pululan en ambientes míseros como burdeles,
Tabernas y antros de juego, calles inseguras de un Madrid nocturno…

·Empleo de contrastes,
Especialmente entre lo doloroso y lo grotesco.

·Tipo de humor
Agrio, mordaz.
Valle se ríe de todo lo que observa y utiliza la sátira.

·
Lenguaje rico, con variedad de registros, bien para caracterizar a sus personajes, o bien al
Servicio de la parodia o de la crítica. Valle muestra su dominio del lenguaje,
Su maestría en el uso de coloquialismos, modismos, habla acanallada, jergal,
Barriobajera o culta…

Dominio del diálogo

·Inclusión de luces,
Sombras y espejos (recordaremos los del callejón del Gato, en Madrid),
Donde la realidad, deformada, se mezcla con la fantasía o el ensueño, siempre
Tragicómico.

Luces de bohemia

En
Este drama se cuenta el dantesco viaje de Max
Estrella, poeta ciego, guiado por su amigo Latino de Híspalis por diversos lugares madrileños, hasta su muerte
En su propia casa. La acción se estructura en quince escenas, que abarcan desde el atardecer a la noche del día
Siguiente, y se desarrolla en lugares
Múltiples:
un cuarto miserable, una librería, una calle, un calabozo,.. Al
Héroe, un poeta convertido en un simple cesante por la fatalidad y el destino,
Solo le quedan la impotencia, la rabia y la vergüenza.
Los personajes, con su continua gesticulación, parecen marionetas en su pretensión de
Trágicos.

Valle-Inclán emplea citas ajenas como recurso paródico. Este fenómeno, de raigambre
Modernista, ya se encontraba en las Sonatas,
Pero mientras que en estas funcionaban con absoluta seriedad, configurando la
Personalidad de Bradomín, en Luces de
Bohemia adquieren unafinalidad
Cómica, paródica.

De la crítica de Luces de bohemia no se libra nadie, desde la monarquía hasta el
último plebeyo, pasando por la estéril bohemia: la queja es así total y aparece
Por primera vez una crítica colectiva.
La obra constituye una ferz sátira
Política y social de la España del momento.

Los sucesos
Históricos se proyectan de manera
Grotesca;
De este modo, evidenciando su carácter absurdo, aunque presentan
Consecuencias desastrosas. El público, al analizarlos distanciadamente,
Aprenderá a ser crítico.