Venus DE WILLENDORF 

Título: Venus de Willendorf 

Autor: desconocido

Cronología: Prehistoria (paleolítico)

Tema: religioso

Estilo artístico:
arte mobiliar/prehistórico, es decir, de dimensiones limitadas y manejables, puede ser transportado por el ser humano.

Comentarios adicionales:

Se trata de una escultura del Paleolítico superior. No es una obra realista, ya que no muestra las mujeres reales de aquella época. Es símbolo de fecundidad y fertilidad (madre tierra). Estos símbolos se encontraban cavados en tierra. En esta obra también cabe destacar la esteatopigia, es decir, la representación de cuerpos voluminosos, con mucha grasa corporal.

BISONTE DE ALTAMIRA

Título: Bisonte de Altamira

Autor: anónimo, está realizado por habitantes del Paleolítico, obras hechas por cazadores, y representan la política de la caza.

Cronología: Prehistoria (paleolítico superior)

Estilo artístico: arte parietal (arte que aparece en las paredes)

Comentarios adicionales:

Se trata de una pintura que se encuentra en Altamira  (yacimiento de Cantabria). Es una obra naturalista y realista. Estas pinturas se encuentran muy escondidas, en cuevas, cerca de enterramientos y ofrendas. Tiene una función mágica, asociada a rituales. Se buscaba encontrar algo. Aquello que representaban mediante la pintura, es el animal deseado que luego iban a conseguir. Lo que más pintaban eran animales herbívoros. 

PARTENÓN

Título: Partenón

Autor: Ictino y Calícrates

Cronología: Edad Antigua (Grecia) 447-432 a.C

Estilo artístico: Arte clásico griego. Orden dórico.

Comentarios adicionales:

Este templo está construido con mármol blanco, traído del monte Pentélico. 

Podemos decir que hay una gran relación entre religión y arte. Como la religión para ellos era muy importante decidieron construir los templos que eran las construcciones más representativas de la época. La función de estos era contener la efigie de una divinidad y sus tesoros. El culto se daba en el exterior.

El templo era  uno de sus monumentos más carácterísticos y estaba caracterizado por:

Estaba orientado de Este a Oeste.

Se caracteriza por una organización simétrica con planta rectangular, rodeado de columnas y cubierto por un tejado a dos aguas. Se construía en una colina o recinto sagrado a cierta distancia de la ciudad, que recibe el nombre de Témemos.

Función: para alojar la estatua del Dios al que estaba dedicado. 

Las partes de la planta son: Naos (santuario), Pronaos (pórtico),Opistódomos (habitación posterior).

Utilización de los órdenes arquitectónicos clásicos: dórico, jónico y corintio.

El Partenón es de orden dórico, y se caracteriza por:

La columna no posee basa, se sustenta sobre el pedestal, que tiene tres escalones. 

El capitel está compuesto por el collarino, el equino y el ábaco.

El ábaco se encuentra bajo el entablamento, que está formado por el arquitrabe o dintel (liso), el friso y la cornisa, triglifo y metopa.

El fuste es más ancho por la parte inferior que por la parte superior.


TEMPLO DE ATENEA NIKÉ

Título: Templo de Atenea Niké

Autor: Calícrates

Cronología: Edad Antigua (Grecia) S.V

Estilo artístico: Arte clásico griego. Orden jónico.

Comentarios adicionales:

En su interior hubo una imagen de Atenea personificada como Niké, símbolo de las victorias navales, a la que se cortaron las alas.

El templo en la actualidad, ha estado totalmente restaurado.

Este templo está construido con mármol blanco, traído del monte Pentélico. 

Hay una gran relación entre religión y arte. Como la religión para ellos era muy importante decidieron construir los templos que eran las construcciones más representativas de la época. La función de estos era contener la efigie de una divinidad y sus tesoros. El culto se daba en el exterior.

El templo era  uno de sus monumentos más carácterísticos y estaba caracterizado por:

Estaba orientado de Este a Oeste.

Se caracteriza por una organización simétrica con planta rectangular, rodeado de columnas y cubierto por un tejado a dos aguas. Se construía en una colina o recinto sagrado a cierta distancia de la ciudad, que recibe el nombre de Témemos.

Función: para alojar la estatua del Dios al que estaba dedicado. 

Las partes de la planta son: Naos (santuario), Pronaos (pórtico),Opistódomos (habitación posterior).

Utilización de los órdenes arquitectónicos clásicos: dórico, jónico y corintio.

El templo de Atenea Niké es de orden jónico y está caracterizado por:

Las columnas están constituidas por la basa y el fuste que es  cilíndrico y estriado con cantos planos que se sustentan sobre el pedestal… Este tipo de columnas son más finas que las dóricas.

Cornisa tiene menos vuelo que la columna dórica y está decorada con dentellones, óvulos y otras molduras.

Friso está decorado con un bajorrelieve continuo.

Arquitrabe es liso y está dividido en tres  franjas horizontales y escalonadas.

El Capitel está decorado con una línea de ovas, un cordón de perlas y dos grandes volutas a cada lado, en espiral.

DORÍFORO DE POLÍCLETO

Título: Doríforo de Policleto 

Autor: Policleto

Cronología: Edad Antigua. Grecia. 440-30 a.C

Estilo artístico: Esta obra escultórica es una de las más representativas del período Clásico del arte griego

Comentarios adicionales:

Se trata de una escultura hecha con mármol. En ella podemos ver los aspectos más carácterísticos del arte clásico: la armónía, las proporciones y las medidas.

También cabe destacar el Canon, el cual representa el  ideal de belleza, los cuerpos perfectos en aquella época en Grecia.

La producción artística de la escultura griega se divide en tres períodos (arcaico,clásico y helénico) y el Policleto lo clasificamos en el período clásico, donde predominan representaciones que transmiten serenidad y calma, desapareciendo la rigidez y tensión de la anterior etapa, además de que buscaban el movimiento representando obras des de otras perspectivas distintas a la frontal y sobre todo estas obras buscaban la proporción y los cánones de belleza.

LAOCONTE

Título: LAOCONTE 

Autor:  Agesandro, Polidoro y Atenodoro

Cronología: Edad Antigua. Grecia. 50 a.C

Estilo artístico: Griego helenístico

Comentarios adicionales:

Se trata de una escultura hecha con mármol. En ella podemos ver los aspectos más carácterísticos del arte clásico: la armónía, las proporciones y las medidas.

También cabe destacar el Canon, el cual representa el  ideal de belleza, los cuerpos perfectos en aquella época en Grecia.

La producción artística de la escultura griega se divide en tres períodos (arcaico,clásico y helénico) y esta obra la clasificamos en el período helenístico, donde evoluciona más todavía el movimiento de las figuras y su expresividad. 

Laocoonte y sus hijos es la escultura más importante de la escuela de Rodas.

La obra presenta todas las carácterísticas del canon helenístico. En primer lugar, la copia esta realizada en mármol mediante la técnica de la talla en piedra.Hay una exageración en la forma del cuerpo, tal y como se puede ver en la posición del cuello de Laocoonte siendo atacado por la serpiente y la de sus brazos intentando evitarla. Al revés que en el estilo clásico que basaba sus obras en la neutralidad facial, esta obra esta dotada de una expresividad muy realzada. La expresión de Laocoonte recuerda cómo se aferra a la vida y el traspaso de la vida a la muerte.

COLISEO ROMANO

Título: Coliseo Romano

Autor:  Emperador vespasiano y Flavio.

Cronología: Edad Antigua. Roma. 71 d.C

Estilo artístico: Romano Imperial.

Comentarios adicionales:

Se encuentra ubicado en el centro de la ciudad de Roma.

Los materiales utilizados son hormigón, mármol, madera, ladrillo, piedra y estuco.

El sistema constructivo de esta obra fue el arquitrabado voltado. 

El coliseo, es posiblemente el edificio más grande de la antigüedad. La distribución de los espectadores en el anfiteatro era reflejo de la sociedad romana y de su jerarquía, cada uno ocupaba el espacio según su categoría. Arriba del todo era reservado para los esclavos, extranjeros y mujeres. Los emperadores y los senadores eran quienes estaban cerca de la arena. El coliseo simboliza y glorifica el emperador vespasiano.

RETRATO DE AGUSTO DE PRIMA PORTA

Título: Retrato de Augusto de Prima Porta

Autor:  desconocido

Cronología: Edad Antigua. Roma. S. I d.C

Estilo artístico: Arte romano

Comentarios adicionales:

Augusto de Prima Porta es una estatua que fue descubierta en Roma. 

La estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto. Acoge la forma de esa escultura, creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.

Se trata de una figura de bulto redondo, tallada en mármol, y que aún conserva restos de dorado, púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada (véase abajo en los enlaces su reciente recreación).

Es un retrato de cuerpo entero del emperador Octavio Augusto vestido de militar y con una rica coraza. Augusto aparece en pie, con indumentaria militar, sosteniendo un bastón y levantando la mano derecha, mostrando a sus tropas la corona de laurel del triunfo.

PANTÓCRATOR. SAN CLEMENTE DE TAHULL

Título: Pantócrator San Clemente de Tahull

Autor:  desconocido.

Cronología: Edad Media. S. XII

Estilo artístico: Arte ROMánico.

Comentarios adicionales:

La Obra que vamos a comentar se trata de una pintura al fresco realizada sobre el muro, de la iglesia ROMánica de San Clemente de Tahull, situada en Lérida. 

La Iglesia es una de las construcciones más carácterísticas del arte ROMánico.

Como la mayoría de la población de esa época era analfabeta recurrían a las pinturas de las iglesias y los relieves escultóricos  y los consideraban como la representación de la palabra de Dios, es decir, la función didáctica hace referencia a que la religión era enseñada a través de las pinturas.

La escena representada es de contenido religioso. 

El tema principal lo constituye el Pantocrátor, siendo de un tamaño considerablemente mayor al resto de las figuras representadas. Aparece representado Cristo vestido con una túnica gris y un manto azul, adopta la actitud de bendecir con la mano derecha alzada mientras en la izquierda sostiene el evangelio o las sagradas escrituras. Bajo los pies de Cristo, aparecen las cuatro figuras del tetramorfos (el ágüila de San Juan, el león de San Marcos, el toro de San Lucas y el ángel de San Mateo). En el muro la Virgen sostiene un cáliz del que se observa que salen rayos y que simboliza la sangre derramada por Cristo.

IGLESIA DE SANTIAGO

Título: Catedral de Santiago de Compostela

Autor: desconocido.

Cronología: Edad Media. 1075 a 1128.

Estilo artístico: Arte ROMánico.

Comentarios adicionales:

Catedral ROMánica, típico modelo de iglesia de peregrinación, con planta de cruz latina y cabecera con girola y absidiolos. 

El interior del templo se divide en tres naves.

Santiago de Compostela, es uno de los mejores ejemplos de iglesia de peregrinación que se construyen durante el ROMánico. Esta obra resume perfectamente las ideas de este estilo que nacíó en Francia y se difundíó por Europa a través de los caminos de peregrinación, cruzadas y monasterios. Un estilo al servicio de la religión, los privilegiados y  el Feudalismo.

La catedral de Santiago simboliza, la importancia de la ciudad y de la sede obispal en la que se encuentra situado el sepulcro de uno de los doce apóstoles. En este sentido, la propia planta de la iglesia es imagen de la cruz de Cristo que murió para la salvación del mundo.

CATEDRAL DE Burgos

Título: Catedral de Burgos 

Autor: Maestro Enrique 

Cronología: Edad Media. 

Estilo artístico: Arte gótico. S. VIII al S. XV

Comentarios adicionales:

Existe relación entre las ciudades y este nuevo estilo artístico, ya que el arte gótico se realizaba en los Burgos, dónde predominaba la creación de catedrales, debido al poder adquisitivo de la sociedad. 

La catedral gótica,  es el edificio representativo de la nueva sociedad urbana. 

Sus carácterísticas principales son que está formada por 3/5 naves, un crucero, presbiterio y coro. Por otra parte, las catedrales góticas buscan la elevación y la luminosidad y por ello están construidas con una cierta verticalidad, esto es debido al nuevo concepto de religiosidad cristiana que establece una relación filosófica entre el concepto de Dios y el simbolismo de la luz, de esta forma para la mentalidad de la época Dios = Luz .

Y para la luminosidad utilizaron las vidrieras como sustitución de los muros de las paredes.

GIOCONDA

Título: Gioconda, también conocida como la mona Lisa.

Autor: Leonardo Da Vinci

Cronología: Edad Moderna

Estilo artístico: Renacimiento

Comentarios adicionales: 

Su gran creación como pintor es el esfumato, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera.

En ella se citan todas las carácterísticas de la pintura de Leonardo: el empleo del sfumato, esa técnica que difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos; el hermoso paisaje del fondo, agreste, salvaje y de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un degradado invisible; la ambigüedad del rostro, la indefinición sexual que la hace parecer una mujer, un adolescente… Un mito de androginia que tiene referencias inacabables con teorías filosóficas y religiosas; y, por encima de todo, la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del hombre. El retrato es el de Madonna Lisa, la señora Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo, de donde toma su sobrenombre. Leonardo retuvo consigo el retrato hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. De sus manos pasó a la colección real de Francia y hoy puede verse en el Museo del Louvre, protegida por un panel blindado y envuelta en un remolino de turistas que la fotografían sin cesar.

EL David

Título: El David

Autor: Miguel Ángel 

Cronología: Edad Moderna 1501 y 1504

Estilo artístico: Renacimiento

Comentarios adicionales:

El David de Miguel Ángel representa a gran tamaño a este rey bíblico, al estilo clásico: completamente desnudo y como atleta, que porta en su mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra. Son claramente apreciables los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura, la diartrosis y el contrapposto de la figura.

Esta escultura se encuentra en la Galería de la Academia. Florencia (Italia). Hasta 1947 la escultura estuvo situada en la Plaza de la Señoría de la misma ciudad, donde ahora puede contemplarse una copia.

Miguel ángel fue un prototipo de escultor universal capaz de expresar en mármol cualquier idea, concepto o propósito, estudió los problemas del movimiento y de la composición y creó una  gran monumentalidad en sus figuras

LAS MENINAS

Título: Las Meninas

Autor: Velázquez 

Cronología: Edad Moderna 1656

Estilo artístico: Barroco

Comentarios adicionales:

Actualmente se encuentra en el museo del Prado (Madrid).

Este cuadro fue pintado mediante la técnica del óleo y se trata de un retrato.

Velázquez estaba caracterizado por: 

Realismo. 

La captación del espacio

Por crear un ambiente real gracias al dominio de la perspectiva aérea

la luz servía para iluminar y dar volumen a los objetos, y también era básica para lograr la sensación perspectiva. 

Todas estas carácterísticas están presentes en las Meninas.

Velázquez trató en sus obras todos los temas, desde los mitológicos y los religiosos, hasta paisajes, desnudos o retratos, en este caso se trata de un retrato.

En las meninas podemos observar la progresiva gradación de la luz en los personajes. Mientras más al fondo más oscuros y contornos más desdibujados.

El tema central es el retrato de la infanta Margarita de Austria, colocada en primer plano, rodeada por sus sirvientes, «las meninas». En el lado izquierdo se observa parte de un gran lienzo, y detrás de este el propio Velázquez se autorretrata trabajando en él. Un espejo colocado al fondo refleja las imágenes del rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria.

APOLO Y DAFNE

Título: Apolo y Dafne

Autor: Bernini

Cronología: Edad Moderna 1622 1625

Estilo artístico: Barroco

Comentarios adicionales:

En la actualidad se encuentra en la Galería Borghese, Roma.

Apolo y Dafne es una escultura que manifiesta el 
movimiento y la fugacidad de un instante. 
Las expresiones de los personajes: Dafne se da la vuelta, aterrorizada porque acaba de sentir la mano de Apolo atrapándola finalmente, pero todavía no es consciente de su transformación en laurel. Apolo por el contrario, muestra una expresión estupefacta porque si percibe el cambio de Dafne y su metamorfosis.
Bernini exprésó el mito en su última parte, plasmando el inherente movimiento a la metamorfosis, captando la fugacidad del instante. 
El dramatismo de la obra se acentúa mediante el tratamiento de la luz y el trabajo de las texturas; ya que las superficies más pulidas resbala la luz y en otras más trabajadas como el cabello y las hojas juega con las sombras.

EL GUERNICA

Título: El Guernica

Autor: Picasso

Cronología: Edad Contemporánea 1937

Estilo artístico: Cubismo

Comentarios adicionales:

El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 m de alto por 7,80 m de largo.1 A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española.2 No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico.3 Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.

La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara.4 Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.

EL GRITO DE MUNCH

Título: Grito de Munch

Autor: Eduard Munch

Cronología: Edad Contemporánea 1893

Estilo artístico: Expresionismo

Comentarios adicionales:

Refleja la amargura que invadíó a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del periodo de entreguerras(1918-1939).