1.El guión y otros
documentos de la producción audiovisual:

1.1Concepto
de guión:

Definición:

El
guión es una historia
contada en imágenes con diálogos y descripciones, escrita con
la intención de ser trasladada a un soporte audiovisual. Es la base de toda
producción y debe expresar siempre acción
y comportamiento.

Se escribe de forma fragmentada, utilizando “unidades narrativas”.

1.2. Escena y
secuencia:

La
“escena” y la “secuencia” son “unidades narrativas”.

La
“escena” es un fragmento de la narración que tiene
lugar en un mismo
escenario y su desarrollo cronológico es lineal y continuo, es
decir, sin elipsis[1] . Está formada por uno o más
planos.

La
“secuencia”, es un conjunto de escenas unidas por la misma
idea. Posee dentro del guión un sentido completo y puede desarrollarse en
distintos escenarios y distintos tiempos.
Cuando la secuencia se compone únicamente de un plano, a ese plano se le llama
“plano secuencia”. Se caracteriza porque en él, la cámara recorre el escenario
y sigue a los actores realizando diferentes tipos de planos y movimientos sin
que haya corte alguno en la grabación.

1.3. Esquemas narrativos:
el paradigma de Field

Syd Field
,estableció su paradigma basándose en la división en tres actos heredada de la
tradición aristotélica.

Primer
acto:

planteamiento que permitirá conocer lo esencial de la trama: QUIÉN es el
personaje principal, de QUÉ trata el relato y CUÁL es la situación (DÓNDE y
CUÁNDO). Su contenido es esencialmente informativo.

Segundo
acto:

confrontación
del personaje con sus obstáculos u oponentes para la consecución de su
objetivo.

Tercer
acto

: Resolución del conflicto y desenlace, sin
dejar cabos sueltos. Este acto se divide en “resolución” (o clímax) y
“epílogo”. Estas partes son tan diferentes, que Robert Mckee se refería a la
existencia de 4 actos. Es decir, 3 actos y un Epílogo.

Nudos de la trama (Plots)

:
Field los define como acontecimientos
que se enganchan a la historia y la hacen girar en otra dirección.
Son
elementos sorprendentes que generan nuevas expectativas en el relato y hacen
avanzar la acción, por ello los sitúa en su paradigma justo antes del cambio de
cada acto. Por tanto, el plot
desencadena la nueva perspectiva. Esto no quiere decir que solamente haya dos a
lo largo del guión, sino que estos dos para Field son indispensables.

La
estructura puede ser reproducida a nivel de unidades menores discursivas, como
es el caso de las secuencias.

Field
añade a su estructura concreciones tales como que una página de guión equivale
a un minuto de película terminada o que el planteamiento va hasta la página 30,
el conflicto hasta la 90 y la resolución hasta la 120; incluso marca la
posición para los nudos de la trama.

1.4. Estructura del guión:

En
general se dice que hay dos formas básicas de escribir el guión:

1.
guiones a una columna
(modelo americano): describen las acciones y transcriben los diálogos a lo
largo de las páginas.

2.
guiones
a dos
columnas (modelo europeo): dividen las páginas
en dos partes, dejando la de la derecha para las acciones y la de la izquierda
para el sonido (diálogos, sonido, música, efectos, etc).

A nivel formal, el guionista debe observar una serie de reglas a la hora de
afrontar la escritura de un guión:

·se escribirá siempre en presente de indicativo

·la industria del cine prefiere el formato de
una columna

·el formato ideal es el courier new tipo 12

·el guión está dividido en escenas (teniendo en cuenta
las localizaciones)

cada escena está señalada
por una cabecera[2]

·
la acción se
desarrolla después de un espacio, sin justificar, y a lo ancho de la página. los
diálogos ocupan
únicamente el tercio central de la hoja y serán precedidos por el nombre en
mayúscula del personaje que los pronuncie.

·las acotaciones a cada personaje se ponen
debajo del nombre, antes del diálogo y entre paréntesis.

·en un principio no hay indicaciones técnicas.
Sin embargo son muchos los guiones que anticipándose a la visión de director ya
dan directrices sobre los encuadres (….la CÁMARA los SIGUE y se aparta
gradualmente en PANORÁMICA,…) o las transiciones.

 
Cada página de guión corresponde aproximadamente a minuto de película y para
cada minuto necesitamos al menos dos
horas de rodaje.
Esos datos son fundamentales para el director
de producción, que deba organizar el plan de trabajo y dividir las sesiones.

Aunque
para escribir un guión podemos utilizar cualquier procesador de textos, existen
programas especializados
que justifican y tabulan según las fórmulas normalizadas (entre ellos:
MovieMagic Screewriter, ScriptThing, Sophocles… y sobre todo Final Draft).

1.4.2. Elementos de la historia:

Una
película cuenta una historia y con “historia”, nos referimos al contenido del
relato, de la acción que refleja. Los elementos básicos de una historia son:

El acontecimiento que narra

son las acciones y sucesos
de los que participan o afectan al protagonista. El narrador realiza una
selección de cuáles son los acontecimientos que le interesa presentar al
espectador. Selecciona una parte de la totalidad pero siempre hay un pasado y un futuro del
que debemos ser conscientes. .

Los personajes que
participan de él

En el relato, se dota a los personajes de
datos diferenciadores y distintivos. El personaje es la pieza fundamental del
guión. El guionista tiene que desarrollarlo a través de sus acciones y tiene
una parte interior (lo que no relata la historia) y otra exterior (la que
muestra desde el principio hasta el final de la historia). Las motivaciones del
personaje funcionan como detonante de sus acciones. A la hora de construir un
personaje se sigue el siguiente proceso:

1-Proporcionarle
una biografía exhaustiva: un antes, durante y después del relato

2-Trabajar
su “tridimensionalidad”: aspecto físico, psicológico, comportamiento social

3-Describirlo
mediante acciones: un personaje es lo que hace

4-Explorar
los personajes temáticos: aquellos que sirven para transmitir el tema de la
película

El tiempo en que se
desarrolla

Los acontecimientos se ordenan en una
secuencia que puede ser diferente de la cronológica (a cada aspecto de la
historia, cada momento, ser le asigna un tiempo). Con “tiempo” en audiovisual
puede hacer referencia al “tiempo real” (día, año, época, momento del día,
estación, etc) o bien al “tiempo cinematográfico”, que es flexible (la vida de
una persona puede ser contada en unos minutos). Por eso, son importantes
conceptos como el “montaje paralelo” (varias acciones suceden al mismo), el
“suspense” y la “sorpresa” , la continuidad (el respeto a la sucesión de
acontecimientos), elipsis (supresión de momentos), flash back (es un “salto
atrás” o el flash forward (un salto adelante), entre otros.

El espacio que lo acoge y
que queda retratado

Los lugares en los que suceden los
acontecimientos reciben unas características distintivas y se transforman en
lugares específicos.

El
espacio es el lugar en el que se desarrolla la acción y abarca no sólo el país,
ciudad o barrio, si no también el tipo de espacio que es (no todas las casas
son iguales).

Además
se establecen distintas relaciones entre los elementos de la historia y se
elige un punto de vista
desde el que presentar la narración.

1.5. Fases de la elaboración de un guión:

El
método habitual de preparación de un guión de ficción atraviesa distintas
etapas que nos llevarán de lo más abstracto a lo más concreto

: Idea, argumento, sinopsis,
tratamiento, guión literario, guión técnico, story board

1)

Idea:

es una breve descripción de lo que trata la
historia.
Un guión puede partir de una idea original o una idea
adaptada. En este último caso estará sujeta a la legislación de propiedad
intelectual y derechos de autor. Si está muy trabajada se puede llegar a la idea
argumental, donde describimos ya en términos de acción y personajes. 

2)

Argumento

Consiste
en desarrollar la idea hasta llegar a la narración
concisa de una historia completa.
Se suele narrar en presente,
y aparecen, además de los acontecimientos esenciales de la historia, los
personajes principales.
Los argumentos poseen un carácter de dominio público, es decir, mientras que dicho
argumento o su adaptación no hayan sido registrados en la Sociedad de Autores y
en el Registro de la Propiedad Intelectual, puede ser apropiados por otro
productor, o empresa.

3)

Sinopsis

Es el desarrollo esquemático y completo del
argumento. Es decir, no se trata nunca de la sinopsis
publicitaria (libros, programas de TV, ect) si no que esta sinopsis siempre
tiene que tener el final de la historia y todos los acontecimientos importantes
que le suceden a los personajes.    

4)

Tratamiento

Es el desarrollo y posterior ubicación de la
acción contenida en el argumento o la sinopsis.
La acción ya se
refiere a determinados lugares y a unos personajes que quedan definidos por su
comportamiento y sus relaciones.
El orden secuencial, la estructura narrativa de los diversos acontecimientos,
presenta ya un carácter elaborado. El tratamiento tiene casi la mitad de páginas de un guión,
está escrito en presente y emplea la tercera persona. Está dividido en escenas y
puede incluir partes del diálogo.

5)

Guión literario

Es el guión tal y como lo conocemos, como una sucesión de escenas y secuencias dialogadas y acotaciones
explicativas en las que los personajes quedan perfectamente
caracterizados por lo que hacen y dicen. Constituye el material que se pone en
manos del director y es la herramienta clave para preparar el rodaje o la
grabación.

6)

Guión técnico

Lo
escribe el realizador/director y supone añadir al guión literario la planificación exhaustiva del modo en
el que se rodarán o grabarán las escenas, tipos de planos,
angulación, movimiento etc. Se trata de la interpretación del director de esa
historia.

7)
Story Board: en ocasiones se
traslada el guión
técnico a papel de forma gráfica con el dibujo del encuadre que
queremos y la angulación precisa.

1.6.
El guión literario:

El
guión literario está constituido, en realidad, por el tratamiento y los
diálogos añadidos a él. Ejemplo:

Escena 25.
EXT.: EDIFICIO DE LA UBS-SEXTA AVENIDA—NOCHE

                RETUMBA UN TRUENO – LA LLUVIA
azota la calle. Los PEATONES se debaten contra la lluvia, que corta como un
cuchillo. Las calles tienen un brillo húmedo, el denso TRÁFICO que se dirige al
centro se amontona y hace sonar las BOCINAS, se ven filas irregulares de luces
en las calles oscuras y relucientes…

                PLANO MÁS CORTO de la entrada
al edificio de la UBS. HOWARD BEALE, con un abrigo encima del pijama y la
canosa pelambrera pegoteada en surcos sobre la frente, encorvado frente a la
lluvia, sube las escaleras, empuja la puerta de cristal de la entrada y pasa al
interior…

Escena 26. INT.: EDIFICIO UBS – VESTÍBULO

DOS GUARDIAS DE SEGURIDAD en recepción ven
pasar a HOWARD…

GUARDIA DE SEGURIDAD

¿Qué tal está, Mr. Beale?

HOWARD se detiene, da media vuelta y se queda
mirando con ojos extraviados al GUARDIA DE SEGURIDAD

HOWARD

(Totalmente ido)

Tengo que presentar mi testimonio

GUARDIA DE SEGURIDAD

(Un tipo simpático)

Desde luego, Mr. Beale

HOWARD se dirige con paso lento al ascensor

1.6.1. Normas de redacción de un guión literario:

·Narración siempre en presente

puesto que debemos “describir” una mirada sobre el
acontecimiento, sólo es posible la redacción en presente y hablando de aquello
que va a estar ineludiblemente inscrito en el encuadre. Se puede incluir imágenes acústicas e incluso visuales
con una procedencia diferente, siempre y cuando la redacción no se desvíe de la
“presencia en imagen”. Así pues, no es
posible introducir lo que siente un personaje si esto no se ve reflejado
bien por una voz en off o bien por sus actos (esta opción es siempre
preferible).

Indicación
de número de secuencia/escena:

siempre se comenzará cada
cambio de secuencia, con numeración en orden estricto, tal y como el film va a
quedar una vez montado.
La cronología
forma parte de la estructura temporal y no
afectará a la presentación del guión puesto que, en esta fase, la lectura
se corresponde con el orden de visión y no con el de rodaje.

Exterior
(EXT),

Interior
(INT),

Día o Noche y localización

:
Indicaciones que irán inmediatamente tras el número de secuencia. Juntos, estos
parámetros son una línea aparte (se puede incluso saltar página detrás de cada
secuencia) que suele presentarse en negrita, con algunas de sus indicaciones
esenciales (secuencia, localización y EXT/INT) en mayúsculas.

Todas
las entradas de personajes, atrezzo, sonido o cámara, en mayúsculas

:
se facilita la lectura por parte de todos y cada uno de los miembros del
personal implicado posteriormente. Al aparecer en mayúsculas el nombre de cada
personaje, el actor reconoce inmediatamente sus entradas (es frecuente que en
la primera aparición se añada la negrita); otro tanto ocurre con el sonido o la
cámara respecto a los técnicos que deben manejar los respectivos equipos, y
también por lo que se refiere a los efectos sonoros y visuales. Aunque en el
guión literario no se deben especificar posiciones ni desplazamientos de la
cámara, la fijación del “punto de vista” sí se ve reflejada: Pedro ve el correo
sobre la mesa, demanda un plano de detalle… Respecto al atrezzo, también es
importante que su primera aparición en cada escena sea rubricada por las
mayúsculas; de esta forma se hace más viable el trabajo de découpage que sigue a la
primera elaboración del guión.

La
descripción de lado a lado

: Requisito habitual
para formato de DIN A4, pero que no
debemos tomar como inexorable, es simplemente aconsejable.

Los
diálogos con indicación previa del personaje centrado y en mayúscula

.
El texto del diálogo se escribe con sangrado a cada lado y con límites
inferiores a la descripción. Es una fórmula heredada de la presentación
teatral. Lo ideal es tener unas plantillas con los sangrados adecuados para
cada uno de los elementos.

·Las indicaciones de escena entre paréntesis y con cursiva
:
también, como en el caso anterior. Son indicaciones marginales que ayudan a la
interpretación.

·
El
cambio de secuencia mecánica o de Bloque conlleva el cambio de página
(para dar mayor claridad y facilitar el desglose de guión que posteriormente se
realizará).

·Es recomendable indicar composiciones del encuadre muy relevantes,
los efectos de sonido significativos
para la acción descrita, las transiciones entre planos más importantes,
etc., siempre desde la perspectiva de una deducción a hacer del texto
narrativizado y nunca como planteamiento técnico.
Las transiciones de plano, al principio y al final de cada
secuencia mecánica y de cada bloque, deben ser indicadas en mayúscula (FUNDIDO
ENCADENADO, FUNDE A NEGRO, VIENE DE NEGRO, CORTINILLA VERTICAL IZQ-DER, etc.).
Toda peculiaridad debe ser señalada.

·Es conveniente visualizar
mentalmente la cadencia o ritmo de cada
secuencia, con el fin de ajustar las duraciones al máximo (se recomienda
incluso cronometrar voz en off, diálogos, etc., con la cadencia pertinente en
cada caso

·En la descripción de
espacios, personajes, atmósfera, etc, y de la banda de sonido, se suele escalonar esta última para dar cuenta
de la simultaneidad de ambos elementos.

En general, hay que tener
muy presente la economía del discurso
audiovisual:
No conviene extenderse más de lo necesario. El lector de
nuestro guión literario debe hacerse una idea lo más clara posible de la
producción que proponemos.

1.6.2. Modelos de presentación:

1.
A una columna, con la
descripción de la banda imagen que ocupa toda la hoja y la banda sonido que
ocupa el tercio central del folio.

2.
A dos columnas, lado
izquierdo para la banda imagen y lado derecho para la banda sonido

1.7.
El guión técnico:

A
partir del guión literario, el realizador desarrolla el técnico, que es el documento con el que trabajará todo el equipo durante el rodaje
y que servirá al equipo de producción para llevar a cabo el presupuesto del film y el plan de rodaje una vez controladas
las necesidades mediante el establecimiento de sucesivos desgloses (personajes, atrezzo, localizaciones,
vehículos, equipamiento, etc.). Cuanto más completo y exhaustivo sea el guión
técnico, más factible será el proyecto que presentamos.

1.7.1.Características
formales y literarias de un guión técnico:

·Existen tantos modelos de presentación como producciones.

·El guión técnico es responsabilidad del equipo de
realización.

·Generalmente, para que quepa
toda la información, se suele utilizar
el folio DIN-A4 en formato horizontal (apaisado).

·En la parte superior
izquierda deben figurar los siguientes datos:

Número de Bloque o Secuencia, Número de Secuencia o Escena, Nombre o
Título del Bloque o Secuencia, Exterior o Interior, Lugar y Momento del día.

·El cambio de Bloque o de Secuencia debe suponer el cambio de hoja.

·Entre las columnas a incluir
podemos destacar las siguientes:
núm. de
Bloque, núm. de Secuencia, Tipo de Plano (abreviado: PP, PM, PA, PG, etc.),
Descripción del Plano (señalar
cuando proceda punto de vista de la cámara –picado, contrapicado, etc.-,
movimientos de cámara, composiciones del plano especiales, efectos de iluminación
relevantes, etc.)
y Sonido, con
columnas especificando Pista 1 (CH1),
donde incluimos la Voz en off (se indica el comienzo y el pie del texto
redactado, no se transcribe el texto, situando la voz en off en relación con
los planos) y los Diálogos (o sonido directo –si es una entrevista o habla un
personaje) y Pista 2 (CH2), donde
incluiremos el Sonido Ambiente (indicando si debe haber).

El
guión técnico expone todas las especificaciones
de carácter técnico para el rodaje o grabación de las distintas
escenas. En él se ajusta la puesta en escena incorporando la planificación e
indicaciones técnicas precisas. Ejemplo del aspecto de un guión técnico:

1.8. Desgloses y plan de
rodaje:

Los
desgloses son los sucesivos documentos elaborados por el equipo de producción a
partir del guión técnico definitivo. Se reordenan los planos por secuencias o
bloques, y por tomas o planos, especificando las necesidades técnicas que se
deducen de la propuesta de guión técnico. Entre los datos que pueden figurar,
cabe destacar el atrezzo, los decorados, la iluminación, los figurantes,
actores, personajes entrevistados, vestuario y maquillaje, elementos especiales
(efectos visuales y de sonido), músicas, etc.

En
la medida en que el guión técnico esté detallado, será posible hacer un buen
desglose. Y a partir del desglose se diseña el plan de producción, analizando los recursos económicos que son
necesarios. En el caso de una producción audiovisual, el plan de producción
debe contemplar aspectos como :

1-material
necesario: cámaras, iluminación, necesidades de sonido, baterías, cableado,
conectores, trípodes, etc

2-Personal
técnico necesario: operadores y ayudantes

3-
Películas de negativo o cintas de vídeo de rodaje necesarias: formato,
duración, etc

4-
Otros aspectos: alquiler de equipos especiales, personal artístico,
escenografía, transporte, viajes, dietas, seguros e impuestos, gastos de
explotación y financiación, entre otros.

Lo
más importante es saber con certeza el coste que tiene el producto audiovisual
que se va a producir y qué plazos temporales están previstos, porque con esos
datos se elaborará el presupuesto.

El
Plan de rodaje se elabora concretando el plan de producción, cuantificando los
días de rodaje previstos, especificando las fechas de trabajo, las horas del
día, lugares y número de tomas a realizar. Si está bien elaborado, se podrá
diseñar un buen guión de cámara. Sin embargo, es conveniente diseñar planes
alternativos por si ocurren imprevistos (mal tiempo, bajas por enfermedad, etc)
que impidan rodar tal y como estaba planeado.

La
fase posterior al rodaje es el “montaje”. Hay que señalar el número de días y
horas de trabajo de montaje que serán necesarios.

Teniendo
todo en cuenta, queda claro que el trabajo de producción es muy sistemático y a
partir de los desgloses es posible establecer:

• Lista de personajes

• Lista de decorados

• Lista de localizaciones

• Lista de animales o
semovientes

• Lista de efectos visuales

• Lista de música

• Lista de vestuario y
maquillaje

• Lista de atrezzo

• Lista de iluminación

• Lista de sonido

Con
esta documentación trabaja tanto el equipo de producción como los diferentes
responsables implicados. Es el primer paso que permite establecer el plan de
rodaje definitivo, elaborar los presupuestos más detallados y poner en marcha
los mecanismos de control que, durante el rodaje, a su vez, irán generando
nuevos documentos.

1.9. Storyboard y
localizaciones:

1.9.1.
Un storyboard es el desarrollo del
proyecto audiovisual en forma de cómic. Se realiza a partir del guión técnico,
detallando la planificación (encuadres y elementos de la puesta en escena),
direcciones de la mirada y movimientos de cámara. Un buen story puede suponer un
considerable ahorro de tiempo y dinero, ya que aporta cohesión al equipo
técnico para entender las instrucciones del director. Normalmente se contrata
para su elaboración a un dibujante profesional especializado. También hay
software para diseñarlos por ordenador, pero su uso no está muy extendido.

Cabe
destacar el “plano master”  y el “plano
alzado”(dibujo de la planta donde se especfican las situaciones de cámara,
fuentes de iluminación, tomas de sonido, posiciones de los personajes, etc),
que se utilizan para ilustrar una ambientación, composición, montaje o punto de
vista especiales. En ocasiones, si la planificación de la secuencia lo exige,
puede ser preciso dibujar el plano alzado del decorado, especificando las
situaciones

1.9.2. Las localizaciones:

En
líneas generales, se prefiere el rodaje
en interiores (en el plató), debido a que el control sobre los medios es mucho mayor y no se dan dependencias de
factores foráneos (climatología). Este trabajo es competencia del ayudante de dirección, aunque suele
hacerse en connivencia con el director. Puesto que los lugares que se
encuentren y resulten apropiados pueden ser de carácter público o privado, será
necesario gestionar los correspondiente permisos para filmar, así como indicar
si hay necesidades de efectuar cambios o vaciar calles, etc., en cuyo caso las
autoridades dotarán a la producción de los servicios adecuados (policía de
tráfico, por ejemplo). Deben elaborarse unas
fichas de localización en las que se reflejen no sólo los datos de
idoneidad sino también de infraestructura (accesos, catering, hoteles,
comunicaciones, etc).

1.10. El guión de
visionado o listado de tomas:

El parte de cámara
es un documento inestimable para saber cómo se ha ido realizando el proceso a
lo largo del día; las anotaciones del
director de fotografía, del director
y de la script son la base para establecer la calidad de las diversas
tomas. En la producción de un film, al final del día de rodaje, se hace un
revelado y positivado y se genera un
copión que pasa a ser visionado por los responsables principales del equipo
(estos fragmentos de film son los rushes)
.
Con este ejercicio diario se toman decisiones sobre la validez o no de lo
filmado, si hay que repetir alguna toma o no, y se seleccionan las que parecen
más adecuadas para el montaje final. Pero este documento, una vez en la sala de
visionado, deja de tener la misma importancia y se convierte en un punto de
partida para otro, no diseñado ni oficializado, que debe reflejar las tomas que el realizador considera buenas para el
montaje final y todas aquellas anotaciones que puedan servir al montador.
Cualquier información resulta relevante.

1.11. El guión de montaje:

A
partir de esa serie de decisiones tomadas, se genera una hoja de control de
edición que lleva todos los elementos asociados al proceso de montaje. El
editor digitalizará con márgenes suficientes los planos que comienzan en los TC
indicados (si hubiera que suprimir parte, conviene indicarlo como nota). El
guión de montaje suele constar de:

TC:
Time Code / Código de tiempo

Punto de inicio del
plano a digitalizar y posteriormente montar.

Imágenes

:
descripción del contenido del plano.

Efectos:

entradas y/o salidas por fundido, transiciones de todo tipo o especiales

Títulos

:
si hay que incorporar rótulos sobreimpresos y el lugar.

·
OFF
/ Diálogos Referente a las voces en off de
carácter narrativo o los diálogos concretos (a fin de cuentas es como un guión
leído de otra forma, incluso más completo).

Música
no diegética

Sonido:

aquellos sonidos que son de procedencia no normativa (fuera de campo o efectos)
y, en caso contrario, el ambiental, si se quiere reforzar.

Observaciones

:
lo más amplias posible.

2.Tipos de planos en función de la figura humana:

La
decisión de emplear un tamaño de plano u otro se toma en función del efecto
dramático que se pretenda conseguir dentro del discurso narrativo.El plano de
visión abarca todo el paisaje, situando los elementos como referencia de
acciones.

	GPG Gran Plano General	Muestra un gran escenario o una multitud. La persona no está o bien queda diluida en el entorno, lejana, perdida, pequeña, masificada. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio
	PG Plano General	Muestra un escenario amplio en el cual se incorpora la persona, y ocupa entre una ⅓ y una ¼ parte del encuadre. Tiene un valor descriptivo.
	PC Plano de Conjunto	Abarca un pequeño grupo de personas o un ambiente determinado. Interesa la acción y la situación de los personajes. Tiene un valor descriptivo, narrativo o drámatico.
	PE Plano Entero	La figura humana aparece completa y ocupa la mayor parte de la imagen. El espacio apenas se distingue.
	PML Plano Medio Largo	Presenta la figura humana cortada de la pantorrilla para arriba. Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.
	PA Plano Americano (o ¾)	Los límites inferior y superior de la pantalla coinciden con la cabeza y las rodillas de la persona. Tiene un valor narrativo y dramático.
	PM Plano Medio	Presenta la figura humana cortada por la cintura, de medio cuerpo para arriba. Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.
	PMC Plano Medio Corto	Presenta la figura humana cortada del busto para arriba. Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.
	PP Primer p Plano	Recorta al personaje a la altura de los hombros. Tiene un valor expresivo, psicológico y dramático.
	PPP Primerísimo Primer Plano	Muestra una parte del rostro o del cuerpo. Potencia los valores del primer plano, aunque que también puede ser meramente descriptivo.
	PD Plano Detalle	Se ve una parte del personaje que no se corresponde con el rostro (una mano, un ojo, un bolsillo, un objeto, etc…). Si se filma una persona, no se distingue su identidad salvo por el contexto.

3.Angulación y altura de la cámara:

Es
el ángulo que forma el eje de cámara con la horizontal. Partiendo de la
referencia de los ojos del sujeto, la cámara puede estar a la altura de su
mirada, por encima o por debajo de ésta.

	Normal o medio	El nivel de la toma coincide con el centro geométrico del objetivo o bien con la mirada de la figura humana. La cámara está situada a la altura de los ojos de los personajes, independientemente de su postura.
	Picado	Cámara inclinada hacia el suelo. Sirve para describir un paisaje o un grupo de personajes, expresa la inferioridad o la humillación de un sujeto, o la impresión de pesadez, ruina, fatalidad…
	Cenital o «vista de pájaro» ↓	El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia abajo.
	Contrapicado	Cámara inclinada hacia arriba. Físicamente alarga los personajes, crea una visión deformada: expresa exaltación de superioridad, de triunfo…
	Nadir o «vista de gusano» ↑	El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia arriba.
	Ángulo holandés o aberrante	Nos indica la posición de la cámara respecto al plano horizontal. El sujeto o el objeto parecen desequilibrados. No confundir con un plano mal hecho.

4.Otros planos:

Plano master:

Toda la acción de la escena rodada en un plano más
o menos general.

Plano secuencia

: Toda la acción de la escena rodada en un solo plano,
sin cortes,  o, al menos, la mayor parte
de la escena

Plano subjetivo:

La cámara se convierte en el personaje.

Plano – Contraplano:

Cuando se rueda a dos personajes enfrentados y se
hace un plano de cada uno con la misma relación de inclinación, y altura de
cámara y un tamaño correspondiente de plano. Puede ser con o sin escorzo

Plano con escorzo

: cuando se rueda un plano de un personaje y tenemos
la espalda del otro personaje en primer término.

4.1.
Diferencia entre plano y toma

: la “toma” se refiera a todas las imágenes grabadas
desde que se enciende la cámara hasta que se detiene. Se inicia con la
claqueta. En cambio, el “plano” son todas las imágenes de la toma que
seleccionamos y que consideramos útiles. Por tanto, en el plano se descartan
las imágenes de la toma que no nos interesan.

5.Movimientos de cámara:

5.1. La panorámica:esla rotación de la cámara
sobre su propio eje

Panorámica horizontal:

es la rotación de la cámara de izquierda
a derecha y viceversa:  http://www.youtube.com/watch?v=hujWNT31VvA

Panorámica vertical:

e arriba
a abajo o de abajo a arriba. Se le llama también TILD. http://www.youtube.com/watch?v=HoWmljQOkYg&feature=related

Panorámica oblicua:

movimiento en diagonal de la cámara,
tanto en un sentido como en otro. El cabezal del trípode no ha de estar
nivelado.http://www.youtube.com/watch?v=E4j8b3WJrOU&feature=related

Panorámica circular:

la cámara gira 360º sobre su eje.

	Panorámica horizontal	Movimiento de la derecha a la izquierda o al revés.
	Plano por encima del hombro	Movimiento ascendente o descendente.
	Panorámica circular	Movimiento en un ángulo de 360 grados.

La panorámica puede describir un lugar
estático o seguir a un personaje en su trayectoria. Su función principal es
relacionar a elementos dentro del cuadro y siempre ha de partir de un encuadre
fijo y terminar en otro encuadre fijo, para conseguir así 3 planos y facilitar
la tarea del montaje: encuadre inicial, encuadre final y panorámica.

5.2.Barrido:

Es una panorámica tan rápida que no
tenemos tiempo a ver con nitidez las imágenes que se recogen. Son unas líneas
de fuga que aparecen ante la cámara. Se usa sobre todo como transición: mareo,
recuerdo, intercambio de miradas, para mostrar acciones paralelas. Los Barridos
pueden ser horizontales, verticales, oblicuos o circulares. 

5.3.Travelling:

Consiste en el desplazamiento de la
cámara, horizontal o vertical (o combinación de ambos), respecto al eje del
trípode. Se usa sobre todo para situaciones en que se necesita un acercamiento
o alejamiento al motivo. Tipos de travelling:

De acompañamiento:

para
realizar un acompañamiento de un personaje. No variará el encuadre.

De aproximación:

para
acércanos a un personaje sin desenfocar el fondo.

De alejamiento:

para
alejarnos de un personaje sin desenfocar el fondo.

Circular:

describe
360º alrededor del motivo.

Horizontal:

la
cámara describe un movimiento horizontal respecto al objeto.

Vertical:

la cámara
describe un movimiento vertical respecto al objeto.

Oblicuo:

la cámara describe un movimiento oblicuo
respecto al objeto.

5.4.Movimientos ópticos:

Se trata del zoom, también llamado
travelling óptico, que siempre ha de utilizarse como una herramienta para el
encuadre previo a la grabación. Debería permitirnos encuadrar y reencuadrar.

A)Zoom in:

de acercamiento. Cierra el ángulo de lente, reduce el
ángulo de visión y aumenta el tamaño de la imagen (del motivo). Disminuye la
profundidad de campo, desenfoca el fondo y acerca el fondo al primer término
(al sujeto, al motivo).

B)Zoom out:

de alejamiento. Abre el ángulo de lente, amplia el ángulo de visión y
disminuye el tamaño de la imagen (del motivo). Amplia la profundidad de campo,
no desenfoca el fondo y aleja el fondo del primer término (al sujeto, al
motivo… no mezcla la persona con el fondo.

6.La continuidad:

Recoge todos los aspectos formales que son necesarios
para la coherencia entre planos, sobre todo entre un plano y el siguiente.
Cuando hay una falta de continuidad entre planos, se dice que hay un fallo de Raccord.
Hay que tener
continuidad en cuenta entre planos, entre secuencias y entre todo el conjunto.

El encargado de asegurar la Continuidad
será el Script, quien anotará todos
los elementos que hay en una toma, para asegurarse que en la siguiente todos
aparezcan igual puesto que los problemas de continuidad afectan a todo el
proceso.

Ejemplo: http://www.youtube.com/watch?v=JLbgJ8deKyc

Fallos de raccord de películas famosas:

http://www.youtube.com/watch?v=_A0h3nlOsZ4&feature=related

6.1.Tipos de
continuidad:

En el espacio:

 líneas virtuales, dirección de los personajes y de sus gestos y
miradas.

En el vestuario y en el escenario

: puesto  que las películas no se registran siguiendo el
guión secuencial, hay que asegurarse de que el vestuario de los personajes y su
entorno no cambie sin razón.

En la iluminación

: que no haya cambios repentinos de tonalidad dentro de un mismo espacio y
secuencia.

De interpretación

: también es muy importante que los actores y actrices cuiden la
continuidad, no sólo espacial (la dirección a la que se dirigen, etc.) sino de
su interpretación. Deben cuidar factores como el tono de voz y la expresividad
para que resulte natural en cada cambio de plano.

7.El eje de acción – el salto del eje:

El Eje de Acción es una recta imaginaria
que se traza en la dirección de la acción, (el eje de acción puede estar
marcado por el movimiento de los
personajes o por sus miradas)
.
Este eje de acción va a delimitar las zonas en la que se puede colocar la
cámara y en la que queda prohibida su colocación para que no afecte a la
continuidad de la escena y el espectador no se pierda.

A un
lado del eje de acción se puede imaginar un semicírculo, dentro del que se
puede colocar la cámara sin que de ningún tipo de problema. Cualquier toma
desde ese lado del recorrido producirá una misma dirección del movimiento del
sujeto en la pantalla. En cambio, si se coloca la cámara al otro lado del eje
de acción, automáticamente el sujeto pasará a moverse en la dirección contraria
y se producirá un “salto de eje”.

Sin
embargo, hay 3 formas de “saltar del eje” sin que se produzca esa impresión de
“cambio de dirección”:

·
Realizando un movimiento de cámara, haciendo un travelling que sigue al personaje hasta
saltar el eje visiblemente, pudiendo filmar a partir de entonces desde el otro
lado.

·Con una toma sobre el mismo eje, de forma
que el personaje vaya de frente o de espaldas a la cámara sin estorbar la
impresión de su viaje rectilíneo.  Otra cosa que podríamos hacer es
posicionar la cámara en una posición neutra (sin colocarla en un semicírculo u
el otro). Ahora tengo al personaje de frente y puedo decidir si volvemos al
mismo semicírculo o cambiar. Así justificamos el salto de ejes.

Intercalar un plano neutral (toma subjetiva)

El
tema del «salto de eje» es uno de los que más controversias
despiertan entre los profesionales. Mientras muchos defienden «a capa y
espada» la necesidad de evitarlo siempre, con objeto de no despistar al
espectador, otros, entre ellos algunos grandes maestros, se lo saltan sin
ningún reparo.

http://www.youtube.com/watch?v=RLO4r4ldoO8&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=nY_6CgQd1-k