Obras Maestras del Barroco y Neoclasicismo

1. Fachada de San Pedro del Vaticano, de Carlo Maderno

Nombre: Fachada de San Pedro del Vaticano

Autor: Carlo Maderno

Localización: Ciudad del Vaticano

Cronología: 1607-1612

Género: Arquitectura Barroca Italiana

Estilo: Barroco

Características

• Fachada monumental a modo de telón que tapa los brazos de la planta.
• La parte central aparece un poco adelantada, dando sensación de movimiento.
• Se sitúan esculturas sobre una balaustrada.
• En un principio se concibieron dos campanarios, uno a cada lado de la fachada, pero no fueron realizados.
• En la fachada, Maderno utilizó columnas y pilastras corintias de tamaño gigante.
• Hubo dos campanarios, uno a cada lado de la fachada, pero no fueron realizados.

2. Columnata de San Pedro del Vaticano, de Gian Lorenzo Bernini

Nombre: Columnata de San Pedro del Vaticano

Autor: Gian Lorenzo Bernini

Localización: Roma

Cronología: 1656-1667

Género: Religioso

Estilo: Barroco Italiano

Características

• Partiendo de la fachada de la Basílica de San Pedro, Bernini planteó un primer espacio trapezoidal, la conocida como piazza retta.
• La zona elíptica se rodeó por un pórtico de columnas y pilares de orden toscano rematado por una balaustrada en la que se colocaron estatuas de santos y mártires.
• Esta zona se concibió como lugar de reunión de los fieles.
• Con la forma oval se conseguía que los brazos porticados envolvieron simbólicamente a los fieles, tal como se va a hacer la Iglesia Católica.
• Bernini tuvo que resolver distintos problemas como los desniveles que tenía el terreno.
• La columnata quería provocar sorpresa en el espectador.

3. San Carlo de las Cuatro Fuentes, de Borromini

Autor: Borromini

Localización: Roma

Cronología: Siglo XVII

Género: Religioso

Estilo: Arquitectura Barroca Italiana

Características

• Planta romboidal, finalmente transformada en un óvalo, acorde con la atracción que el arquitecto tenía por las formas geométricas de raíz medieval.
• En su interior, las gigantescas columnas se disponen en intervalos de cuatro en cuatro y entre ellas se sitúan vanos, nichos y molduras, buscando un efecto escultórico.
• Sobre el entablamento se elevan pechinas y arcos de medio punto que son los encargados de sostener la cúpula ovalada.
• La fachada no puede desligarse del interior del templo. Borromini combinó el orden gigante con el menor de la misma manera que lo hicieron antes Miguel Ángel.
• Las columnas unifican los distintos pisos que la conforman.
• La fachada se compone de tres vanos, los laterales cóncavos y el central convexo.
• El resto de la fachada conjuga ventanas ovales, enmarcadas gracias a columnas menudas, con nichos escultóricos.
• En esta Iglesia consagrada a San Carlos Borromeo, se introduce la planta flexible.

4. Palacio de Versalles, de Louis Le Vau y Hardouin-Mansart

Autor: Louis Le Vau y Hardouin-Mansart

Cronología: Segunda mitad del s. XVII

Localización: París

Género: Civil

Estilo: Arquitectura Barroca Clásica Francesa

Características

• El Palacio de Versalles se concibió como una gran ciudad cortesana, podía albergar a 20.000 personas.
• Cumplía una misión propagandística: dimensiones inmensas y la suntuosidad del interior mostraban el poder de los reyes.
• Se encuentra en las afueras de París y fue construido en la segunda mitad del siglo XVII por los arquitectos Louis Le Vau y Jules Hardouin-Mansart.
• El palacio en su conjunto sobrepasaba los 500 metros de longitud y tiene dos fachadas.
• Las distintas dependencias se estructuran de acuerdo con el recorrido diario del rey.
• Había dos estancias donde destacan: La capilla real y La galería de los Espejos.

5. David de Bernini (Escultura Barroca)

Autor: Bernini

Cronología: Siglo XVII

Género: Religioso y mitológico

Estilo: Arquitectura Renacentista Italiana

Características

• Es un pastor rudo, persona tosca.
• Futuro rey de Israel.
• Escultura de bulto redondo, la persona no es joven.
• Línea serpentinata.
• El cuerpo se arquea y se gira retrayéndose violentamente mientras sus brazos tensan la cuerda de la honda para lanzar la piedra.
• Símbolo el arpa, presenta a la familia Borghese.
• Dramatismo, la furia.
• Concepción diagonal.
• David muestra en su cuerpo semidesnudo la tensión y concentración del momento, manifiesta en los músculos y en un rostro ceñudo, cuyos labios inferiores muerde fruto del esfuerzo del momento transcendental.

6. Apolo y Dafne, de Bernini

Nombre: Apolo y Dafne

Autor: Bernini

Localización: Galería Borghese, Roma

Cronología: 1622-1625

Género: Mitológico

Estilo: Escultura Barroca Italiana

Características

• Es una escultura de bulto redondo realizada en mármol de tamaño natural.
• Línea serpentinata (hay movimiento en las 3 partes del cuerpo) – busca el movimiento.
• Es elegante, hay contraposto e inestabilidad.
• Las imágenes y la perspectiva varían mucho según desde donde lo mire el espectador.
• No hay un desnudo completo, le interesa las distintas texturas de la ropa, de la roca y de la piel.
• La obra llama la atención por su dramatismo y sus caras expresivas.
• Dafne tiene una expresión de terror y Apolo aparece con una expresión perpleja.
• Los personajes aparecen idealizados dentro de los cánones de la belleza clásica.
• Bernini recoge el momento en que la ninfa se está transformando, conserva las partes humanas.

7. Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini

Nombre: Éxtasis de Santa Teresa

Autor: Bernini

Localización: Iglesia carmelita de Santa Maria della Vittoria en Roma

Cronología: 1645-1652

Género: Religioso

Estilo: Arquitectura, pintura y escultura barroca italiana

Características

• Representa a Santa Teresa profundamente turbada ante uno de sus episodios místicos.
• La obra forma parte de una gran escenografía. La familia Cornado, representada en dos palcos, uno a cada lado, asiste asombrada al milagro, como si estuviera en un teatro.
• El magnífico grupo escultórico por sí solo no causaría el impacto que ocasiona al participar de la extraordinaria escenografía de la capilla.
• La santa refleja en su rostro el trance, mientras que su cuerpo cae desfallecido y los ropajes se repliegan.
• Se trata de una de las obras maestras del Alto Barroco, por su concepción escenográfica y la emoción que transmite.

8. Cátedra de San Pedro, de Bernini

Nombre: Baldaquino de San Pedro

Autor: Bernini

Localización: Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma

Cronología: 1624-1633

Género: Religioso

Estilo: Arquitectura, pintura y escultura barroca Italiana

Características

• Se trata de un enorme dosel, concebido como si se tratase de un palio, que cubre el altar.
• Sostenido por 4 columnas de 14m de altura y muy decoradas.
• Las columnas presentan abejas, símbolo que hace referencia al escudo de armas de la familia del Papa.
• Las columnas tienen capiteles compuestos y un entablamento cóncavo y denticulado, disimulando cabalgaduras.
• Se realizó con placas de bronce sobredorado.
• Este encargo fue realizado por el Papa Urbano VIII y se sitúa en el crucero de la Basílica de San Pedro del Vaticano.
• Se trata de una obra escultórica.
• Las líneas curvas, los contrastes de luz y color y la abundante decoración son barrocos.

9. Vocación de Mateo, de Caravaggio

Nombre: Vocación de Mateo

Autor: Caravaggio

Localización: Iglesia San Luis de los Franceses, Roma

Cronología: 1599-1600

Género: Retrato

Estilo: Barroco Italiano

Características

• Caravaggio utilizó en este cuadro un recurso muy habitual en su pintura: representar una escena religiosa desde un punto de vista cotidiano.
• Los rasgos divinos están presentes en la escena, ya que la luz ilumina sobre todo al santo.
• Los personajes se encuentran alrededor de una mesa y están vestidos a la moda del siglo XVII.

10. Las Tres Gracias, de Rubens

Nombre: Las tres gracias

Autor: Pedro Pablo Rubens

Localización: Museo del Prado, Madrid

Cronología: 1638-1640

Género: Retrato colectivo, alegoría de la belleza

Estilo: Barroco

Características

• Hijas de Zeus.
• La composición es simétrica donde la gracia del medio actúa como eje central, creando una composición triangular llena de múltiples curvas, lo que crea un mayor dinamismo en la escena.
• Las figuras son realistas ya que intentan imitar la realidad y los cánones de belleza del período, es un canon opulento voluminoso muy alejado de la armonía clásica. Se encuentran en una postura bastante estable para el período en el que fue pintada, pero está presente la expresividad y la relación que existe entre los personajes.
• El soporte de esta pintura es el lienzo y su técnica es el óleo donde se emplea el aceite como aglutinante. La pincelada suelta es muy visible.
• Tema mitológico.
• Las gracias son las representantes de la belleza femenina; por ello aparecen un tanto idealizadas, aunque siguen los modelos estéticos femeninos de esta época.
• La luz incide directamente sobre el grupo de mujeres y ayuda a resaltar el blanco de la piel dando un aspecto un tanto escultórico a las figuras.

11. El Jardín del Amor, de Rubens

Nombre: El jardín del Amor

Autor: Pedro Pablo Rubens

Localización: Museo del Prado, Madrid

Cronología: 1630-1635 s. XVII

Género: Retrato colectivo, alegoría del amor

Estilo: Barroco Europeo

Características

• La obra representa una escena con numerosos personajes, entre los que se encuentran hombres y mujeres ricamente vestidos junto a amorcillos de forma ampulosa.
• Rubens expresa el optimismo vital de quien puede abandonarse al placer del amor y de la belleza.
• La obra representa un conjunto de personajes galantes reunidos en el exterior de un palacio celebrando una pequeña fiesta.
• En el centro de la composición vemos representada a la nueva mujer del artista; esta aparece acompañada por un entusiasta grupo de amigos que charlan y se divierten en las más variadas posturas.
• Sus ropajes son galantes indicándonos cómoda posición social.
• La ambientación exterior parece ser la propia casa de campo que el propio Rubens poseía a las afueras de Amberes.
• Los colores son cálidos y agradables, centrados en una gama de colores terrosos; se ha tenido especial cuidado en la representación de la calidad de las telas.
• Una luz dorada inunda toda la composición otorgando así un aspecto fabuloso.
• La intervención de Rubens en este cuadro se centró casi exclusivamente en las figuras y en las zonas principales, la ejecución del paisaje y algunos otros detalles, los llevaron a cabo distintos colaboradores en su taller.
• En el jardín podemos apreciar elementos arquitectónicos y escultóricos inspirados en la antigüedad clásica.
• Predomina sobre todo el color, el movimiento y la sensualidad, como las figuras femeninas generosas en carne.

12. La lección de anatomía del Doctor Tulp, de Rembrandt

Nombre: La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp

Autor: Rembrandt

Localización:

Cronología: 1632

Género: Retrato colectivo, forma piramidal

Estilo: Pintura Barroca Holandesa

Características

• La pintura recoge con fidelidad un hecho real. El doctor Tulp, profesor de anatomía del gremio de cirujanos.
• Su técnica se distingue por la utilización del claroscuro para conferir a la atmósfera un significado espiritual además de visual.
• Los colores del cuadro son oscuros y apagados.
• Tenebrismo.
• La luz es dorada y artificiosa y procede de arriba de lo alto contribuyendo a realzar rostros y golillas, pero el foco principal cae sobre el cadáver, las pinzas y los tendones rojos, de este modo existe un contraste entre la frialdad que desprende el cuerpo desnudo del cadáver y la calidez de los rostros.
• Existe una atmósfera dominada por el claroscuro que proporciona volumen a los personajes que los rodea o envuelve.

13. La ronda de noche, de Rembrandt

Nombre: La ronda de noche

Autor: Rembrandt

Localización: Rijksmuseum, Ámsterdam

Cronología: 1642

Género: Retrato colectivo

Estilo: Pintura Barroca Holandesa, protestante

Características

• En el cuadro dominan los juegos de luces y sombras influenciados por la técnica tenebrista de Caravaggio.
• Algunos personajes reciben focos de luz directa mientras que otros quedan en penumbra.
• Objetos metálicos destellan entre los ropajes oscuros. Las figuras que aparecen al fondo quedan difuminadas para dar sensación de profundidad.
• Este retrato colectivo, a diferencia de otros, no sigue un orden jerárquico en la colocación de los personajes.
• Se trata de un retrato colectivo en el que aparecen los miembros de la milicia del capitán Frans Bannnck Cocq.
• Esos hombres eran los encargados de proteger y de velar por la seguridad de los holandeses.
• El cuadro representa una escena diurna. El paso del tiempo oscureció los pigmentos hizo pensar que se trataba de una escena nocturna.
• El retrato colectivo era muy habitual y apreciado en aquella época. Rembrandt sobresale entre otros pintores a la hora de tratar a los personajes.

14. Las Meninas, de Velázquez

Autor: Diego Velázquez

Localización: Museo del Prado, Madrid

Cronología: 1656

Género: Retrato histórico propagandístico colectivo

Estilo: Barroco

Características

• El cuadro representa al pintor Velázquez realizando un retrato de los Reyes, mientras desarrolla una escena cortesana.
• En el centro del retrato podemos ver a la infanta Margarita acompañada de dos de sus Meninas o doncellas y de otros personajes.
• Velázquez consiguió reflejar, casi de forma fotográfica, una escena de movimiento paralizado, tal y como se refleja en las miradas de los retratados.
• En el cuadro destaca la gran profundidad de los personajes que se consigue gracias al uso de distintas líneas.
• La luz incide directamente sobre ellos y se muestra en la puerta del fondo, mientras que el resto de la estancia queda más oscura. De esta manera, Velázquez juega con el claroscuro.
• La obra es un retrato colectivo de la familia Real, pero resuelto de manera muy original.
• Constituye un magnífico compendio de pintura en cuanto a luz.

15. Las Hilanderas, de Velázquez

Autor: Velázquez

Localización: Museo del Prado, Madrid

Cronología: 1657

Género: Mitológico

Estilo: Barroco Español

Características

• El cuadro recoge un tema mitológico: la fábula de Aracne y Atenea.
• La joven Aracne retó a la diosa Atenea a tejer el tapiz más hermoso.
• La composición del tema se dispone en dos escenas: en primer plano aparece Aracne de espaldas trabajando.
• El recurso de introducir un cuadro dentro de otro es propio del barroco, pero Velázquez pone en primer plano la escena cotidiana y deja el fondo de la escena mitológica, que entonces se consideraba de mayor importancia.
• Velázquez emplea pinceladas sueltas con las que consigue crear una atmósfera velada que difumina los contornos de las figuras: perspectiva aérea.

16. Palacio Real de Madrid

Autor: Juvara

Localización: Madrid

Cronología: 1736-1764

Género: Arquitectura propagandística civil

Estilo: Barroco

Características

• El Palacio Real o de Oriente es el más grande de los construidos en Europa occidental en el siglo XVIII.
• Juvara diseñó un palacio muy alargado que recogía, entre otras, influencias del Palacio de Versalles y del Palacio Madama en Turín que él mismo había ejecutado.
• Al morir Juvara antes de que se comenzara su construcción, Sacchetti elaboró un proyecto diferente. Redujo su alargamiento y lo elevó en altura, acercándose a la planta de los tradicionales Alcázares españoles.
• Grandiosas fachadas se resuelven en tres alturas a través del orden gigante y se matizan con balaustradas.

17. La muerte de Marat, de David

Autor: Jacques-Louis David

Localización: Museo Real de Bruselas

Género:

Estilo: Neoclasicismo Francés

Características

• Obra realizada por el pintor neoclásico David, se representa la muerte del autor revolucionario Marat mientras tomaba un baño en su habitación.
• La escena es simple, la figura inerte y pálida del escritor, con la cabeza y los brazos inclinados, cae suavemente sobre el borde de la bañera en un marcado claroscuro muy al estilo de Caravaggio.
• En sus manos todavía lleva la pluma y las últimas notas escritas antes de morir, no podemos ver a su asesina Charlotte Corday pero la imaginamos escondida entre las sombras como testigo silenciosa.
• Las formas están estilizadas marcadas por los bloques horizontales formados por la bañera y una pieza de madera que sirve de escritorio.
• En ella el autor coloca el nombre del personaje y su firma: A MARAT, DAVID. L´AN DEUX, convirtiéndola en un tributo a su amigo y compañero, es su lápida funeraria.
• El colorido del cuadro viene marcado por los tonos fríos, planos y austeros: grises, marrones y verdes, con los que el artista llena la escena a pesar de la sencillez que quiere demostrarnos.
• El fuerte claroscuro procede del trabajo de luces desde una fuente lateral que incide sobre su piel, dando la gravedad y solemnidad que pretende para el ilustre difunto.
• La intención de David es evidente, la representación de Marat está idealizada y nada tiene que ver con la realidad.
• El escritor sufría un grave problema de piel que no aparece en su bello cuerpo desnudo y nos lo presenta como un joven que parece dormido sin rastro de una muerte violenta ni agonía.
• La herida en su pecho queda oculta por las sombras y sólo hay referencia a su asesinato en el pequeño puñal ensangrentado que podemos ver en el suelo.