Introducción

El origen de la pedagogía musical tiene un claro carácter conductista, con gran influencia de esta antigua enseñanza en los sistemas modernos. Los enfoques pedagógicos del siglo XIX fueron profundamente cuestionados a partir de las primeras décadas del siglo XX. En Europa se difundieron los métodos Montessori, Froebel, etc., mientras que en Estados Unidos se consolidaba la pedagogía activa de Dewey. Además, surgió un nuevo movimiento pedagógico denominado Escuela Nueva, que rompió con el tradicionalismo e instauró la creatividad y la actividad. Con él se buscaba la elección de lo más adecuado para los objetivos educativos. A mediados del siglo XX, este tipo de pedagogía cayó en el olvido al sufrir una fragmentación que desembocó en dos tendencias:

• Modelo didáctico o curricular, donde predomina la música teórica.
• Modelo artístico o musical, donde predomina la música práctica.

Las causas de este olvido fueron la aparición de nuevos paradigmas y modelos pedagógicos que eliminaron aspectos metodológicos como el folclore. Asimismo, los recursos y materiales abundan; sin embargo, las oportunidades de formación de los profesores y la actualización pedagógica escasean cada vez más.

Principios Básicos

Durante el Congreso de la Unesco en 1958, varios autores llegaron a conclusiones sobre la pedagogía musical: utilizar el canto para el desarrollo de la comunicación lingüística y la actividad rítmica, favorecer la memoria musical y el desarrollo fisiológico y motriz, crear lazos afectivos y de cooperación mediante la práctica musical, conducir al alumno a través de la música a la autoexpresión, deleite y espontaneidad, propiciar la adaptación social y dar sentido de responsabilidad dentro de un grupo.

Elementos Comunes

Los elementos comunes de la moderna pedagogía musical son: creatividad; aumento de la capacidad de autovaloración del alumno (el alumno crea su propia música mientras el profesor hace de guía), actividad; basada en la percepción y expresión, participación; complementa la actitud activa del alumno y le da sentido al grupo, imaginación y flexibilidad para que aprecien la belleza de la música, acercamiento a la realidad; presencia en la vida cotidiana, interdisciplinariedad; desarrollo de la capacidad comunicativa, motora y de la capacidad de abstracción y, por último, lúdica y libre; importancia del juego creativo y participativo en el aprendizaje.

Método Dalcroze

Émile Jaques-Dalcroze fue un pedagogo, compositor, músico y educador musical suizo. Fue el autor que más énfasis dio a la relación entre la música y el movimiento. También hubo otros autores que dieron importancia a estos conceptos, como Orff y Kodaly. Dalcroze, además de dar importancia al movimiento, también le da una importancia generalizada a la psicomotricidad, sobre todo en edades tempranas, fomentando así el movimiento del cuerpo como medio de expresión, comunicación y educación.

Su método se centra en la experiencia y propone realizar antes de comprender, experimentar la música con el movimiento del cuerpo antes del aprendizaje de la teoría. Juan Llongueras introdujo y continuó su método en España. Este método se basa en la euritmia, que consiste en expresar un fenómeno musical a través de la experiencia física del movimiento.

Los puntos a destacar de su método son:

• El cuerpo como intermediario entre el sonido y la mente.
• El nivel musical del niño no es innato, sino que se trabaja o bien se puede estimular.
• El juego permite la relación entre el movimiento corporal y la música.
• La educación musical a través del ritmo se puede desarrollar en el cuerpo, el espacio, en el tiempo y la coordinación motriz.

Algunos de los objetivos de su método son el desarrollo del autocontrol, la improvisación y la coordinación.

Algunas características de su desarrollo práctico son:

• El movimiento rítmico.
• El solfeo (se utiliza el sistema del do fijo para desarrollar el oído absoluto).
• La improvisación como base para la rítmica (improvisación con el cuerpo, pero también con la voz).

Algunos aspectos importantes de su metodología son la memorización médica, la disociación de movimientos, la interrupción y el comienzo del movimiento asociado al silencio y al sonido. Este método se puede plasmar con varias actividades: canciones motrices o cuentos motores, realización de movimientos naturales como correr y caminar a diferentes ritmos y velocidades, etc.

Primer Periodo: Los Precursores (Antes de 1940)

Características Comunes

A partir de los comienzos del siglo XX, se produjeron grandes cambios en el ámbito de la educación musical y, durante varias décadas, se desarrollaron diferentes métodos para avanzar en la formación del alumnado en relación con la organización del conocimiento y el enriquecimiento perceptivo, expresivo y comunicativo de la música. Destacan Curwen, Chevais y Montessori.

Segundo Periodo: Métodos Activos (1940-1950)

Características Comunes

Este periodo estuvo muy influido por la Escuela Nueva. Estos métodos activos propugnan la importancia de los intereses y características psicológicas del educando, basándose fundamentalmente en la consideración de los siguientes valores:

• Potenciar la audición activa desde el principio.
• Facilitar el contacto diario con la música y los sonidos.
• Dar prioridad a las actividades creadas por los niños.
• Partir de elementos musicales más simples sin imponer técnicas rígidas incomprensibles para los alumnos.
• Favorecer la vivencia de la obra musical a través del ritmo y el movimiento.

Dichos conceptos renovadores se difundieron por Europa y Norteamérica rápidamente, aunque fue algún tiempo más tarde cuando se incorporaron a la educación musical. Durante este periodo, en Estados Unidos, las ideas de John Dewey proclaman la necesidad de una educación para todos. Destacan Dalcroze, Willems y Martenot.

Tercer Periodo: Métodos Instrumentales (1950-1960)

Características Comunes

Incluimos en la categoría de «métodos instrumentales» los métodos del alemán Carl Orff, centrado en los conjuntos instrumentales; del húngaro Kodaly, que privilegia la voz y el trabajo coral; y del japonés Suzuki, que inicialmente se focaliza en la enseñanza del violín. A partir de los años 50 se conocen en Buenos Aires, desde donde se irradian hacia el resto del país los nuevos métodos de educación musical. Durante este período se registra una intensa actividad en el campo educativo musical: los profesores muestran entusiasmo y adhesión frente a las propuestas metodológicas de los grandes pedagogos.

Método Willems

Edgar Willems fue un pedagogo volcado en el estudio de la psicología como base de su educación musical. En cuanto a la música, fue autodidacta. Además, formó educadores musicales y dio cursos de iniciación musical a niños entre 5 y 7 años.

Su método lo difundió su discípulo Jacques Chapuis, el cual tenía como objetivos desarrollar la sensibilidad auditiva, el canto, la creatividad y la armonía, mediante un método para todas las edades que fomentaba la educación musical en familia. Este método relacionaba el ritmo, la melodía y la armonía, al tiempo que desarrollaba la audición interior y trabajaba la voz, dándole importancia como recurso de la canción. Asimismo, era consciente de las diferentes aptitudes de los niños y de su consecuente adaptación curricular. También le daba importancia a la elección de un buen material variado y bien presentado, que incluye muchas canciones, trabajos con la escala y juegos y ejercicios para la discriminación auditiva.

Al igual que Dalcroze, le da importancia a la improvisación, pero en este caso se enfoca en la vocal-melódica. Sus premisas son:

• Relacionar los elementos fundamentales de la música y los de la naturaleza humana.
• Muchas niñas y niños saben cantar antes de hablar, puesto que el canto les resulta más accesible que la palabra.

El método de este autor se sostiene en las siguientes bases pedagógicas:

• Ordenamientos naturales y jerárquicos.
• La música debe estar unida a las primeras etapas educativas (del instinto a la conciencia y de esta al automatismo).
• La educación musical es accesible a todos los niños a partir de los 4 años.
• Empleo de la participación activa de los alumnos.
• Excluye todos los métodos extramusicales tanto de base como de punto de partida.
• Solo utiliza elementos tomados de la música, aprovecha movimientos corporales naturales y le da importancia, al igual que Dalcroze, a la música y el movimiento.
• Las clases de iniciación son clases de canto, puesto que le da mucha importancia a lo vocal.
• Las lecciones de solfeo serán siempre musicales, no habrá ninguna de trabajar solo el ritmo, sino el ritmo con el trabajo de la melodía. Para ello es recomendable emplear el dictado, pasando de vivir el fenómeno musical a vivirlo conscientemente.
• Las lecciones instrumentales se inspiran en la interiorización e interpretación de la literatura musical, así como en la improvisación con la voz y los instrumentos.

Etapas de Desarrollo del Método:

• Antes de los 3 años: el método no empieza, pero le da importancia a la preparación previa a través de la familia.
• De los 3 a los 6 años: trabajo en grupos reducidos. Iniciación rítmica basada en el movimiento corporal. En cuanto a la educación auditiva, trabaja a través de canciones, pero también con determinados instrumentos, como por ejemplo las campanas (las campanas de Willems).
• De los 6 a los 8 años: se podría decir que es necesario comprender determinados elementos del lenguaje musical; asistencia a academias o una formación mucho más profunda.
• A partir de los 8 años, se habla de una etapa con un refuerzo más profundo y un trabajo teórico del solfeo.

Algunas actividades relacionadas con este método son dictados de reconocimientos tímbricos, rítmicos o de altura, cazador de silencios (ver cuántos silencios hay en una secuencia), etc.

Método Orff-Schulwerk

Carl Orff fue pedagogo y un compositor muy reconocido por su música contemporánea. Se le recuerda por el instrumental Orff y por la instrumentación de determinadas piezas musicales, teniendo mucho éxito en todas las etapas educativas, desde las más tempranas. Su idea principal será que la música, el lenguaje, la danza y el movimiento se pueden ver fusionadas gracias al ritmo. Jos Wuytack será discípulo de Orff y continuador de su metodología: Método Wuytack (audición musical activa).

Diseñó un método de trabajo para la escuela, basado en que el alumno recorra todas las etapas que atravesó el hombre hasta llegar al nivel de desarrollo actual. Da mucha menos importancia a la teoría que a la práctica. La percusión indeterminada (sin altura) y la percusión determinada (con altura) tienen gran importancia por su uso en el aula. Alguno de sus objetivos son el desarrollo de la inteligencia y de las posibilidades motrices del cuerpo. Además, destaca por tener una metodología más integral, y el Método Orff es el más implantado en las escuelas y a todos los niveles, trabajando de todo.

Orff establece los siguientes principios:

• Música elemental: sus instrumentos no requieren una técnica especial, son los del propio cuerpo.
• Educación musical: el docente no pretende el adiestramiento de sus alumnos, por lo que se limitará a mostrar vivencias musicales al niño adaptadas a su edad.
• Lenguaje: el habla tiene una gran importancia, hablar es hacer música y las palabras son fonéticamente esquemas musicales (relación música-texto; música-lenguaje).
• La pentafonía: tiene 5 sonidos en la escala.
• Los instrumentos.
• El movimiento: se limita a descubrir con el niño, mediante la música y el movimiento, teniendo conciencia de sus posibilidades.
• La improvisación: el niño realiza improvisaciones para descubrir su voz con diferentes timbres e intensidades utilizando el juego musical. Está relacionado con Dalcroze y Willems. Algunas de sus actividades son: ejercicios sobre gestos sonoros, juegos de ecos o diálogos, etc.

Método Kodaly

Zoltán Kodaly fue pedagogo, compositor y folclorista. Demostró un talento precoz para la música. No inventó ningún método, sino que tenía una determinada filosofía educativa y unas ideas fundamentales sobre la educación musical. Utilizó el folclore como base de la expresión musical en todos los niveles educativos. Otros de sus objetivos fueron conocer los elementos de la música a través de la práctica vocal a una o varias voces, al igual que Willems, e instrumental, al igual que Orff.

Las características que más destacan de este autor son, entre otras, las canciones tanto infantiles como folclóricas y tradicionales o la música de grandes compositores contemporáneos. Pensaba, al igual que Orff, que las canciones tradicionales pentatónicas son las más adecuadas para los niños de infantil. Además, intentó eliminar las canciones inadecuadas, creando un repertorio específico en base a unos criterios estéticos y pedagógicos. También destaca la importancia del canto en su educación musical e instrumental, ayudando a desarrollar el oído y la imaginación musical. Practica una educación inicial vocal a una sola voz, más tarde a dos voces con ayuda de la fononimia, que focaliza la atención del niño y desarrolla la memoria, mediante la afinación, educación del oído, improvisación… al igual que Dalcroze, Orff y Willems. También fomenta el desarrollo de la atención y la concentración.

Por otra parte, encontramos el empleo del solfeo “do móvil”, que no se trabaja en ninguna escuela, y el ritmo a través de diferentes sílabas, completándose con la escala pentatónica. Para el desarrollo de la entonación desde edades tempranas es necesario:

• Dar importancia a la formación del maestro, ya que el aprendizaje se produce por imitación y ejercen mucha influencia sobre los niños.
• Despertar el interés del niño para que cante, fomentando el canto libre y la improvisación espontánea mediante el juego.

Por último, destacar su recopilación de canciones de folclore. Para trabajar estas características encontramos actividades como: fononimia para reconocer la altura de los sonidos, aplicación de las sílabas rítmicas, interiorizar ritmos de una canción popular.

Método Martenot

Maurice Martenot, músico francés, fue pianista, violinista y violonchelista. En 1928, inventó las «Ondas Martenot», un instrumento electrónico, y también creó el «Clavi-harpe» para la enseñanza musical infantil.

Ritmo: Uso de fórmulas encadenadas y ecos rítmicos, con etapas de asociación, reconocimiento y expresión.

Entonación: Basada en la imitación para formar la memoria musical, avanzando hacia el dictado.

Audición: Enfocada en la atención, audición interior y formación tonal y modal.

Lectura: Comienza con fórmulas rítmicas, llevando a la polirritmia y luego añadiendo entonación.

Ejercicios de relajación: Alternancia de actividades intensas con periodos de relajación, similar a los métodos de Dalcroze.

El aprendizaje se centra en la imitación y breves periodos de concentración intensa, con actividades como preguntas y respuestas sin altura y acompañamiento con percusión corporal.