Arte Povera: Orígenes y Características

Arte Povera: Movimiento artístico europeo moderno, término acuñado por un crítico italiano en 1967. Este movimiento se caracteriza por prácticas de trabajo diversas basadas en elementos cotidianos y naturales, considerados ‘pobres’ (povera). Utilizan elementos de desecho, de segunda mano como ramas, carbón, ropa, etc. Los artistas rechazan la comercialización de sus obras y buscan espacios para el objeto y la interacción del público, provocando una reflexión sobre el objeto, su forma, utilidad, manipulación y cualidades específicas.

Povera se refiere tanto al ‘arte pobre’ como a ‘il povero divino’, buscando convertir el objeto en un aspecto ascético. Este movimiento representa una crítica al capitalismo y la comercialización. Surgió en Italia tras la Segunda Guerra Mundial, durante un auge económico que terminó en los años 60, desencadenando una crisis.

El Arte Povera es un arte vivo, con artistas como Mario Merz, quien crea iglúes que representan espacios semejantes a iglesias o cavernas, y Michelangelo Pistoletto, conocido por el vaciado de una Venus clásica y el uso de ropa vieja.

Performances: El Arte en Vivo

Las Performances se consagran en los años 70, aunque hasta entonces habían sido ignoradas. Autores como Russolo, Boccioni, Picasso y Schlemmer ya habían explorado conceptos similares. El movimiento más importante en este contexto es el Dadaísmo.

La performance es arte vivo, una actuación en vivo que presenta conceptos de improvisación e impacto, a menudo con un carácter de provocación. La obra es el tiempo que dura la performance, introduciendo el concepto de arte efímero. El único recuerdo que queda suele ser una fotografía o un video.

La intervención del público y los estímulos sensoriales (luces fuertes, sonidos, olores) son elementos clave. La performance tiene un fuerte carácter iconoclasta frente al arte tradicional y la sociedad capitalista, convirtiéndose en una reivindicación.

Cuando la performance es realizada por mucha gente, se denomina ‘Happening’, pudiendo ocurrir en cualquier lugar y momento, y tener cualquier duración. Cuando el público actúa sin saberlo, se llama ‘Sneigglin’. Los ‘Flashmobs’ también son formas de reivindicación.

Unas de las primeras performances fueron las de Jim Dine en una iglesia de Nueva York, donde quedó una foto, una lata de pintura y él bebiendo, mientras escribía ‘Amo lo que soy’. Después, se tiró encima mientras saltaba. Robert Morris en 1965, en una galería de EEUU, desplazaba paredes continuamente, detrás de las cuales había una mujer desnuda, sin conexión aparente. Esto muestra metafóricamente la historia del arte: el arte está vivo. La mujer representa a Olimpia y lo nuevo que se mueve. El artista nos dice que el arte debe ser experimental y no una mera actuación de circo.

Uno de los grupos más importantes fue Fluxus, liderado por Maciunas, al que se unió Joseph Beuys en 1963. Lo más importante de Fluxus fue la creación de cortometrajes, destacando un coreano que creó ‘Zen para el cine’, un corto virgen y transparente de 300 metros que se proyectaba durante 30 minutos, creando una nueva película a medida que se rayaba.

Joseph Beuys radicalizó Fluxus. Tras una experiencia traumática durante la Segunda Guerra Mundial, donde fue rescatado por nómadas tártaros que lo embadurnaron en grasa y lo envolvieron en fieltro, estos materiales básicos adquirieron un carácter simbólico en su obra. Utilizó materiales feos y antiartísticos, como la cera y la miel, con una gran carga simbólica. La miel, proveniente de las abejas, representaba el sentido de comunidad, comunista o socialista, de la sociedad.

Beuys realizó performances violentas, como la ‘Sinfonía Siberiana’ en 1963, con un piano, montones de objetos y un conejo, mostrando el arte como algo sobrenatural. En otra performance, cubrió su cabeza con miel y polvo de oro, como crítica al capitalismo. También realizó la performance ‘Me gusta América y a América le gusto’.

Land Art: El Arte en la Naturaleza

LAND ART es una técnica efímera como la performance. Este arte surge como reacción contra el expresionismo abstracto, siendo un arte conceptual, de significados, hecho con elementos de la naturaleza como madera, tierras y rocas. La definición se traduce como ‘el arte terrestre’ o ‘arte de construcción de paisaje’. Las obras se realizan en el exterior y, por lo tanto, están expuestas a las inclemencias atmosféricas. La naturaleza es el material.

Las primeras obras de Land Art aparecieron en los años 60 en el oeste de América, en los desiertos.

Es importante diferenciar Land Art de Earth Art.

En el Land Art, la naturaleza actúa como material y como soporte. El Earth Art, propio de Europa, se realiza dentro de las galerías, no en el exterior.

Este tipo de arte puede ser un cruce entre escultura y arquitectura, siempre dentro de un espacio público contemporáneo. Se entiende que debe haber una relación entre el hombre y la tierra, el ambiente y el mundo. Surge en un momento donde comienzan a aparecer los problemas medioambientales, siendo una reivindicación. Nace a principios de los 60, con la Guerra de Vietnam y el movimiento Hippie, durante el gobierno de Nixon, quien prometió apoyar el arte último pero hizo lo contrario. El Land Art se apoya en escritos de importantes historiadores y antropólogos como Lévi-Strauss, quien dice que el hombre contemporáneo es tan primitivo como el prehistórico, buscando seguir las huellas del arte primitivo, donde el progreso no es más que una vuelta a lo anterior.

Giedion establece una conexión entre el hombre primitivo y el actual, según un concepto espacial de formas simples como círculos y líneas. La línea es un símbolo masculino y el círculo femenino, por lo que la tierra es la mujer y el hombre es la cultura.

La principal técnica del Land Art es la instalación en la naturaleza, modificando el paisaje o embalando edificios. El paisaje se convierte en una obra de arte. Aparece un nuevo concepto: dejar una huella efímera en la naturaleza. Por ello, es imprescindible crear objetos para que perduren, con la misión de que un público los vea. Se exponen bocetos o fotografías para que perdure.

Entre las obras más importantes está la ‘Espiral’ de Robert Smithson, con materiales como roca, agua, minerales del mar y barro. Smithson buscaba ver el poder de la naturaleza interior y alquiló la tierra por 20 años. La espiral debe entenderse en horizontal y hacia el fondo, ya que cuenta una leyenda que dice que en el lago de Huta existe un remolino que conecta el lago con otra parte. Es una obra de arte con concepto de entropía, ecología y reciclaje, alertando en los años 70 sobre la destrucción de la tierra.

Otra obra es de Walter De Maria, en 1977, en Nuevo México, donde alquiló un sitio con alto nivel de tormentas y colocó una serie de postes equidistantes que actúan como pararrayos, mostrando el poder de la naturaleza.

Michael Heizer creó un depósito de agua con formas geométricas, cambiando el paisaje existente, que es el objetivo de este arte.

Body Art: El Cuerpo como Lienzo

El cuerpo es otra técnica efímera, utilizando el cuerpo humano como obra de arte y soporte. El cuerpo se convierte en uno de los temas fundamentales para el artista. No se establece un discurso lineal, pero hay tres interpretaciones destacables:

• La metamorfosis.
• Violencia.
• Hiperrealismo.

La relación del artista con el cuerpo es muy cercana, mostrando a menudo cosas escabrosas como semen, vómitos y mocos. Desde la antigüedad, el artista ha intentado buscar un cuerpo en armonía y con medidas perfectas. En el barroco, se busca un cuerpo con imperfecciones, no solo la belleza clásica. En las vanguardias, el cuerpo se desmiembra en el lienzo. En el cubismo, Picasso disecciona el cuerpo; en el futurismo, Carrá busca un cuerpo para dar movimiento; y en los nuevos realismos, como en la fotografía, también.

A partir de 1945, la Segunda Guerra Mundial trajo miles de cadáveres y cuerpos desmembrados, poniendo el cuerpo humano en boca de todos. Las acciones más radicales aparecen en el arte conceptual, con significado, y las más controvertidas son las de Piero Manzoni e Yves Klein.

Yves Klein creó las antropometrías, usando modelos desnudas que se manchaban con pintura e imprimían su cuerpo sobre el papel, creando una parte del cuerpo, una antropometría. Todo se hacía con música, casi una performance.

Piero Manzoni creó la ‘defecación del artista’, latas cerradas con sus heces. Es arte conceptual con significado. También firmaba partes del cuerpo, convirtiéndolas en obras de arte.

En la escultura, Gilbert and George crearon una escultura performance, vistiéndose de traje y pintando su cara y manos. Se movían como marionetas al son de una música debajo de una mesa. Se dijo que no existía la frontera entre vida y arte.

En la década de los 60, se radicalizó todo con el grupo Acción Directa, que atacaba violentamente el cuerpo. Rudolf Schwarzkogler atacaba su cuerpo mediante la automutilación, investigando su cuerpo atacándolo. Buscaba hablar de la enfermedad de la sociedad, explorando el miedo colectivo tras la Segunda Guerra Mundial.

En EEUU, artistas bailaban sobre restos de tripas de animales o carne, con música, lo que podría entrar en la categoría de performance.

En los 70, se abrió una puerta a la acción directa con el ‘Body Art’. Estos jóvenes artistas eran conscientes de que abusar del cuerpo violentamente les daba fama. Dentro del Body Art, hay facciones como el ‘body painting’ y las ‘escarificaciones’ (tatuajes rajados).

Dentro del Body Art, artistas como Vito Acconci realizaban actuaciones sobre su cuerpo mordiéndolo hasta atragantarse. Dennis Oppenheim realizó ‘una posición de lectura para una quemadura de segundo grado’, quemándose al sol para criticar el tomar el sol como acto de ocio.

Chris Burden filmó una secuencia en la que una persona disparaba a otra en un brazo, mutilando el cuerpo con una bala, o haciéndose tirar escaleras abajo.

Ana Mendieta realizó ‘escena de violación’, siendo víctima de la Operación Peter Pan, donde niños cubanos fueron adoptados ilegalmente en EEUU. Ella sufrió abusos sexuales y en 1973 hizo esta obra, una performance. También realizó ‘flores en el cuerpo’, llenándose de flores o barro.

David Nebreda, con ‘el espejo, los excrementos y las quemaduras’, padecía esquizofrenia y castigaba su cuerpo, flagelándose, cortándose, quemándose, cosiéndose la piel y fotografiándose. Su arte exponía su cuerpo a su realidad, mostrándose como un mártir, con objetos de martirio y crucificando su pene. Indagaba sobre el sufrimiento de Cristo.

Orlan, con ‘rostro del siglo XXI’, reconstruye su cuerpo a través de la cirugía plástica, emulando a grandes representantes del Renacimiento, operándose el mentón para tenerlo como en un cuadro de Botticelli o la frente de la Mona Lisa. Lo hace con anestesia local, dirigiendo la performance con música, poemas y bailarines.

Jana Sterbak creó ‘vestido de carne’, un cuerpo como una segunda piel.

Gunter Von Hagens, científico que estudia anatomía, desarrolló la plastinación, sacando el agua del cadáver e inyectando una sustancia química que endurece el cuerpo.

Hiperrealismo y Fotorrealismo

Esto se considera hiperrealismo.

Dentro de este, está el fotorrealismo:

Chuck Close se inspira en fotografías, no en modelos directos.

Duane Hanson crea esculturas con resina de poliéster que hablan de la hiperrealidad, criticando el sueño americano.

John De Andrea también hace esculturas que son la perfecta imitación de la vida.

Ron Mueck también hace esculturas hiperrealistas, usando arcilla, yeso dental, silicona y pintura. La característica principal es la enormidad de las obras, creando una barrera entre ficción y realidad.