Bases del Invento del Cine

El cine, tal como lo conocemos hoy, es el resultado de la convergencia de varios descubrimientos y avances tecnológicos. A continuación, se detallan los pilares fundamentales que hicieron posible su invención:

• Estroboscopia: Se basa en la persistencia retiniana y el fenómeno Phi. Estos conceptos explican cómo nuestro cerebro percibe una serie de imágenes fijas como movimiento continuo cuando se presentan a una velocidad determinada.
• Soporte: El desarrollo de un soporte adecuado fue crucial. Inicialmente, se necesitaba un tiempo de exposición de 1/5 de segundo. Posteriormente, Eastman creó una película transparente, y Dickson añadió perforaciones para facilitar su manejo en las cámaras.
• Mecánica: Las perforaciones en la película permitieron el desarrollo de la mecánica de las cámaras de cine, facilitando el avance y la captura de imágenes de manera secuencial.
• Proyección: La linterna mágica, un antiguo proyector de imágenes, y los trabajos de Peynaud fueron precursores en la técnica de proyección de imágenes en movimiento.
• Óptica: La cámara oscura y el desarrollo de lentes fueron esenciales para capturar imágenes nítidas y enfocadas.
• Química: La sensibilidad de las emulsiones químicas fue fundamental para poder capturar imágenes en la película con la exposición a la luz.

El Nacimiento del Cine

El cine tuvo dos inicios significativos:

• Edison: Intentó crear el cine sonoro y desarrolló el kinetoscopio, un dispositivo individual de visualización de imágenes en movimiento.
• Hermanos Lumière: Crearon el cinematógrafo, un aparato que servía tanto de cámara como de proyector. La fecha oficial del nacimiento del cine se considera el 28 de diciembre de 1895, cuando los Lumière realizaron la primera proyección pública de pago.

Los filmes de los hermanos Lumière eran principalmente documentales que reflejaban la realidad, con técnicas refinadas. Destacan obras como La llegada del tren y la comedia El regador regado. Sin embargo, la poca actividad industrial, la exigencia del espectador y el surgimiento de nuevos directores marcaron el fin de su era.

Méliès y la Evolución del Cine

Georges Méliès revolucionó el cinematógrafo. Inicialmente, sus filmes seguían el estilo de los Lumière, pero luego descubrió trucajes fotográficos y cinematográficos, como la cámara acelerada. Méliès comenzó a realizar montajes y a utilizar el cine no solo como medio narrativo, sino como un fin en sí mismo. Aportó al cine nuevos horizontes, un sentido del espectáculo y novedades técnicas.

La Escuela de Brighton

Iniciada por William Paul, la Escuela de Brighton se caracterizó por la utilización narrativa de la fotografía, temas sociales y el uso de escenarios naturales. Los principales autores de esta escuela fueron:

• George Albert Smith: Conocido por sus pequeños insertos de PP a PG. Su obra más destacada es La lupa de la abuela.
• James Williamson: Alternaba planos y escenas, y se enfocó en el cine de aventuras, como en Las regatas de Henley.
• Alfred Collins: Utilizó travellings y plano-contraplano en su obra Matrimonio en auto.
• Frank Mottershaw: Destacó con Ataque a una diligencia del siglo pasado.

El primer travelling acuático fue realizado en Venecia por Vittorio Storaro.

Porter y Griffith

Edwin S. Porter, de origen escocés, fue operador de noticias y realizador para Edison. Integró las técnicas de Méliès con las de la Escuela de Brighton, desarrollando aún más el montaje. Sus principales filmes incluyen Salvamento de un incendio, Asalto y robo a un tren (considerado el primer western, con montaje en paralelo y gran éxito), y La cabaña del tío Tom.

David Wark Griffith es conocido por su montaje constructivo, el uso del plano master y la continuidad narrativa. Comenzó en la compañía AM&B, donde dirigió El nacimiento de una nación en 1915. Luego pasó por la productora TRIANGLE, junto a Ince y Mack Sennett. Durante esta época, creó Intolerancia, que fue un fracaso comercial debido a su estructura de cuatro espacios de tiempo desiguales y su ideología pacifista, aunque también contenía elementos racistas. La productora TRIANGLE se hundió tras el fracaso de Intolerancia. Posteriormente, Griffith se unió a United Artists, formada por Chaplin, Mary Pickford y Douglas Fairbanks.

Griffith tuvo una gran importancia en el cine soviético y moderno. Billy Bitzer, inicialmente un ingeniero eléctrico, se convirtió en el primer director de fotografía del mundo y colaborador de Griffith. Destacó por su iluminación contrastada en Lirios rotos.

Nuevos Sistemas de Producción

• Aparición de Famous Players, creada por Zukor, que más tarde se convertiría en Paramount.
• Surgimiento de los largometrajes.
• Star System: Identificación del cine mediante la creación de estrellas y hitos, utilizando la prensa y revistas para atraer al público a las salas.
• Creación de géneros cinematográficos para diferentes audiencias.
• Películas clasificadas en A/B/C, según su presupuesto.
• Construcción de grandes salas de cine.
• Control del Gran Capital: Los bancos comenzaron a invertir en la industria cinematográfica.
• Sistema Block Booking: Venta de películas en paquetes, obligando a los exhibidores a comprar películas menos atractivas junto con las más deseadas.
• Sistema Blind: Venta de películas sin que los exhibidores supieran cuáles eran, aparte de la principal.

Los Creadores y la Reacción a la Monopolización

United Artists: Formada por Griffith, Chaplin, Mary Pickford y Douglas Fairbanks, esta productora buscaba mayor libertad creativa y control sobre sus películas. Exigieron no acatar las órdenes de los grandes estudios y querían decidir el final de sus películas.

Associate Producers: Formada por Ince (productor de westerns), Mack Sennett (cómico y maestro de Chaplin), Chaplin y King Vidor. A través del poder judicial, se dictaminó que una productora no podía ser también distribuidora. De esta productora surgieron figuras muy importantes y actrices famosas.

En 1923, apareció Independencia Proax eαm.

El Slapstick: Género cómico caracterizado por un ritmo frenético, persecuciones, tartas a la cara y batallas de tartas.

El Cine en el Mundo

Rusia

En Rusia, el cine prerrevolucionario dio paso a una nueva era tras la Revolución Rusa. A pesar de la escasez de negativos, surgió una escuela de cine liderada por Kulechov. El efecto Kulechov demostraba que un plano adquiere un significado diferente al combinarse con otro.

La escuela de cine de Dziga Vertov promovía un cine ojo, un cine de verdad. Vertov abogaba por un cine documental que plasmara la realidad.

Serguéi Eisenstein desarrolló un montaje intelectual, dialéctico y atractivo, buscando causar sobresalto en el espectador. Su película más famosa es Octubre.

Vsevolod Pudovkin utilizó un montaje constructivo, construyendo la película pieza por pieza. A diferencia de Eisenstein, que se enfocaba en lo coral, Pudovkin buscaba la individualidad o una toma de conciencia individual. Su obra La Madre es un ejemplo de esto. También se diferenciaba de Griffith por la utilización de planos cortos.

El montaje interno se desarrolló más en el cine sonoro, utilizando el movimiento de cámara y de los personajes dentro de una misma secuencia.

A nivel teórico, Rudolf Arnheim sostenía que el lenguaje del cine reside en el montaje, mientras que André Bazin defendía que el cine reside en el montaje interno (movimiento de cámara y personajes).

Francia

En Francia surgió el Impresionismo, un movimiento cinematográfico caracterizado por la subjetividad de las imágenes, la distorsión psicológica, los planos subjetivos y los planos borrosos. El más influyente del impresionismo fue Abel Gance, quien pasó a la historia del cine con Napoleón, dividiendo la pantalla en tres partes con acciones distintas en cada una.

En 1920, Louis Delluc comenzó como crítico de cine y luego se convirtió en director. Fundó los cineclubs e inventó el concepto de Aecoupage, descomponiendo la acción en planos y secuencias de forma precisa antes del rodaje.

Jean Epstein, con su obra Corazón de Piel, también perteneció a los vanguardistas en los años 20 e hizo experimentos cinematográficos.

Man Ray, fotógrafo vanguardista y cineasta surrealista, no construía narraciones, sino que experimentaba. Su filme Estrella de mar sigue la misma línea que su fotografía y no cuenta una historia.

Luis Buñuel, vanguardista francés que comenzó en España con Un perro andaluz (con Dalí), experimentó desde el punto de vista clásico con La Edad de Oro, un filme surrealista. Los mismos vanguardistas evolucionaron hacia el documentalismo, como se ve en Las Hurdes, tierras sin pan. Después de los años 30, el naturalismo poético francés superó al impresionismo y a las vanguardias, con Jean Renoir como su mayor representante.

Alemania

Los inicios del cine en Alemania se remontan a octubre de 1895 con el Bioscopio de Max Skladanowsky. En 1896 se construyó el primer estudio de luz artificial. A partir de 1910, los intelectuales comenzaron a interesarse por el cine, destacando Max Reinhardt, director y productor teatral, cuya influencia se extendió a muchos de sus discípulos.

Como antecedentes y precursoras del expresionismo, se encuentran las películas El estudiante de Praga (1913) y El Golem (1914). Durante la Primera Guerra Mundial, Alemania se interesó en desarrollar su propio cine y formó un estudio, La UFA, inicialmente una productora estatal que luego se convirtió en comercial.

Ernst Lubitsch fue un genio de la comedia, precursor y profesor de cine en Alemania, y discípulo de Max Reinhardt. Proveniente del teatro, creó una escuela interpretativa llamada Kammerspiele, que dio lugar a una variante del expresionismo y luego se convirtió en Kammerspiele Film. Lubitsch tuvo una etapa muda, siendo actor cómico y haciendo propaganda contra los aliados, pero después se marchó a Hollywood.

Leni Riefenstahl dirigió importantes películas de propaganda a favor del partido nazi, como El triunfo de la voluntad.

El Expresionismo es el movimiento más característico del cine alemán. Sus principales hitos incluyen la reacción antinaturalismo y antiimpresionismo, la profundización en la esencia y el sentido del destino. La película que dio comienzo al movimiento fue El gabinete del doctor Caligari en 1919. Su iluminación era plana y pobre, con sombras pintadas debido a la falta de recursos tras la guerra. Esta película creó la tendencia del Caligarismo, un cine exagerado con decorados reales y una fuerte influencia del teatro.

En la segunda fase del Expresionismo surgieron Fritz Lang y F.W. Murnau, quienes evolucionaron hacia el Kammerspiele Film, una reacción contra el expresionismo que, al mismo tiempo, contenía elementos expresionistas. La mejor obra de esta corriente fue El último de Murnau, que narra la historia de un portero de hotel degradado a limpiador.

Murnau comenzó haciendo obras expresionistas como Nosferatu (una versión de Drácula) y osciló entre varios movimientos. Sus grandes obras incluyen El último, Nosferatu, Amanecer (realizada en EE. UU., mezclando realismo con fantasía) y Tabú, un semidocumental realizado con Robert Flaherty.

Fritz Lang, conocido por su trabajo en el cine negro, también escribió guiones.

Japón

En el cine mudo japonés, Akira Kurosawa se convirtió en una especie de mito. Fue pintor y dibujaba los decorados y el storyboard de sus películas.

Estados Unidos

En la comedia, Charlie Chaplin comenzó haciendo teatro en Inglaterra y fue descubierto por Mack Sennett, creando su personaje de Charlot. Aunque fracasó en París, siguió haciendo películas, destacando La quimera del oro. Fundó la primera productora independiente. Buster Keaton desarrolló un humor más técnico, surrealista e intelectual que el de Chaplin.

Cine Sonoro

La primera película sonora fue estrenada en 1929. Los sonidos iban sincronizados con la imagen, ya fueran diálogos diegéticos, como en El cantante de jazz, la primera película con diálogo diegético (diálogo que forma parte de la historia), o efectos diegéticos, como en Don Juan. También se utilizaron diálogos no diegéticos (diálogos fuera de la historia).

El sonido óptico fue el que triunfó. Con la transición del cine mudo al sonoro, surgió el género de la comedia musical. Durante la Gran Depresión, el público buscaba evadirse con el cine, y el musical se convirtió en el género más popular. La figura más importante de esta época fue Busby Berkeley, un coreógrafo muy creativo que dirigió muchas películas de natación sincronizada. Esther Williams fue una actriz destacada de estas películas en los años 50.

La regla del juego de Jean Renoir (1939) marcó el inicio del cine sonoro con una puesta en escena con profundidad, donde la cámara sigue a los personajes.

Gene Kelly creó Cantando bajo la lluvia (1952), que muestra los problemas en la grabación con el sonido.

En los años 70, se empezaron a hacer musicales más libres, como Fama. También surgieron comedias musicales como Absolute Beginners.

Bailar en la oscuridad (años 90) es una película musical de tragedia que tuvo mucha influencia en videoclips y publicidad.

El cine Dogma, creado por daneses y suecos, es un cine puro, sin sonido no diegético y todo «correcto». Están influenciados por Carl Theodor Dreyer.

Luis García Berlanga desarrolló el plano secuencia y la puesta en escena.

José Luis Cuerda, padrino de Almodóvar, utilizaba el plano por corte sin plano master, planificando con planos necesarios por corte.

La Guerra de las Patentes

Concepto: El deseo de Edison por controlar la industria cinematográfica llevó a una lucha legal por los derechos sobre las patentes.

Características generales: La gran expansión de la demanda generó más compañías, intensificando la lucha legal y haciendo imposible el monopolio industrial.

Consecuencias: Se llegó a un acuerdo entre las primeras compañías, creándose la MPPC (Motion Pictures Patents Company) en 1909, integrada por Edison, Biograph, Vitagraph, Méliès y Pathé. Esta organización, dirigida por Edison, tenía un verdadero trust y reconocía los derechos de Edison con un monopolio legal. También se creó la General Film Company, una organización de exhibición que clasificaba las salas por categoría y diferenciaba las tarifas de alquiler según la categoría.

Surgieron también los independientes, que se oponían al trust en producción, distribución y exhibición. Entre ellos estaban William Fox, los hermanos Warner y Samuel Goldwyn. La lucha fue violenta, tanto legalmente, con denuncias por violación de la ley Sherman Antitrust y denuncias por violación de derechos de patentes, como físicamente, con asaltos a salas de cine, interrupción de rodajes y confiscación de aparatos. Las múltiples organizaciones independientes incluían en producción a Keystone y en distribución a varias empresas.

Como consecuencia, aparecieron las grandes productoras: Paramount, Universal, Warner Bros y 20th Century Fox.

Se fundó Hollywood, que huyó al oeste buscando seguridad frente al trust, ya que estaba lejos del campo de acción y cerca de México. Ofrecía mejores condiciones climatológicas, más horas de sol y escenarios naturales. Una de las primeras obras fue El conde de Montecristo.

Se impuso el largometraje a los rollos y se afirmó el Star System como fórmula comercial. Finalmente, la MPPC se disolvió legalmente en 1917 por el Tribunal Supremo, aunque ya estaba prácticamente desmantelada antes.