Simbolismo en la Poesía de Lorca

Lorca utiliza frecuentemente símbolos en su poesía. Se refieren muy frecuentemente a la muerte, aunque, dependiendo del contexto, los matices varían bastante. Son símbolos centrales en Lorca:

• La luna: Es el símbolo más frecuente en Lorca. Su significación más frecuente es la de muerte, pero también puede simbolizar el erotismo, la fecundidad, la esterilidad o la belleza.
• El agua: Cuando corre, es símbolo de vitalidad (como sugerencia sexual). Cuando está estancada, representa la muerte. Así, por ejemplo, un pozo es la expresión de la pasión estancada, sin salida.
• La sangre: Representa la vida, por ello, la sangre derramada es la muerte. Simboliza también lo fecundo, lo sexual.
• El caballo (y su jinete): Está muy presente en toda su obra portando siempre valores de muerte, aunque también representa la vida y el erotismo masculinos, la potencia sexual. Nos muestra la pasión desenfrenada que conduce hacia la muerte, pues nunca alcanza el destino que añora.
• Las hierbas: Su valor dominante, aunque no único, es el de ser símbolos de la muerte. Así, el color verde destaca en muchos poemas de Lorca simbolizando la muerte, amargura.
• El viento: Es el símbolo del erotismo masculino.

Temas en la Poesía de Lorca

Es, sin duda, Lorca el poeta de la lucha diaria y cotidiana con la muerte, que aparece trágica e implacable. La vida se ve entonces impotente ante las garras de la nada, del vacío. Habitualmente se suelen hallar los temas entrelazados entre sí, aunque haya uno que sea más sobresaliente en el poema. Muchas veces los temas están inmersos en imágenes, en símbolos. De entre todos, los temas más significativos son:

• El amor: Es para Lorca una fuerza comparable a la muerte. Es un amor completamente humano que está presente en toda su poesía. Pero siempre tiene un cariz adverso, por lo que termina produciendo una gran frustración (frustración amorosa). También aparece el amor con el significado de pasión erótica como fuente de energía vital.
• La muerte: Tanto la muerte como el tiempo, íntimamente unidos, adquieren en la poesía de Lorca el grado de “terribles” porque, aunque son lo más cotidiano de la existencia, no dejan de aterrar nunca al poeta. Lorca considera la muerte como amenaza permanente e ineludible. La muerte tiene con frecuencia forma violenta: reyertas, peleas, asesinatos, suicidios. La muerte como consecuencia del fracaso amoroso.

La Comedia Burguesa y el Teatro de Humor en la Posguerra

La Comedia Burguesa

La ruptura experimentada por el teatro español de posguerra con el anterior a la contienda civil fue solo parcial o relativa. Junto con la comedia de Benavente, perviven géneros tradicionales como el melodrama, la comedia humorística y la zarzuela, caracterizados por la escasa ambición literaria en los textos, la búsqueda de la risa fácil y evasión de la realidad. La renovación del teatro vendrá de la mano de Jardiel Poncela y Miguel Mihura. La comedia burguesa, al estilo de Benavente, se caracteriza por desarrollarse en espacios lujosos, personajes pertenecientes a la burguesía o clase media, conflictos personales relacionados con el adulterio, la soltería. La resolución de tales conflictos desemboca siempre en un final feliz. El mérito de este teatro reside en el cuidado de la forma y lenguaje. Los seguidores de Benavente vieron representadas sus obras en la dictadura y gozaron del favor de los empresarios y público. Los más destacados son, además de Benavente:

• José María Pemán: Cultivó con éxito de público diversos géneros. Su teatro histórico: Por la Virgen capitana. De su teatro de tesis: Callados como muertos. Y comedias costumbristas: Los tres etcéteras de don Simón.
• Joaquín Calvo Sotelo: Su extensa producción teatral comprende dos géneros: comedia humorística de evasión y el teatro serio. En el primero se incluyen: La visita que no llamó al timbre. En el teatro serio destaca: La muralla.
• Juan Ignacio Luca de Tena: Destacan: ¿Dónde vas Alfonso XII?, ¿Dónde vas triste de ti?, Don José, Pepe y Pepito.
• José López Rubio: Destacan: Celos del aire, La otra orilla, etc.
• Victor Ruiz Iriarte: La vida privada de mamá, El puente de los suicidas, etc.
• Edgar Neville: Destaca: El baile.

El Teatro de Humor

Constituye una de las manifestaciones más interesantes de la época por su carácter innovador. Enrique Jardiel Poncela y Miguel Mihura son los dramaturgos más importantes de esta tendencia teatral.

• Enrique Jardiel Poncela: Creó un humor inverosímil, emparentado con el surrealismo. Reivindica un teatro inverosímil, absurdo y fantástico, opuesto al realista y burgués, que supone un nuevo concepto de comicidad y risa. Sus comedias se centran en asuntos amorosos, pero nunca caen en lo sentimental. La incoherencia de la trama, plagada de acciones inexplicables y sorpresas, caracteriza estas obras, de un humor inteligente e irónico. A sus obras, no siempre comprendidas por el público y la crítica, se les achaca falta de profundidad y exceso de enredo, pero su teatro ocupa un lugar destacado en nuestra escena. Destacan títulos como: Eloísa está debajo de un almendro, Los ladrones somos gente honrada, Tú y yo somos tres.
• Miguel Mihura: Es con Jardiel Poncela el otro renovador de la comedia española del siglo XX. Ambos impulsaron una nueva estética teatral que, basada en la inverosimilitud y el rechazo del realismo, anticipó lo que se denomina teatro del absurdo. Mihura practica un humor suavizado con ternura y sentimentalismo, aunque mantiene lo ilógico como fuente de comicidad. Parodia y caricaturiza lo que pasa por normal, las costumbres y formalismos que ahogan la vida. Las normas que rigen la vida cotidiana, las cuales generan frustración, impiden la felicidad. Algunos caracteres de su teatro son: el ingenio, imaginación, humor dramático, ternura y lenguaje inteligente. Destacan sus obras: Tres sombreros de copa, Melocotón en almíbar, Maribel y la extraña familia. Su obra más relevante es Tres sombreros de copa, que enfrenta un mundo burgués a otro más rebelde y bohemio. Vence el primero y fracasa el amor.

El Realismo Social en la Novela Española de los 50

Hacia 1951 la literatura española dio un giro y empezó la senda del realismo objetivo, dirá Cela. Los años cincuenta suponen el renacer de la novela española: aparece una nueva generación de escritores, que, junto a la generación de posguerra (generación del 36), desarrollarán una narrativa comprometida, denominada novela social. Esta novela social y neorrealista refleja la realidad española y sirve de denuncia de las injusticias sociales.

Características del Realismo Social

Tratamiento formal

• El objetivismo: el narrador se limita a dar cuenta de los hechos, sin emitir juicios de valor; actúa como una cámara cinematográfica. Existe un deseo de transformación social, que se deja entrever: es el lector quien extrae conclusiones. Aun así, la objetividad no puede ser total. Predomina el diálogo (El Jarama, Rafael Sánchez Ferlosio).
• Suele haber un protagonista colectivo.
• Desarrollo breve de la acción (a menudo, pequeñas acciones sin importancia, como un mosaico) y reducidos espacios (Madrid, Barcelona…).
• Concentración temporal: en muchos casos la acción transcurre en poco tiempo: unas horas en El Jarama, poco más de dos días en La Colmena…
• Lenguaje sencillo, cierto a medias: hay obras con pasajes profundamente líricos. Incluso la tremenda sencillez requiere un trabajo cuidadoso.
• Preocupación por acercarse a la realidad para reflejarla fielmente, con esa intención utilizan la técnica cinematográfica.

Temas

• El mundo de lo cotidiano: Los Bravos, de Jesús Fernández Santos.
• La soledad y la incomunicación del individuo: Entre visillos, de Carmen Martín Gaite.
• La visión crítica del pensamiento y la cultura de la época: El Jarama, de Rafael Sánchez Ferlosio.

Tendencias del Realismo Social

Es habitual distinguir dos tendencias dentro del realismo social de los cincuenta, si bien no se puede establecer una división tajante entre ambas:

• La novela social objetivista: tiene como modelo la narrativa conductista americana y como referente el Nouveau Roman francés del que toman el objetivismo en las descripciones, la narración en tiempos simultáneos, desaparición del narrador, técnica cinematográfica, el diálogo, protagonista colectivo.
• El realismo crítico: comparte estos rasgos en muchas ocasiones. Diferencias: una intencionalidad de crítica más explícita: sus personajes suelen ser tipos que encarnan los valores propios del grupo al que representan (obreros explotados, burgueses).

Autores y Obras

Camilo José Cela toma de nuevo la delantera con La colmena, germen de una actitud crítica que luego desarrollarán muchos novelistas. Prohibida por la censura, se trata de una novela de protagonista colectivo, cuya unidad proviene del ambiente de miseria en que viven los personajes. Es un ejemplo de relato objetivista, pues el autor se limita a presentar desde fuera lo que sucede, el tiempo queda reducido a tres días, y el espacio limitado a una zona de Madrid, que simboliza a toda España. El espacio se circunscribe a Madrid y al café de doña Rosa, punto de encuentro de muchos personajes de la novela. El café representa la sociedad española del momento. Se estructura en seis capítulos y un final. Los capítulos se dividen en secuencias simultáneas, narran múltiples historias que describen una problemática colectiva. Juan Goytisolo se considera el autor más importante. Representante del realismo crítico: Juegos de manos. La novela que recibió el Premio Nadal en el 55 y que tuvo gran repercusión es El Jarama, de Rafael Sánchez Ferlosio. El Jarama presenta un argumento sencillo: un grupo de jóvenes va a pasar un domingo de verano al río Jarama. A lo largo del día entablan conversaciones triviales que ponen de manifiesto el carácter de su existencia, hasta que, al final de la novela, se produce un acontecimiento trágico: la muerte de Luci, una de las jóvenes del grupo. En esta novela se manifiestan las características de la novela social objetivista:

• Presencia de un narrador objetivo, como si se tratara de una cámara cinematográfica.
• Concentración espacial y temporal. La acción transcurre en un tiempo y un espacio limitados.
• Acción escasa e irrelevante: el único suceso que rompe la vida de los personajes es la muerte de Luci al final.
• Ausencia de protagonistas individuales.
• Predominio del diálogo, fundamental en la novela.

La Novela Española de la Posguerra (Años 40)

La producción durante la Guerra Civil es escasa y tendenciosa, al servicio de los intereses de cada bando. Son obras de escasa calidad. La contienda provoca un corte muy profundo con la tradición anterior. Al acabar la guerra, buena parte de los intelectuales españoles marchan al exilio o han muerto. Los novelistas jóvenes, al inicio de los 40, se encontraron con un ambiente empobrecido. No hay que olvidar la censura, no solo para los jóvenes creadores, sino para cualquier otra obra del pasado o presente. En estas circunstancias, se desenvuelven los primeros novelistas de la posguerra.

Tendencias en la Narrativa de los 40

• Nacionalista: En la inmediata posguerra hay que hablar de novela nacionalista. Los novelistas quieren dejar constancia de la victoria como una gesta heroica y salvadora. Se ha ocupado el kilómetro seis, de Cecilio Benítez Castro; La mascarada trágica, de Enrique Noguera; Checas de Madrid, de Tomás Borras.
• Tremendismo: Camilo José Cela inicia la corriente llamada tremendismo que se caracteriza por:
  • Los temas son la incertidumbre del destino humano y la dificultad de comunicación personal.
  • La acción presenta situaciones de gran dureza. El destino del hombre se resuelve en una violencia extrema.
  • Los personajes son seres marginados, violentos y oprimidos.
  • Frecuentemente se mueven en un espacio limitado.
  • Predomina la primera persona: el personaje cuenta su vida evocando el pasado.
  • Se utiliza un lenguaje duro.

  La obra que más sobresale es La familia de Pascual Duarte, en la que Cela desarrolla la autobiografía de Pascual, un campesino violento y analfabeto que, desde la cárcel, relata su vida poco antes de ser ajusticiado por el asesinato de su madre.

• Realismo existencial: Se desarrolla paralelamente al tremendismo, novelas que giran en torno a la incertidumbre de los destinos humanos y la ausencia o dificultad de comunicación personal. Sus temas son la soledad, la inadaptación, la frustración, la muerte… Las pueblan personajes marginales, desarraigados, desorientados, angustiados. Es un malestar de raíz social que se muestra desde la perspectiva existencial, su raíz está en el desconcierto que provocan la guerra y sus secuelas. En cuanto a los aspectos técnicos, tienden a la reducción del espacio; los personajes sufren presiones insoportables en un ámbito irrespirable. Los narradores prescinden de artificios estilísticos. La mayoría de los autores derivan luego hacia un enfoque social. Obra clave es Nada, de Carmen Laforet. Ganó el primer premio Nadal (1945) y se considera una de las obras más importantes de este período. Nos muestra, sobre el fondo de Barcelona de posguerra, el doloroso proceso de descubrimiento del mundo de una joven que intenta encontrar su camino. Algunos de los rasgos característicos son:
  • Relato autobiográfico. La narración en primera persona nos presenta los acontecimientos desde la óptica del personaje-protagonista.
  • Espacio cerrado. El espacio en el que se va a desarrollar la acción, el piso de la calle Aribau, es un espacio cerrado y opresivo, símbolo de un mundo hostil en el que la protagonista tendrá que sobrevivir.
  • Personajes. El mundo interior de la protagonista, sus reacciones ante la hostilidad del mundo que la rodea, se convierte en el centro de la narración.
  • Sencillez expresiva. La autora emplea un lenguaje sencillo.

  Nada es la primera novela que presenta el ambiente real de la inmediata posguerra. En primera persona, cuenta la historia de una muchacha que ha ido a estudiar a Barcelona, donde vive con sus familiares en un ambiente de ilusiones fracasadas. Se constata, a través de la protagonista, un estado de miseria, material y moral, con un tono triste.

Análisis del Ensayo «El viaje al poder de la mente»

Se trata de un texto humanístico, concretamente de un fragmento del ensayo El viaje al poder de la mente, escrito por Eduard Punset, publicado el año 2010 y que pertenece al campo de la psicología.

Presenta un esquema expositivo-argumentativo, ya que trata el tema del altruismo como un sentimiento únicamente humano o que también se pueda dar en el resto de animales, y se apoya en argumentos como los ejemplos que defienden que sea un sentimiento compartido (la cooperación) o los que muestran lo contrario (la falta de control de la impulsividad en los animales), así como el ejemplo final de la cita de Hauser.

Las funciones del lenguaje que aparecen son: la representativa (ya que se transmite un mensaje), la emotiva (que vemos en el uso de 1ª persona: tenemos) y la apelativa (ya que se usa la 2ª persona: tú me lo devuelvas).

Como rasgos lingüísticos, debemos señalar:

Plano morfológico:

La subjetividad se ve en el uso de la 1ª persona del singular (te doy, tengo), plural de modestia (tenemos, vemos), pronombres personales (nosotros, yo) y adjetivos valorativos (magnífico, sentimiento compartido, confortable sillón, comportamiento culpable). Aparece la apelación al receptor mediante el uso de verbos en 2ª persona (tú me lo devuelvas) y oraciones interrogativas (¿Empatizar con el dolor?).

La objetividad se ve en el uso de la tercera persona, presente de indicativo y oraciones enunciativas (afecta, ocurre, parecen, se abrazan…) y en las formas no personales (poder, ser, cooperar, capturar, saber…).

Plano léxico-semántico:

El texto está escrito en un registro estándar del castellano, en un nivel formal, y como muestra de ello, aparece un vocabulario abstracto (altruismo, sentimiento, cooperación). Además, se emplean términos propios de la disciplina que trata el texto, la psicología (humanos, altruismo, pacientes, estrés, impulsividad, empatizar…).