El modernismo

A finales del siglo XIX aparece en Occidente el primer estilo netamente burgués, el Modernismo, alejado de todo lo que pudiera identificarse con lo antiguo o lo clásico, adquiriendo un carácter decorativo, integral, funcional y moderno en cuanto a diseño, gusto y materiales, unido todo ello a la libertad creativa.

El Modernismo responde a un deseo de crear nuevo estilo por parte de la nueva clase social que ocupa el poder político y económico, la burguesía.

Se desarrolla en Europa entre la última década del siglo XIX y primera del XX, y no es un estilo homogéneo.

Duración modernismo

Se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque.

• Desde 1880 hasta 1920 que comienza el Art Decó.

La Exposición Universal de París (1900) significó un hito destacado.

Art Nouveau –en Bélgica y Francia–, Jugendstil –en Alemania y países nórdicos–, Sezession –en Austria…

Características

➔ Se emplean nuevos materiales aportados por la industria, fundamentalmente hierro y vidrio que se dejan a la vista y que dan al edificio un gran cromatismo (azulejos, ladrillos vidriados, metales cromados mediante electrolisis, etc.).

➔ Se huye de las formas academicistas, por lo que desaparecen los órdenes arquitectónicos clásicos, las líneas rectas y la simetría.

➔ Se reniega del historicismo como símbolo de prosperidad, renegando de todo aquello que parezca antiguo.

Se utiliza como punto de partida la naturaleza, aunque se presenta de forma muy elegante y estilizada.

➔ Se utilizan temas zoomorfos y vegetales: ramas, tallos herbáceos, zarcillos, lirios, rosas, pájaros, libélulas…

➔ Se prefieren las formas orgánicas, perdiéndose la rigidez y simetría clásicas.

Equilibrio entre la estética y la funcionalidad

➔ Las formas se hacen elegantes y estilizadas, ondulantes y serpenteantes, primando el diseño novedoso.

➔ Búsqueda de la comodidad dirigida a un público burgués.

➔ Hay un gran interés por la decoración, por lo general subordinada a la funcionalidad del edificio, sin interferir en los espacios arquitectónicos.

➔ Las creaciones son exclusivas, huyendo de lo repetitivo, lo tradicional y lo popular, sin escatimar en gastos. Se aceptan los motivos exóticos más refinados.

➔ Se impone el cromatismo, alejándose de la sobriedad academicista.

➔ Se busca una idea de belleza moderna, cosmopolita, exquisita y personalizada.

Influencia del movimiento de las Arts&Crafts

➔ Se presta gran atención al diseño de interiores, que se entiende de manera global, integrado en la arquitectura.

➔ Los complementos adquieren gran protagonismo, perfección técnica y calidad estética. Se busca la personalización y la armonía dentro de una integración total de todas las artes, rechazando la producción masiva y en serie.

Nuevas soluciones técnicas y estéticas

➔ Se huye del pasado ensayando nuevos tipos de arcos (como los de cadena de Gaudí), de fachadas (balcones que sobresalen, uso del vidrio y el hierro en miradores), de soportes (columnas y estructuras de hierro), paramentos (trencadís, losetas de linóleo, etc.).

➔ En artes gráficas se impone la litografía.

➔ Predomina la figura femenina estilizada como motivo decorativo, resaltando sus ondulantes cabellos y la vaporosidad de los drapeados ligeros y flotantes.

Japonismo

➔ La sugestión ejercida por el arte japonés sobre el modernismo y sobre el arte del cambio de siglo en general es genuina y con innumerables facetas. No sólo en las formas, sino también en los temas, la consideración a la función y a los materiales utilizados y al proceso de producción de la época.

La imagen de la mujer

➔ Símbolo de toda belleza, consigue la fusión del erotismo trémulo, la inocencia y la belleza del alma.

El arabesco

➔ Lo abarcaba todo y con él se relacionaron estrechamente todas las aportaciones culturales del fin de siècle (onduladas cabelleras, los lazos ornamentales, los arabescos vegetales son como representaciones de los timbres musicales)

Combinación de lo técnico con lo orgánico

➔ El resultado fueron arquitecturas híbridas; por un lado modernas y prácticas y, por otro lado, adornadas y “maquilladas” con ornamentos.

Revivificación de las épocas artísticas “locales”

➔ Sobre todo el Gótico, en el que parecía garantizada la unidad del arte, la artesanía y la espiritualidad.

➔ También sirven de modelo las muestras de los celtas y los trabajos en vidrio de la antigüedad: puzle de épocas, de culturas, collage de decadentismo e intelecto: modernismo

El modernismo abarca la totalidad de las artes

➔ Arquitectura, escultura, pintura, artes gráficas y artes aplicadas. Es por ello que no puede hablarse de un estilo homogéneo

(soluciones son diversas y en muchos casos divergentes, aunque mantienen en común la búsqueda de una estética propia de los tiempos modernos, la Belle Epoque)

La importancia del cartel

➔ Genuina expresión del liberalismo industrial, en el que destacaron figuras importantísimas para el arte como Ramón Casas, Toulouse Lautrec o Alphonse Mucha.

Este estilo se difunde como moda

Además de la integración en los cada vez más rápidos ritmos de producción y cambio del proceso industrial.

Es el estilo de una rica y refinada burguesía de fin de siglo, la más preparada social e intelectualmente.

> Existen dos tendencias muy generales, aunque no opuestas entre sí:

➔ Variedad decorativa, orgánica o vegetal: se da en casi toda Europa, sobre todo en Bélgica, Francia o Cataluña, basada en el uso de materiales industriales y en formas sinuosas y muy decorativas, con modelos de inspiración en la Naturaleza.

Destacan en esta variedad la obra del belga Víctor Horta, autor de la Casa Tassel en Bruselas, del francés Héctor Guimard, que diseñó las marquesinas de las estaciones del Metro de París y del catalán Antoni Gaudí.

➔ Variedad geométrica: se da en Escocia o Austria, por ejemplo. Esta variedad es muy volumétrica, haciendo hincapié en la geometría y la cuadrícula compositiva y el contraste de colores. Se suelen usar patrones decorativos de carácter geométrico. Destacan la Secession vienesa o Mackintosh, autor de la Escuela de Arte de Glasgow.

ARQUITECTURA

Art Nouveau

El modernismo arquitectónico nace en Bélgica (art nouveau). La ondulación de los tejados y fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado, los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la decoración y de cada elemento arquitectónico y de mobiliario del interior son características de sus obras.

Victor Horta: Ausencia

de referencias a estilos pasados; Uso del hierro como material estructural y expresivo combinado con el vidrio y el placado en piedra; Importancia de las artes decorativas en el diseño de interiores; Espacios fluidos; Formas ondulantes; Líneas látigo; Gran protagonismo de la luz

> En Francia destaca el creador de las estaciones del metro de París (1899-1990), Hector Guimard (1867-1942), en las que el hierro se retuerce en una especie de naturaleza abstracta de la que brotan farolas como flores. Edificios, como el Castel Beranger (1899) o la Casa Coilliot (1900).

Modern Style Escocés

En Inglaterra, el movimiento de Morris, Arts and crafts. Se mantiene activo e influye en sus seguidores ingleses, aunque recelan del exceso decorativo del Art Nouveau.

– Grupo de pintores que participan de las nuevas ideas, del Modern Style. (Escuela de Arte de Glasgow). Entre ellos destaca Charles Rennie Mackintosh (1868-1928). En su obra somete la exuberancia curvilínea del Art Nouveau a una geometrización que se hace mayor a medida que diseña los elementos más estructurales.

En los objetos decorativos pequeños, pinturas y vidrieras, los ritmos curvilíneos tienen cierta presencia, pero en muebles, y sobre todo en la arquitectura, predomina el rigor geométrico.

La sobriedad exterior de sus edificios nos indica, mediante el juego volumétrico, la riqueza y variedad de los interiores. Estos delicados juegos de líneas ortogonales y una amable suavidad cromática proporcionan una perfecta y coherente síntesis que integra la austeridad funcional y el encanto de la fantasía, logro difícil hasta en nuestros días.

En 1897 gana el concurso para la construcción de la nueva Escuela de Arte de Glasgow, la mejor de sus obras.

El edificio presenta una fachada asimétrica en piedra, con una entrada que evoca formas arquitectónicas tradicionales escocesas, y unas grandes cristaleras de aulas enmarcadas en hierro. La sensibilidad de las proporciones y los delicados ornamentos de hierro dan unidad al edificio. En la ampliación individualiza la nueva fachada, que adosa, y realiza un preciosista juego geométrico entre los elementos de la fachada, entre los del interior y entre sí.

—> La Hill House (1902- 1903) de Helensburg, cerca de Glasgow, conserva aún los enseres originales y es la mejor muestra de la combinación que Mackintosh da a la geometría, a lo orgánico y a lo abstracto.

La Secesión vienesa

Un desarrollo separado de los elementos decorativos y de la organización volumétrica de los edificios da lugar a una característica mezcla entre elementos clasicistas en la composición, simplicidad y simetría, y detalles modernistas, naturalistas, lineales y planos en la ornamentación.

Cuando los elementos decorativos desaparecen, esta separación prepara la evolución hacia un elemental esquematismo que se transformará en el protorracionalismo. Las formas cuadradas, la decoración plana y geométrica una simplicidad cromática son características del modernismo austríaco.

—> Otto Wagner (1841-1918) arquitecto que trabaja dentro de las tradiciones académicas, pone en su discurso de 1894, las premisas para la renovación arquitectónica: vincular la arquitectura con las exigencias de la época, contar con las nuevas técnicas y liberarse de la imitación de otros estilos.

Proyecta, junto con su discípulo Olbrich, las estaciones, los viaductos y las oficinas del Metro vienés (1894-1899). Sustituye la decoración ecléctica por las nuevas formas, pero, sin apartarse de la tradición, mantiene los clásicos esquemas compositivos.

—> Joseph María Olbrich (1869-1908) es el más importante y versátil de los arquitectos que se agrupan en el movimiento de la Secesión (1897).

En 1898 construye la Casa de la Secesión. Es un edificio representativo del modernismo vienés. Construcción compacta y geométrica, con un atrio coronado por una decorativa cúpula metálica recubierta por hojas doradas y con un interior perfectamente resuelto para sus, las exposiciones.

Entre 1901 y 1907 construye un complejo de casas, una torre y un palacio de exposiciones en Darmstadt, en los que diseña desde el trazado hasta los objetos menores y consigue nuevos efectos cromáticos con el empleo de muy variados materiales. Es su máximo acercamiento al modernismo, desligado de la simetría de Wagner y el naturalismo decorativo vienés.

—> Adolf Loos (1870 1933) fue uno de los arquitectos europeos más influyentes de finales del siglo XIX y, a menudo se caracterizaba por su discurso literario “Ornamento y Delito” que prefiguró las bases de todo el movimiento moderno.

Considerado por tanto como uno de los precursores del racionalismo arquitectónico, defendiendo una arquitectura libre de todo ornamento, rompiendo con cualquier tipo de influencia historicista.

Introduce un nuevo concepto en sus obras, el “Raumplan”. Un concepto según el cual se adjudica una importancia diferente a cada una de las estancias, a cada uno de los espacios que conforman la edificación. Un dormitorio no ha de tener la misma importancia que una sala de estar; dependiendo de la importancia y cualidad representativa de los diferentes espacios, su tamaño y altura habría de variar en consonancia.

Modernisme

> El desarrollo industrial de Cataluña crea, entre la enriquecida burguesía, un ambiente fácil y sin preocupaciones y un modo de vida jovial y alegre con un futuro prometedor.

> Características del Modernisme, es el acento neogótico de muchas de sus obras, consecuencia del nacionalismo de la burguesía catalana que pretende encontrar en lo medieval un esplendor modélico.

> Los primeros ejemplos del Modernismo catalán datan de 1880, pero tomará cuerpo con la “Exposición Universal de Barcelona (1888).

– Participó en la exposición Lluís Domènech i Montaner (1850-1923), que construiría “El Castillo de los tres dragones», edificio con aspecto historicista, pero plenamente modernista en cuanto a estructura (por el uso de ladrillo y hierro laminado vistos) y decoración (con cerámicas de motivos animales y vegetales y enormes vitrales).

– La mejor obra de Domènech, es sin embargo, el Palau de la Música Catalana (1908). Destacan en él los grandes vanos de cristal, solo posibles gracias a la estructura de hierro. La decoración, la luz y la policromía son explosivas, y se convirtió en uno de los mejores ejemplos de integración de todas las artes en la arquitectura. 

– Otro de los participantes en la exposición de 1888, creando algunos pabellones y colaborando en algunas obras, fue Antoni Gaudí y Cornet (1852-1926), quien a la postre se convertirá en el mejor representante del Modernisme. 

ANTONI GAUDÍ (genio del modernismo en España)

Resumen de las Características de su Obra:

• Desarrolló soluciones nuevas e imaginativas, inspirándose en la Naturaleza y los estudios del pasado

• Sintetiza con maestría la estética, lo tectónico y lo simbólico • Nuevos Materiales en la Decoración (cerámica, hierro forjado, ladrillo, vidrio…)

• Integración de las Artes Aplicadas (Artesanía). Importancia a los detalles

• Formas Orgánicas

• Gran Cromatismo/Sentido Plástico/TRENCADÍS

• Improvisador. Maquetas antes que planos

• Sentido simbólico de sus creaciones. Muy religioso

• Influenciado por Viollet le Duc

ELEMENTOS ESTRUCTURALES NOVEDOSOS:

Arcos catenarios y parabólicos; Bóvedas paraboloides e hiperboloides, tabicadas con ladrillo; Pilares inclinados y ramificados; Dobles cubiertas ondulantes; Transforma chimeneas y conductos de la ventilación en esculturas; Planta Libre: Triunfa la asimetría; Grandes aberturas al aire y a la luz; Utilización de la piedra

EL CARTEL MODERNISTA

El cartel es un anuncio publicitario donde se fusiona pintura y mensaje escrito.

Dos factores determinantes:

• La aparición de la figura de Jules Chéret (1836 – 1933)

• Las mejoras técnicas en la impresión litográfica. Desde entonces La publicidad y la ilustración se han ido transformando por las nuevas herramientas y formas de expresión.

– Los profundos cambios que introduce la Revolución Industrial (urbanísticos, económicos y estéticos) y el triunfo de la burguesía. El auge de las ciudades, la vida en la calle, y el rápido crecimiento económico hacen que a mediados del siglo XIX se generaran nuevas necesidades publicitarias y el cartel resultaba el medio más económico y rápido para alcanzar a una gran cantidad de personas. 

Mejores cartelistas de finales del siglo XIX, considerados los padres de la publicidad moderna y los que convierten en Arte el cartel son: Henri Toulouse -Lautrec, Jules Chéret, Alfons Mucha y Leonetto Cappeillo. 

> El estilo Art Nouveau parecía haberse originado para adecuarse al cartel: 

• arte de superficies

• relieves sugeridos por el dibujo

• simplificación del motivo

• asunto rápidamente inteligible

• siluetas englobadas en una mirada.

> Así pronto el cartel ilustrado fue considerado por los artistas como un gran campo experimental y atractivo

CARACTERÍSTICAS DEL CARTEL MODERNISTA

> Concepto visual: Uso de flores y plantas para dar la idea del movimiento en la naturaleza, en algunas ocasiones se utilizan insectos como mariposas y arañas para dar más dinámica a la forma.

> Uso de la forma: Estilizadas y ondulantes, jamás líneas rectas. Las mujeres se pintan altas y flacas, con el pelo en movimiento, «como simulando la acción del viento».

> La magia del color: Se usan de preferencia el contraste entre el negro y los tonos pastel. Se utiliza el amarillo o el azul para acentuar las formas.

> Belleza funcional: La influencia de la revolución industrial estimuló a que la gente quisiera tener este tipo de arte en su casa, y de ahí se deriva su función decorativa.

Las características del «ART NOUVEAU» es la ausencia de toda línea recta y de cualquier ángulo derecho.

Son las líneas curvas que se deslizan al infinito, los volúmenes inflados o más delgados, la naturaleza que sirve de modelo, las formas ornamentales imitando las flores, las hojas, las líneas vegetativas torcidas que dan una impresión de agilidad y de encanto.

Los motivos usualmente representados eran las azucenas, orquídeas o iris, las plantas y hojas orientales como el papiro o las palmeras.

Los animales fueron estilizados pero sobre todo los insectos y los pájaros con bellos colores como la libélula, el pavo real, el cisne, las golondrinas, pero, y sobre todo, el cuerpo femenino de formas redondas y con sus largos cabellos ondulados como suaves olas.

El asunto principal de los carteles hacia 1900, fue la mujer, el “eterno femenino”: sus ropas, sus modales, las sonrisas, etc, pero poco importaba lo natural, era teatro, una sofisticación, con predomino de la afectación.

Chéret

Nació en Francia en 1836 y comenzó a trabajar en Londres, ilustrando catálogos y cubiertas de libros. Entra en contacto con Eugene Rimmel, un fabricante de perfumes que avanzó a Chéret el capital necesario para montar su propio taller en París.

Chéret revolucionó el sector con sus coloridos anuncios, ilustrados con figuras femeninas en su mayoría y dotados de un atractivo nunca visto hasta el momento en la publicidad. Fue el primero en utilizar a la mujer como reclamo comercial. 

También la litografía supuso un salto cualitativo y cuantitativo en la producción cartelística. Por una parte, permite la impresión en varios colores con mayor facilidad y menor coste que la tipografía y la evolución de los moldes (primero en piedra caliza y más tarde en zinc) permiten que el trazo del artista se plasme sin pérdidas. 

Alfons Mucha (1860 -1939)

> Polifacético artista, pintor, decorador y cartelista. Es considerado uno de los mayores representantes del Art Nouveau, pionero del merchandising y precursor de la publicidad moderna.

> Sus creaciones no se limitaron exclusivamente al diseño de carteles, abarcó muchas y diversas modalidades: pinturas murales, fotografía, litografía, billetes, joyas, cerámicas…

– Creo un estilo propio caracterizado por utilizar formatos muy verticales y composiciones cuidadosamente elaboradas que vienen enmarcadas por elementos geométricos de origen oriental y bizantino (columnas, arcos…).

– Utilizaba elementos naturales y orgánicos que le ayudaban a equilibrar tensiones mediante lineas y formas curvas y dotan de un aspecto exótico y exuberante a la obra.

– Crea atmósferas de gran misterio repletas de elementos teatrales y alegóricos. Es habitual la utilización de la figura femenina que actúa a modo de reclamo publicitario, estas icónicas mujeres son generalmente jóvenes seductoras de larga melena y sofisticadas vestimentas que ejercen un gran poder de atracción sobre el espectador

Henri Toulouse Lautrec (1864- 1901)

> Litógrafo, pintor y cartelista francés natural de Albi, destacó por su habilidad para retratar la vida nocturna parisina. Eleva la técnica de la litografía a categoría de arte y ayuda a establecer la función de medio directo que tiene actualmente el cartel publicitario. Como impresor litográfico su aportación fue de gran importancia, realizó innovaciones en tamaño, color y forma.

> Importantes locales como “Moulin Rouge”, “Le Chat Noir”, “Moulin de la Galette”… (constituyen uno de los puntos clave en la obra del artista, servían como refugio para Henri).

– El pintor impresionista Edgar Degas, a el que guarda una profunda admiración y del cual recibe un gran influjo.

– Toulouse-Lautrec termina perdiendo el interés por la representación de paisajes tan propia del impresionismo y se centra en representar la vida que transcurría en los locales nocturnos parisinos.

– Se distinguía por su habilidad de observación que le permitía captar la psicología y actitudes de los personajes a los que representaba, exageraba los gestos y caricaturizaba el aspecto y semblante de sus modelos para acentuar así su expresividad. 

LEONETTO CAPPIELLO

> Es el padre de la publicidad moderna. Sus carteles fueron los primeros en anticipar un enfoque más moderno al diseño del cartel.

> Desarrolló una visión perspicaz en el poder enorme de comunicación eficaz, y es autor de algunos carteles con características del cartel moderno, donde se observa la utilización del arabesco para atraer, retener y subsistir en la memoria del observador.

> Influenciado fuertemente por Cheret y Toulouse-Lautrec, Cappiello rechazó el detalle quisquilloso del Art Nouveau. En su lugar él se centró en crear una imagen simple, a menudo chistosa o extraña, que cautivaría inmediatamente la atención y la imaginación del espectador callejero.

El Esquema estructural de sus carteles era extremadamente simple:

– Una figura tratada pictóricamente con brillantes colores.

– Sobre un fondo aislante intensamente oscuro y liso.

– En sus carteles el sujeto no tiene nada que ver con el objeto (posteriormente empezará a vincularlos).

– Los protagonistas de sus carteles eran principalmente duendes, payasos y mujeres bailarinas y alegres, de aspecto liberal.

El cartel en España

– Anglada Camarasa (1871-1959): influenciado por Toulouse , Klint y por los ballets rusos de Diághilev,con Nijinski y la Paulova. Gran cartelista e ilustrador

– Santiago Rusiñol (Barcelona1861-1931), fundó en Sitjes el taller -museo «Cau Ferrat». Gran Cartelista

– Ramón Casas ( Barcelona1866-1932): el Cheret catalán. Es figura clave del modernismo.

> En sus trabajos sintetiza lo que han de contener los carteles publicitarios: composición sencilla, con una línea expresiva que cierra grandes masas de colores brillantes destacando sobre un fondo de color uniforme.

> Los carteles de Anís del Mono, Codorniu y Cigarrillos París son tres ejemplos de trabajos premiados en los que se muestra el valor comunicativo del artista, su magnífico uso del dibujo y el color, la sencillez del mensaje, así como la utilización de la mujer en el ámbito de la publicidad.

– Alexandre de Riquer i Anglada fue una de las figuras más importantes del modernismo catalán.

Gran influencia de prerrafaelistas y la pintura japonesa en su obra.

Destacó  como diseñador gráfico, con gran dominio del dibujo. Influyó en la estética modernista, siendo el autor de algunas de las imágenes gráficas más representativas del modernismo catalán. Hizo carteles, aguafuertes, ilustraciones en libros y revistas, diplomas, postales…

Los mejores carteles de Riquer se caracterizan por la decoración simbólica, por la técnica japonesa del formato muy alargado y por la disposición de los colores en manchas sin relieve, separadas por líneas espesas, de tonalidad cromática apagada, muy armónica.

Aparece, como elemento central, la figura femenina acompañada habitualmente de formas curvas, junto a representaciones de elementos naturales, básicamente vegetales.

Los motivos que aparecen en los carteles transmiten una imagen de vitalidad que exalta la juventud, la vida, la representación de lo positivo: el sol naciente, la alegría. 

MOBILIARIO MODERNISTA

A pesar de ser una reacción contra el historicismo, los diseñadores buscaron inspiración en estilos del pasado, como el gótico, el barroco o el rococó y en culturas exóticas, como Japón.Se utilizaron materiales tradicionales, como la madera y la piedra, pero también el acero y el cristal, habituales en la decoración de interiores. Se emplearon tanto maderas nobles como maderas de carácter exótico y con la aplicación de minuciosos trabajos de marquetería, la madera toma formas extravagantes.La principal innovación fue la búsqueda de homogeneidad de estilo, abarcando los más mínimos detalles decorativos, como lámparas, tapizado, picaportes, vasijas cerámicas…
ESCUELA DE NANCYEn Nancy las afinidades entre el rococó y el Art Nouveau se hicieron más evidentes en la decoración de interiores.La Escuela de Nancy, constituida en torno a Émile Gallé, Antonin Da um y Louis Majorelle en 1901, trabajó en una vertiente plenamente naturalista, con fuertes dosis de simbolismo literario.EMILE GALLE– Sus tipologías de muebles son las tradicionales, principalmente basadas en los estilos Luis XV y XVI, pero cambió la estructura sinuosa y la abundancia de motivos florales y animales, como libélulas y mariposas.
– La ornamentación aparece tallada o incrustada, aplicando diversos materiales (nácar, vidrio) o maderas exóticas, como el ébano, mediante procedimientos de marquetería.Gallé también destacó en la producción de vidrio. En sus trabajos iniciales usó un cristal limpio adornado con esmaltes, pero pronto se decantó por un original estilo mediante el uso del cristal pesado y opaco tallado o grabado al aguafuerte con motivos florales. Continuó incorporando técnicas experimentales en su trabajo, como el uso de burbujas de aire o láminas de metal y revitalizó la industria del vidrio, creando un taller propio para producir en masa diseños propios y de otros artistas. Su fábrica llegó a emplear 300 trabajadores y artesanos.La intención de Gallé siempre fue que todo el mundo pudiese tener una pieza de gran belleza en su casa, de nuevo, el arte para todos. Llevó a cabo la fabricación de vasijas en serie para clases menos pudientes, sacrificando parte del diseño en función de la rentabilidad artistica. Trabajó todas las técnicas del vidrio opalescente.
Sus mayores aportaciones son:> La técnica de marquetería de vidrio: insertar en la masa vitrea, aún en estado pastoso, fragmentos de vidrio de espesores, de formas y de coloraciones variadas. Combinada con una superposición de capas, la marquetería de vidrios permitía al vidriero un enriquecimiento ilimitado de su paleta.

> La reinvención de la técnica del camafeo. Transformó los jarrones realizados con dos capas de vidrio en composiciones multicapas, incluso cinco, sobre las que empleó combinaciones de cortado, tallado a mano y grabado a la rueda o al ácido, para dar vida a diseños orgánicos, fluidos y equilibrados que expresaron su aprecio por el mundo natural.ESTADOS UNIDOS> Louis Comfort Tiffany destacó por su trabajo en vidrio coloreado, aunque también en pintura, arquitectura, diseño de interiores y diseño de joyas.> Sus obras van desde lámparas hasta techos y tragaluces diseñados hermosamente en distintos espacios arquitectónicos. El término que Tiffany usó para denominar su estilo se llamó Favrile, derivado de la palabra francesa usada para referir a objetos hechos a mano.> Gran parte de la producción de su empresa eran vitrales para ventanas y lámparas, aunque también toda una completa gama de objetos de decoración para interiores.> Sus formas asimétricas, diseños florales y colores vividos iridiscentes representan el climax del Art Nouveau.

Joyas Modernistas. René Lalique y Lluis Masriera

Las joyas alcanzan gran protagonismo en el Modernismo por las formas decorativas, la utilización de piedra semipreciosas, por la inspiración en la naturaleza y por la influencia del arte japonés. Los dos focos más importantes fueron París y Bruselas.

El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la naturaleza como la principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas.El interés generalizado en el arte japonés y el entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería, fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación.En los dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas, particularmente en los diamantes por lo que la preocupación principal de joyero consistía en proveer un marco adecuado para su lucimiento.Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas.René Lalique (1860-1945). EL PADRE DE LA JOYERÍA MODERNA. > René Lalique es un artista francés de principios del Siglo XX. Le llamaron “el inventor de la joyería moderna”, porque Lalique se atrevió a incluir nuevos elementos y formas en una época en la que la alta sociedad se adornaban sólo con las mejores piedras preciosas. > Las piezas de Lalique eran atrevidas, luminosas y diferentes. Era un gran observador de la naturaleza y un amante de la figura femenina, que también replicaba en sus obras.
> El estilo de Lalique se caracteriza por inspirarse en la naturaleza creando formas de gran elegancia y delicadeza. Se inspiró en el arte japonés para diseñar los broches de libélulas. Revolucionó el mundo de la joyería al dar prioridad a las formas escultóricas y a la introducción de materiales como cristales, mosaicos, marfil, piedras semipreciosas y sus característicos esmaltes opalescentes (gama de colores del azul al verde).> Otra de sus señas de identidad es la presencia de la mujer metamorfeada en partes de insectos y el mundo animal: libélulas, mariposas, insectos, pájaros, seres fantásticos… > Le debemos a René Lalique la popularización del cristal. Hasta entonces era un material caro y estaba reservado para las clases más pudientes. Lluís Masriesa– La firma Masriesa es una de las más prestigiosas del mundo joyero. Empezó a hacer sus propios diseños hasta convertirse en el joyero del Modernismo catalán y uno de los principales representantes de la joyería del Art Nouveau, logrando renombre internacional.– Creó la técnica de esmaltado Barcelona y moldes que aún se conservan. Sus joyas tienen un singular carácter decorativo, desde temas simbolistas, hasta joyas plagadas de ninfas, flores y libélulas. Hizo Colgantes, pulseras, pendientes, broches, peinetas, cuberterías, juegos de café, etc. Trabajaba el oro, plata, marfil, pero lo más apreciado son sus esmaltes