Podemos definir el diseño como un proceso de análisis, creación y desarrollo de productos para su fabricación en serie. Su finalidad es cubrir las necesidades funcionales y estéticas de la sociedad.

BRUNO MUNARI define al diseñador como un proyectista dotado de sentido estético donde

FORMA Y FUNCIÓN son conceptos recíprocos en todo diseño.

-DISEÑO GRÁFICO: 

Diseño Editorial: revistas, periódicos, folletos…

Diseño Publicitario: anuncios, carteles, vallas…

Identidad Corporativa: anagrama, imagotipo, logotipos, símbolo, emblema, marca….

Señalética: orientación espacial.

Diseño de interfaz entre persona – ordenador: páginas web, iconos de escritorio….

Tipografía.

-DISEÑO INDUSTRIAL: Diseño Objetual, Packaging

-DISEÑO AMBIENTAL

Interiorismo, Jardinería, Urbanismo. Escenografía, Escaparatismo, Maquetas.

Tema: 4. Principios Básicos Del Diseño Gráfico: Fundamentos De Diseño Gráfico.

Vamos A Destacar Cuatro Principios Básicos Del Diseño Gráfico, Donde La Composición Tiene Que Ser Muy Organizada. Comprende Dónde Comenzar A Leer El Mensaje Y Cuándo Acabarlo. También Es Necesario Organizar El “Espacio En Blanco” (“Espacios Vacíos”) Para Crear La Unidad Compositiva Dentro De Una Interrelación Entre Los Elementos Formales.

A.- Contraste: Atracción Visual. Relacionado Con La Ley De Jerarquía. Para Crear Contraste Debemos Centrarnos En Un Punto Focal, Un Elemento Que Tenga La Fuerza Predominante, Haciendo Que Los Demás Elementos Se Sometan A Su Jerarquización.

B.- Repetición: Repetir Elementos Visuales Del Diseño En Una Composición (Colores, Formas, Texturas, Relaciones De Espacio…). 

C.- Alineación: Cada Elemento Debería Tener Alguna Conexión Visual. Se Trata De La Disposición Coherente De Los Elementos Según Su Función. Búsqueda De Contrapesos Visuales En La Composición. 

D.- Proximidad: Elementos Relacionados Entre Sí Deberían Estar Agrupados Juntos (Unidad Visual). Ayuda A Organizar La Información, Reduce El Recargamiento Y Ofrece Una Estructura Clara.

TEMA:5 “ELEMENTOS DEL DISEÑO GRÁFICO: SINTAXIS Y MORFOLOGÍA DE LA IMAGEN”.

Toda imagen se somete a unas reglas. La gramática de la imagen, conforma ese conjunto de reglas que definen cuáles son sus elementos constitutivos y de qué manera pueden combinarse entre sí para que la imagen tenga algún sentido y cumpla con su función.

Estamos hablando de una sintaxis del lenguaje visual de la imagen donde los estudios de la Gestalt han aportado valiosos estudios y experimentos en el campo de la percepción visual. 

ALGUNAS LEYES DE LA GESTALT:

1.- Ley de la Pregnancia o de la buena forma:
Nuestro cerebro intenta organizar los elementos que percibe de la mejor forma posible, incluyendo la perspectiva, el volumen, la profundidad… El cerebro prefiere aquellas formas integradas, completas y estables. 

2.- Ley del Cierre: nuestra mente añade los elementos faltantes para completar una figura. Existe una tendencia innata a concluir las formas y los objetos que no percibimos completos, cerrando formas..

3.- Ley de la Semejanza: nuestra mente agrupa los elementos similares en una entidad (en forma, tamaño, color, etc). Conexión entre cosas parecidas. Relacionamos unas cosas con otras, los elementos similares tienden a ser percibidos como unidad. 

4.- Ley de la Proximidad: los estímulos más próximos serán percibidos como integrantes de una figura independiente pero siempre percibidos como parte de la misma unidad compositiva, en su totalidad. Agrupamiento de forma parcial o secuencial de elementos que gestiona nuestra mente, basándose en la distancia. 

5.- Ley de la Simetría: las imágenes simétricas son percibidas como iguales, como un solo elemento, en la distancia. 

6.- Ley de la Continuidad: los elementos que mantienen un patrón o dirección tienden a agruparse juntos. Percibir elementos continuos aunque estén interrumpidos entre sí. Relación de elementos que llevan un orden y van guiando nuestra mirada por su seguimiento. 

1.- EQUILIBRIO Y DISTRIBUCIÓN DE PESOS:

La influencia psicológica y física más importante en el ser humano es la necesidad de equilibrio. Visualmente es la referencia visual más firme y la base de sus juicios visuales. Siempre habrá una base intuitiva y reflexiva a la hora de componer imágenes de manera coherente. El equilibrio y la estabilización procede de la relación entre un eje vertical y otro horizontal (imaginario). La falta de equilibrio es un factor desorientador, complejo e inesperado ya que nuestra mente necesita de ese equilibrio visual.

Culturalmente, la preferencia de nuestros ojos y cerebro es iniciar la exploración de la imagen de izquierda a derecha y de arriba abajo. El peso visual hace referencia a la cantidad relativa de atracción visual. La posición, el tamaño, la forma, el valor, el color y la textura de los elementos determinan su contribución en el peso visual. Así, una forma grande es más pesada en comparación con una forma más pequeña. El negro puede pesar más que el blanco. Los tonos brillantes pesan más que los apagados.

Podemos conseguir balancear una imagen a través de la simetría y ver una distribución igual de peso en cada lado. También podemos balancear la imagen de manera asimétrica mediante pesos y contrapesos.

Es necesario hablar de dos tipos de composiciones:

-Composición clásica/Estática donde los elementos de izquierda y derecha son iguales pero resulta aburrida, estática.

-Composición Libre/Dinámica donde los elementos de izquierda y derecha son diferentes pero aportan movimiento. Composiciones asimétricas pero equilibradas ya que el peso físico no es igual que el peso visual. Nuestro cerebro necesita llamadas de atención.

2.- EL PUNTO: es la unidad más simple y mínima de la comunicación visual. Un punto será una marca, una referencia que llamará nuestra atención. Cuando está sólo tendrá un enorme poder de atracción. Dos puntos sería una herramienta para la medición del espacio en una imagen. Cuando se combinan dos puntos se crea gran tensión porque nuestros ojos van de un punto al otro punto. Los puntos individuales tenderán a conectarse y podrán dirigir nuestra mirada. Está definido por su forma (generalmente circular)

3.- LA LÍNEA: cuando los puntos están tan próximos entre sí que no pueden reconocerse individualmente aumenta la sensación de direccionalidad y la cadena de puntos se convierte en una línea. La línea puede definirse como un punto en movimiento. Tiene una dirección y sirve para algo: es funcional. 

Las líneas pueden ser rectas, curvas o angulares. Pueden guiar los ojos del espectador en una dirección. Puede ser una cualidad específica: ser delicada o fuerte, suave o quebrada, delgada o gruesa, regular o variable, etc. También hay que tener en cuenta que la suma de líneas da lugar a texturas. 

-Línea recta: define el camino más corto entre dos puntos.

-Línea recta horizontal: expresa equilibrio, calma…

-El cuadrado: es una figura muy estable, asociada a conceptos como estabilidad, permanencia, equilibrio… La figura derivada del cuadrado por modificación de sus lados es el rectángulo. Asociado a la horizontalidad y verticalidad.

-Línea recta vertical: sugiere elevación, movimiento, ascendencia… Combinadas, las líneas horizontales y verticales en una composición, sugieren una concepción formal de orden y estabilidad.

-Línea oblicua: expresa tensión, inestabilidad…

-Línea curva: es la más libre y dinámica de todas.

-Línea irregular: crea un efecto dinámico.

4.- EL CONTORNO O FORMA: la línea describe un contorno. Hay tres contornos básicos en las artes visuales: el cuadrado, el triángulo y el círculo. Cada uno de ellos tiene sus rasgos específicos y únicos y se le atribuyen significados.

El contorno o perfil general de algo es una forma: es un área configurada o delimitada en una superficie de dos dimensiones

-El triángulo: es menos estático que el cuadrado por la angularidad de sus lados que puede permitir un movimiento ascendente o descendente. Conceptos de tensión, acción… Asociado a la horizontalidad y diagonalidad. 

-La circunferencia: es la forma más enigmática de todas. Su direccionalidad es la curva, asociada al movimiento. Los contornos derivados de la circunferencia son el óvalo y el ovoide, aún más dinámicos. Todas estas formas curvas se asocian a la idea de infinito, calidez y protección.

También hay que hablar de contornos orgánicos formados por curvas libres. Son contornos muy abundantes en la naturaleza y sugieren fluidez. Muy utilizados en pintura.

5.- DIRECCIÓN: todos los contornos expresan tres direcciones visuales básicas: el cuadrado, la horizontal/vertical; el triángulo, la diagonal; el círculo, la curva. La dirección diagonal es la fórmula visual más provocadora, transmite idea de movimiento y dinamismo. Los ejemplos anteriores son aplicables para este apartado de la direccionalidad.

6.- TEXTURA: es reconocida a través de la vista y el tacto aunque es una cualidad abstracta, añadida a la forma concreta para personificarla y distinguirla entre las demás. Cualidad diferencial que ayuda a distinguir y reconocer los objetos. La textura emula visualmente las sensaciones que provoca el tacto, el contacto con los materiales. Así, una superficie lisa y uniforme produce una sensación limpia, cuidada… una textura rugosa, irregular, produce dinamismo, movimiento…

La realización de texturas en el diseño tiene dos papeles destacados: uno funcional y otro estético. Además tiene una función práctica  para conseguir resaltar la forma de los objetos.

7.- ESCALA: se establece mediante el tamaño relativo de los elementos que componen la imagen. Un punto grande es pequeño al lado de otro más grande.  Por lo general, el factor de escala más decisivo es la medida de la persona. Todo va en función del tamaño medio de las proporciones humanas.

8.- RITMO: consiste en la repetición de un patrón regular. Seguir una secuencia de elementos visuales distribuidos según intervalos prescritos. Muchos factores contribuyen a establecer el ritmo: color, textura, relaciones entre figura y fondo…  

9.- VOLUMEN Y DIMENSIÓN: un objeto gráfico que abarca un espacio tridimensional posee espacio y volumen, es decir, tiene anchura, altura y profundidad. En la imagen no tenemos un volumen real porque el motivo tiene una representación en dos dimensiones. Podemos hacer diseño plano o podemos crear una impresión de profundidad, de dimensión, de volumen, en nuestra imagen. 

10. RELACIÓN ENTRE FIGURA Y FONDO: también conocido como espacio positivo y negativo, es un principio básico de la percepción visual y hace referencia a la relación de formas o figuras respecto al fondo en una superficie de dos dimensiones. La mente separa los elementos gráficos que percibe como figura.

Tema 6: “Principios Estéticos De La Composición Aplicados A Diferentes Formatos”.

Los principios de la composición ya eran dominados por los griegos, y son los siguientes:

1.- UNIDAD: el principio de la unidad establece dos normas: la primera es la existencia de un punto máximo de interés. Esto nos lleva al mismo asunto básico, la SIMPLICIDAD. Aunque un lienzo esté compuesto por muchos elementos, todos ellos deberán tender a una misma finalidad o dirección intencional. Con ello se logrará simplificar su significado inmediato.

La otra norma es el límite interno del marco. Esto quiere decir que dentro del cuadro, los elementos interiores estarán dispuestos en relación al rectángulo del soporte, 

2.- VARIEDAD: variedad no quiere decir multiplicidad, sino más bien una manera nueva de mostrar el tema principal con la precisa intención de evitar la monotonía.

La primera norma de variedad será evitar que el punto de máximo interés quede en el centro del cuadro. El desplazamiento hacia un lado o hacia arriba o abajo tiene que estar muy bien contrapesado con los demás elementos para buscar el equilibrio visual.

3.- SECCIÓN ÁUREA: La sección áurea puede definirse como la división del todo en dos partes, de tal modo que la parte menor es la mayor lo que la mayor es al todo. Esta proporción viene a ser siempre de 5/8.

4.- LOS CUATRO PUNTOS FUERTES: si en un rectángulo cualquiera se trazan estas proporciones sobre un lado mayor y un lado menor, y por los puntos obtenidos se trazan líneas paralelas a los lados, se logran cuatro puntos que señalán la sección áurea en el interior del rectángulo. 

5.- EL FORMATO: el formato dependerá del tipo de soporte que utilicemos para plasmar en ella nuestra composición gráfica.

El formato horizontal es el más natural y común porque se ajusta más a la visión humana. Tendemos a ver en horizontal, no en vertical (aunque las composiciones verticales sean más dinámicas y nuestra mente requiere llamadas de atención, de ahí su uso en Arte y Diseño). También solemos leer en nuestra cultura o examinar las imágenes en horizontal, de izquierda a derecha. Un rasgo de las páginas de proporciones verticales es que la separación de los dos extremos parece mucho mayor que cuando la mitad es horizontal.

El formato cuadrado es el más simétrico, por lo que tiende a resultar más estático desde el punto de vista de la composición. Hay pues que dinamizar la imagen a través del contenido. Podemos aplicar la regla de los tercios y ubicar el motivo principal en uno de los puntos fuertes con independencia del formato.

El formato circular, recuperado por el Renacimiento italiano, hace concentrar la mirada hacia el centro. Es un formato muy dinámico aunque componer en este formato no es fácil.

tema: 7 “tipografía:
Arte y técnica de comunicar mensajes”.

 “TIPOS” que significa “molde” que podría aludir a “escribir”. Podemos definir tipografía como el arte y la técnica de crear y componer tipos para comunicar un mensaje. También se ocupa del estudio y clasificación de las distintas fuentes tipográficas.

Desde el punto de vista histórico, la tipografía tiene relación con el diseño de los alfabetos de las diferentes culturas, pero también con el desarrollo de la imprenta.

Dentro de los diferentes tipos de diseño comentamos desde el punto de vista de los componentes del mismo  que podía hacerse diseño sin el uso de tipografía y aun así transmitir un mensaje. Sin embargo, lo más habitual es que el diseño se sirva de la palabra y de la tipografía para ayudar a transmitir un mensaje.

Tenemos que considerar, en todo caso, que los textos además de aportar el significado lingüístico, consiguen que cada letra sea un elemento gráfico que también aporte una información determinada gracias a las tipografías. Los tipos también podrían considerarse como una figura sobre un fondo, es decir, no deja de ser un elemento gráfico, usadas como imagen, y cuestiones como forma, color, tamaño, posición, etc; transmitiendo unas impresiones determinada.

1) diferencia entre familia, fuente, estilo y tipo:

Debemos aclarar en primer lugar algunas cuestiones sobre el vocabulario, extenso y a veces confuso, del mundo de la tipografía.

Llamaremos familia de tipos al conjunto integrado por los caracteres del alfabeto diseñados bajo unos mismos criterios de coherencia formal (ej.Times New Román, Helvética en todas sus variantes, Rockwell, etc). La familia tiene una personalidad propia, dada por el diseñador, que se plasma en la multiplicidad de detalles formales y gráficos que las hacen reconocibles entre todas las familias de tipos.

Fuente es cada variante diseñada de una misma familia de tipos (ej. Dentro de la familia de tipos Helvética tenemos las fuentes Helvética Light, Helvética Light Italic.)

El estilo es una referencia muy general al conjunto de las carácterísticas formales. Son estilos: redonda, cursiva, itálica, negrita, fina, expansiva, condensada, etc. Y se puede aplicar a cualquier carácter de cualquier familia y fuente.

2. Partes de la letra: criterios para una categorización

A) primera clasificación básica:

una primera clasificación muy básica de las tipografías sería la que distingue tipografías con serifa o remate (serif) y tipografías sin serifa o remate (sans serif). Los tipos serif tienen remate de la letra, el resalte decorativo que distingue a unas de otras. Los tipos sans serif son los tipos sin remate, también llamados de palo seco, sin detalles decorativos en sus terminaciones

estructura de la letra:

puntos principales en las líneas de referencia que se respetan en la construcción de cada una de ellas. (

B) formatos digitales de tipografía:

Existen distintos aunque exploraremos los tres más utilizados debido a su compatibilidad con la mayoría de sistemas operativos:

1.- PostScript Type 1: primer estándar desarrollado por Adobe en los años 80

2.- TrueType: respuesta de Apple para competir con Adobe

3.- OpenType: una evolución de TrueType desarrollada por Microsoft y Adobe. Presentada en 1996, también es compatible con los sistemas de Apple y Microsoft.

3) Categorías de fuentes:

Hoy en día existen miles de tipografías distintas, la mayoría pueden incluirse dentro de una de las seis categorías o grupos:

1.- Oldstyle: basada en la caligrafía de los escribas (pluma de punta de cuña en la mano). Son serif y los remates de las minúsculas siempre están en ángulo. Los trazos curvos tienen una transición de grueso a fino.

2.- Modern: tienen serifa pero son horizontales y delgadas. Estructura sería, transición grueso-fino. Tiende a la verticalidad, aspecto frío y elegante.

3.- Slab Serif (Serifa Slab o Egipcia): con la Revolución Industrial y la Publicidad los anunciantes tendieron a utilizar tipos de fuentes modernas y ensancharon los trazos gruesos. Tendencia vertical. No tienen casi Transición grueso-fino. Muy utilizada en libros infantiles por su aspecto claro y directo. 

4.- Sans Serif: “sans” significa “sin” en francés. No tienen remates en los extremos de los trazos. Es “de un solo peso”, lo que quiere decir que visualmente no existe transición grueso-fino en los trazos, las letras son igual de gruesas en todo el trazo. Ej. Helvética, Arial, Óptima o Avant Garde.  Cada una de las familias de las sans serif tiene una amplia variedad de pesos, desde el light hasta el extra black. 

5.- Script: la categoría script parece escrita con una pluma o pincel caligráfico, o con un lápiz

6.- Decorativas: es el gran cajón desastre en el que entran todas las anteriores. Son divertidas, distintas, fáciles de utilizar.