caminante de un mar de nubes 1817 Friedrich. En el Romanticismo se puso muy de moda pintar paisajes. Paisajes que mostraran las fuerzas de la naturaleza: tormentas, nieblas, vientos, lluvias, nieves… Era lo que estos tipos llamaban “lo sublime”, y quería ser un reflejo de lo que el artista sentía por dentro, como mostrar las emociones, y cuanto más extremas, mejor. Un paisaje tanto exterior como interior. Friedrich fue uno de los gurús de este concepto de “lo sublime”. Aquí vemos al típico tío de espaldas del artista (aunque bastante más grande), seguramente con cara de alucine al contemplar el paisaje montañoso cubierto de bruma. El pintor probablemente acertó al eliminar la línea del horizonte fundíéndose con el cielo. Así da una sensación de más inmensidad. Los colores contrastan, tonos oscuros y claros se mezclan, las nubes y los acantilados rocosos. El personaje se sitúa en el centro, es el protagonista, que observa con una pierna flexionada y la otra en tensión. El caso es que esto permite tanto identificarnos con este caminante (o su soledad y aislamiento) como no quitarle el protagonismo al paisaje. Este cuadro de Friedrich es, en definitiva, el paradigma de la gran idea ROMántica: ese instante en el que el hombre se siente sobrecogido por la belleza, natural o espiritual. 
10. Comenta obra de Friedrich con contexto histórico. El caminante sobre el mar de nubes es un conocido cuadro del pintor ROMántico alemán Friedrich, que fue realizado en 1818. Es óleo sobre tela. Obtiene todas las carácterísticas del Romanticismo cultural. Friedrich fue un pintor paisajista del Romanticismo alemán del Siglo XIX, generalmente considerado el artista alemán más importante de su generación. Friedrich maduró en una época en la que crecía la desilusión en toda la clase media europea, dando lugar a una nueva apreciación a la espiritualidad, trató de representar la naturaleza como una ‘’creación divina’’. Es conocido por sus paisajes de cielos nocturnos, nieblas matinales, árboles estériles o ruinas góticas. Su interés primario como artista era la reflexión de la naturaleza y su trabajo, a menudo simbólico y anticlásico, intenta dar una respuesta subjetiva y emocional al mundo natural. Las pinturas de Friedrich establecen la presencia humana en una perspectiva disminuida en contraste a extensos paisajes, el espectador dirige la mirada su dimensión metafísica. Los trabajos que Friedrich realizó le dieron fama muy temprano en su carrera.

Capricho 43, el sueño de la razón produce monstruos. Goya es el mejor grabador de la historia del arte español, junto a Ribera. A través de sus estampas, especialmente con los Caprichos, realizará una interesante crítica a la sociedad española de la Ilustración.  El artista ha utilizado un aguatinta de dos tonos, una más oscura para el fondo y otra más suave para la parte delantera de la mesa, en donde ha dejado una reserva de barniz con la que escribir el título en letras blancas. La luz ilumina la cabeza y los hombros del personaje que duerme, extendíéndose ligeramente a los búhos más cercanos, como si un foco de luz se hubiera centrado sobre su testa. Fue considerada peligrosa para la época por su mordacidad. Toda la sociedad es criticada por el artista: la educación, la religión, la nobleza, la prostitución y un largo etcétera, por lo que intervino la Inquisición. El sueño de la razón produce monstruos iba a presidir la serie en un principio, relajándose al número 43 en la edición definitiva. El pintor cae rendido sobre su mesa de trabajo, rodéándolo de una serie de animales, sus propios monstruos y fantasmas. Con esta imagen querría indicarnos cómo la razón libera sus fantasmas durante el sueño, a través del subconsciente, por lo que se supone un anticipo del Surrealismo.

Rayo de la Medusa, 1819 Géricault. Gericault, el francés del Romanticismo pintó este cuadro antes de los 30 y en él se puede observar de nuevo a ese artista incómodo plasmando el descuido del estado francés. El naufragio de Méduse fue por culpa de un capitán incompetente y enchufado, y debido a ello 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente. Todas ellas excepto 15 murieron durante 13 días de infierno en los que se sufríó hambre, deshidratación, asesinato y canibalismo.Como era de esperar, la pintura fue muy polémica. Una nueva forma de ver la pintura histórica en la que compositivamente se busca el caos intencionado en una estructura piramidal sobre una base inestable (el mar) En esta pirámide vemos un catálogo de sentimientos experimentados por los náufragos: de la resignación a la esperanza. Porque en mi opinión el tema principal de este cuadro es la esperanza (o falta de ella). A la izquierda está la muerte (emocional y biológica), pero a medida que ascendemos por esa pirámide vemos la luz, la vida representada por ese minúsculo barquito al fondo en ese amanecer entre la tormenta

Lluvia, vapor y velocidad, 1844 william Turner. La obra de Turner fue presentada en 1844 en Royal Academy de Londres, consiguiendo una excelente impresión entre el público londinense. El cuadro fue pronto grabado para convertirse en una de las primeras escenas de Turner conocidas en Francia donde tuvo una gran influencia, especialmente entre los impresionistas como Monet, también interesado en representar escenas con locomotoras. La verdadera protagonista de la composición es la luz que se filtra a través del agua de la lluvia. La luz, el vapor y la velocidad forman una mezcla perfecta para mostrarnos sus queridos efectos atmosféricos con los que consigue desdibujar todos los contornos, incluso el de la propia locomotora. Curiosamente, Turner ha empleado la locomotora como elementos de representación del vapor y de la modernidad, ya que la velocidad estaría caracterizada por una pequeña liebre que corre en la zona izquierda de la composición.-Los tonos claros son los habituales en la última etapa de Turner, empleando también algunos marrones para reforzar el contraste. Las pinceladas son rápidas y empastadas, adelantándose al impresionismo. Sin duda, nos encontramos ante una obra singular que anticipa ya la era contemporánea en la que el tren será algo más que un símbolo. -La vista está tomada hacia Londres y el puente que se contempla a la izquierda es el de la calle Taylor. La diagonal que organiza la composición es una influencia de Claudio de Lorena, utilizando esa diagonal para dirigirnos desde el primer plano hacia el punto de fuga.

La libertad guiando al pueblo, 1830, Delacroix. La “Libertad guiando al Pueblo” es el homenaje que Delacroix dedicó a los revolucionarios de París y presenta una escena la vez histórica y alegórica en la cual por primera vez, la historia contemporánea de Francia se incorpora a la representación pictórica ROMántica. Causó un gran escándalo, tanto por su temática dolorosa y violenta, como por su composición libre y colorista. -La composición es de estructura piramidal. El colorido en general es brillante, intenso y dramático. La figura de una joven y hermosa mujer que representa la libertad preside la escena; va con el gorro de la República y su vestimenta desgarrada deja su pecho al descubierto; su brazo derecho tiene la bandera tricolor y el izquierdo un fusil, camina sobre los restos de una barricada mientras el pueblo animado la va siguiendo. -La desolación es grande, ya que en primer término vemos a los heridos y cadáveres de los que han caído en el levantamiento. Junto a ella se presenta un hombre joven, con un sombrero de copa y levita, símbolo de la burguésía parisina, y sostiene un fusil con ambas manos. Detrás de esta figura se puede ver a un hombre del pueblo con espada. A la derecha del cuadro y junto a la libertad se ve a un muchacho, sosteniendo dos pistolas con ambas manos. -Como obra de arte de los sucesos de su época, la “Libertad guiando al Pueblo” es una obra más que notable. Es un ejemplo de primer orden de los ideales que hicieron del Romanticismo y un movimiento que abrazó la emoción artística. 
Amb quin context historicopolític relaciones l’obra La llibertat guiant el poblé(d’E. Delacroix?
Esta obra se enmarca dentro de las revoluciones burguesas, que se produjeron en Europa, después de la caída de Napoleón y como reacción al entorno del Antigua Régimen que la Restauración impuso a partir del Congreso de Viena en 1815.-Las luchas revolucionarias a favor del liberalismo y nacionalismo caracterizan esta obra y la ponen en el contexto histórico. Los pintores ROMánticos se sentían identificados con dichas obras, porque simboliza la uníón de los que no son privilegiados, en una lucha por su libertad.

Los fusilamientos del 3 de Mayo, Goya. Esta obra es un óleo sobre lienzo, representa un hecho histórico. Concretamente los fusilamientos que tuvieron lugar en la madrugada del 3 de Mayo de 1808 en la montaña de Príncipe Pío, a las afueras de Madrid. Este acontecimiento, tuvo lugar como represalia por parte del ejército napoleónico por el levantamiento popular que tuvo lugar el día anterior en las calles de Madrid y que también reflejó Goya en su obra «El dos de Mayo» o «la Carga de los mamelucos». La escena se desarrolla durante la noche, y la escena está iluminada por un gran faro situado entre el pelotón de ejecución y el grupo de los condenados. Este recurso de la luz permite que el pelotón permanezca en penumbra mientras que la luz ilumina de manera dramática el grupo de los condenados a muerte, en especial el hombre de camisa blanca que levanta los brazos, así como el grupo de cadáveres que yacen en el ruedo sobre un gran charco de sangre. -Respecto a los colores, Goya reduce la paleta cromática básicamente a tres colores; grises, ocres y blancos lo que acentúa el trágico momento representado. Sólo el hombre de la camisa blanca y pantalón amarillo aporta una nota de color dándole el mayor protagonismo de la obra a su gesto heroico a la hora de afrontar su destino. Los soldados forman una diagonal dando la espalda al espectador de manera que nos quedan ocultos sus rostros en un deseo del pintor de deshumanizar a los verdugos mientras que los ejecutados, los auténticos protagonistas del cuadro muestran toda una amplia gama de reacciones frente a su trágico destino. Así unos afrontan dicho destino con valentía como el hombre que levanta los brazos, otros dedican ese último instante a la oración como el fraile que está a su derecha, otros con rabia parecen querer enfrentarse por última vez contra sus enemigos como el hombre que levanta el puño, mientras los hay que se muerden los nudillos con horror, como el hombre del fondo que espera su ejecución o los que tapan sus ojos para no ver lo que sucede. -Respecto a la técnica, Goya hace alarde aquí de una pincelada muy suelta, larga, dándole mayor protagonismo a la mancha de color con finalidad expresiva que a la línea del dibujo. Por otro lado, Goya hace uso del recurso de la perspectiva aérea, de manera que las figuras que aparecen más próximas a nosotros lo hacen más nítidas que el paisaje del fondo, en penumbra y más difuminado, en el que reconocemos el cuartel del Conde-Duque próximo a la montaña de Príncipe Pío.

Què són els Capritxos?
En 1799 se publicó la primera serie de grabados de Francisco de Goya. Se trataba de una colección de 80 estampas de “asuntos caprichosos”, que el pintor había ido haciendo a lo largo de esa década. A través de esta colección Goya exprésó lo que pensaba y sentía como hombre ilustrado sobre la sociedad española de finales del Siglo XVIII. Lo hace, en ocasiones, a través de dibujos realistas y, la mayor parte de las veces, por medio de imágenes fantasiosas más o menos delirantes.-Hasta la muerte, de Francisco Goya, capricho número 55. Se publicó en 1799. -La técnica artística es expresionista, deformando fisonomías y cuerpos humanos para dar aspecto bestial a los vicios y torpezas humanas. Según palabras del propio Goya no estaba en su ánimo ridiculizar a ningún individuo concreto, aunque desde el momento de su publicación ya hubo quien quiso ver en algunos de los personajes a figuras del momento. Las escenas son aparentemente cotidianas pero en escenarios tenebrosos, donde la luz crea ambientes irreales para acentuar el mensaje, y con seres monstruosos, brujas, prostitutas, duendes, frailes…

explica los dos pintores más importantes Inglaterra. -Anglaterra: Turner i Constable – En los últimos años del Siglo XVIII, Inglaterra aporta su contribución a la pintura del paisaje ROMántico a través de las figuras de constable y turner. -Los paisajes de Constable transpiran autenticidad y verdad. Están llenos de manchas de colores y se preocupan sobre todo por captar los efectos de la luz y las condiciones atmosféricas a través de una técnica rápida y precisa.-La obra de Turner expresa preocupación por el color y la luz, que utiliza de forma revolucionaria al representar los medios por los que el color parece propagarse a través de la atmósfera: niebla, vapor y humo. Con su obra ‘’lluvia vapor y velocidad’’ se convierte en abanderado de la pintura moderna. Viajará por Europa, donde le influirá la tradición del paisajismo clasicismo. En cuanto al color, acude al círculo ROMántico que ya intuyó Delacroix.

El ROManticismo es un movimiento artístico, político, social e ideólogo que surge en Inglaterra y Alemania a finales del s XVIII, nace en contraposición al cálculo y harmonía de las normas neoclásicas y el Racionalismo de la ilustración, prioritando a los sentimientos. En cuanto al contexto histórico, se produce en Europa una serie de acontecimientos revolucionarios que marcan el inicio del nuevo orden social. La revolución industrial situaba a los ideales liberales y significaba en auge burgués, la América carecía de los derechos individuales y la Francesa proclamaba la libertad, igualdad y fraternidad de los pueblos.

25. carácterístiques Romanticisme Nacionalismos: manifestaciones genuinas del alma de los pueblos. La nostalgia de paraísos perdidos.  La obra imperfecta, inacabada y abierta. La Edad Media como inspiración.Rebeldía: el ROMántico lucha contra lo establecido. Evasión en el tiempo: rechazan la sociedad de su época y vuelven a épocas pasadas. Evasión a otros lugares: fascinación por lugares exóticos. Expresan sus emociones exaltadas a través de una naturaleza salvaje. Importancia de lo misterioso y lo sobrenatural. Utiliza diferentes técnicas: óleo, acuarelas, grabados y litografías.La pincelada es libre, viva y con expresividad. Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, líberándose las formas y límites definidos.

pintures negres?
Se conoce como pinturas negras a la serie de obras murales realizadas por Francisco de Goya entre los años 1819 y 1823. Se trata de pinturas al óleo sobre una superficie de revoco ubicada en su palacete la Quinta del Sordo. Los murales se trasladaron al lienzo y hoy en día las obras están expuestas en el Museo del Prado.- Es comúnmente aceptado que las circunstancias de Goya influyeron en gran medida en la producción de las obras mencionadas. A este respecto, cabe destacar su segunda gran enfermedad que lo debilitó y lo acercó a la muerte, o su segundo gran ciclo bipolar.-Pero más allá de la proyección sentimental y la perspectiva sociologista de las luces y sombras de las ideas revolucionarias, las pinturas negras de la Quinta del Sordo ofrecen una obra de difícil análisis estético.-Los efectos de luz sobre las telas y la piel de los personajes en juego con las sombras de los fondos, producen una sensación de marcado pesimismo en consonancia con un espacio irreal, enigmático y aterrador. Es importante notar cómo Goya representa los grupos de personas con una percepción unitaria, de manera que el conjunto adquiere una identidad específica.-El orden temático de Goya interpreta lo popular y confiere un carácter impresionista a su arte. Las pinturas negras exploran las dimensiones estéticas de lo feo y lo terrible.