Vemos una luz muy clara (veronés) que da reflejos plateados en las telas (túnica de la virgen)
. También de veronés deriva en la túnica anaranjada que vemos en el apóstol en primer plano que esta arrodillado y el amarillo con azul agrisado frio plateado que es una figura fuertemente escorzada. Fuertes escorzos en primer plano para darnos la profundidad. A partir de ahí líneas hacia arriba y diagonales que nos llevan a la virgen.

CORREGGIO, Alegoría de la virtud, 1532-34:

Tenemos que sustituir el sepulcro por la figura de la virtud, entonces tenemos una figura sentada de la que aparece un pie. No hay relación entre el rompimiento de gloria y la parte baja: Corregio deja que aparezcan los rompimientos de gloria pero sin unir las dos partes (Renacimiento).

APARICIÓN DE LA VIRGEN A SAN LUCAS Y A SANTA CATALINA, A. CARRACI, 1592

Aparece Lucas, con su símbolo (huye, santa catalina, y después el rompimiento de gloria de la virgen acompañada por los cuatro evangelistas. Es un cuadro de inmensas dimensiones, firmada y fechada. Se le encargo en 1589 por el colegio de notario para su capilla en la catedral de regio Emilia. Bellori dice que hubo que sacarla de la capilla a la que había sido destinada porque la pintura había resultado oscura y llevarla al coro. Es oscura porque toda la parte superior tiene esa luz dorada que crea un sombreado oscuro (Corregio). Usa fundamentalmente el color rojo, que pierde luz en el ámbito oscuro. Que como centro luminoso el paisaje, con una luz muy clara y fría en contraste con el resto del cuadro. Se dan las sagradas conversaciones: virgen, niño y santos. Tenemos las tres figuras en completo movimiento con fuertes escorzos que han generando un movimiento interior en toda la composición, de san matea- catalina y la virgen. Movimiento de gestos y de miradas que nos hacen girar sin parar. Es el movimiento propio del Barroco, además hay que ver cuál es el punto de vista del cuadro: la santa mira hacia abajo, por lo que tendríamos que estar abajo y nos obliga a subir a la virgen que mira al apostal que abre sus brazos enseñándonos todo el milagro de ahí volvemos a pasar a la santa. Movimiento de fuera hacia adentro y en el interior del cuadro continuo. La figura de Lucas es una figura vulgar, es un hombre vestido con su túnica, fuerte, en cambio, santa catalina con el rostro delicado (barocci) y luego la virgen en un contraposto durísimo. Busca un movimiento abierto de telas y de todo el cuerpo. La luz da diferente según la zona: figuras masculinas en las túnicas vemos una luz envolvente porque es una tela que se pega al cuerpo sin plegados (si hay plegados hay reflejos). Tenemos el manto de Lucas con los tonos plateados en los plegados, tono plateado en el rojo de la virgen y en las mangas de santa catalina, de esa manera el artista con tres toques de luz nos llama la atención de esas figuras. Figuras muy dibujadas.
Precedentes:
RAFAEL, la Madonna de foligno, 1512, sagrada conversación.

Época en la que Rafael empieza a adquirir carácterísticas manieristas: rompe el triangulo equilátero que veíamos en sus vírgenes del periodo florentino. Al llegar a Roma comienza a entrar en el manierismo y su virgen, en vez de ser Fontal, muestras esa inestabilidad que rompe la simetría del triángulo equilátero. El niño (manierismo) sube y baja, es un niño miguelangelesco (piernas rollizas, musculoso). Lo importante es la inestabilidad.
La virgen con el niño es el eje, y a los lados los santos protectores con el donante. Simetría absoluta. El fondo es un telón donde la luz es una luz lunar: los ángeles están en blanco, permite que las figuras estén mucho más dibujadas y sean más nítidas. Al mismo tiempo es lo que se les acusa a los romanos: color con falta de tono, zona iluminada con zona oscura. Muestra de unir unas figuras a otras, pero siempre hacia abajo.

TIZIANO, Virgen en la gloria con santos Francisco y Alvise y donante, 1520:

La inestabilidad se hace más acentuada. Virgen más humanizada. Introducido por él. Virgen que es una mujer sentada en una nube que va hacia una dirección contraria. Movimiento más espontáneo. Contrastes violentísimos entre luz y sombra, al ser una luz dorada los tonos se vuelven más intensos y violentos.

CRISTO EN LA GLORIA Y SANTOS, A. CARRACI 1597-1598,

Esta obra está relacionada con el que va a ser su gran protector a partir de 94-05, el cardenal odoardo farnese, es el hermano de ranuccio farnese, ambos hijos de Alejandro farnese. Odoardo en el año 91 es nombrado cardenal, se traslada a Roma y se establece en el palacio farnese. El palacio se había terminado, pero no su decoración. Entonces llamara a los Carracci, que habían trabajado ya con el Parma. La figura del donante forma parte de esa sagrada conversación. Aparece con la muceta roja de cardenal y protegido por san Eduardo, y frente a él san Hermenegildo. Detrás santa catalina, que aparece siempre. La composición es la misma que las anteriores. División entre las dos partes, figuras en primer plano, monumentales, bien dibujadas pero con un cromatismo más variado y tonal que el que se trabaja en Roma. Sigue con esas tonalidades un poco blanquecinas. En el fondo nos recuerda los celajes de atardecer que hacia Corregio. Coloca en el entro l vaticano. Nos sirve para marcar el punto de fuga de la composición, siguiendo también la composición geométrica del Renacimiento. Juego también con la luz. Vamos a ir alternando zona de luz y zona de sombra, a base de esa alternancia nos va llevando hasta el foco final, introducíéndonos personajes, casas, que también nos marcan la diferencia de proporción de las imágenes a medida que nos alejamos. En la parte de arriba vemos la figura de Jesús concebida de forma inestable, con una pierna más baja que al otra, para aparecer escorzadas, así como las de San Pedro y san Juan bautista.

·Pintura mitológica

Estilo indefinido. Años después, 1590 los frescos del palacio magnani, Bolonia, donde siguen trabajando los tres sobre historias de Rómulo y remo. Cabe destacar la estancia que va a realizar en Venecia año 87-88.