El pensador

El autor de esta obra es August Rodin y la crea en el año 1880 – 1900. Es una escultura exenta (sedente) y esta echa de bronce, su altura es de 198cm. y pertenece al estilo postimpresionista. Se localiza actualmente en el museo de Rodin (Paris) y tiene un tema simbólico. La técnica que se utiliza es de bronce fundido. La escultura nos presenta a un hombre sentado que está haciendo la acción de pensar. Otras obras: El beso y la puerta del infierno.

Análisis formal: Inicialmente esta figura estaba concebida como una obra formada, en la parte de arriba de la puerta del infierno que no se realizó. El pensador en realidad era Dante mirando al infierno. Se realizó al final como una escultura independiente y representa un desnudo exagerado de pies a cabeza (sobretodo manos y pies), es una figura cerrada en sí misma, con la mano izquierda encima de las rodillas y el codo derecho apoyado en la pierna izquierda apoyando la cabeza, hay que destacar las fuertes sombras de la imagen debido a la superficie inacabada, poco pulida.

Ritmo: Todo y que la posición es sentada y nos transmite una sensación de reposo, también captamos una tensión física que transmite la acción de pensar, su cuerpo, la poderosa musa, son hechos visibles del movimiento interior, movimiento en potencia, igual que las figuras de M. Ángel.

Tiempo: Todo y que tenía que representar un personaje concreto, la figura de Dante, la escultura es la imagen de un hombre pensando. Es un momento anecdótico con una voluntad de eternidad. Un hombre pensando que se eleva por encima de su condición animal y que da luz a sus pensamientos. Es un icono que representa o expresa el pensamiento torturado ante el trágico destino de eternidad.

Estilo: Postimpresionista, es una escultor difícil de catalogar, uno de los grandes escultores de la historia (junto con M. Ángel) porque fue un renovador de la escultura y su obra sobrepasa los límites. Se cataloga por impresionista porque de alguna manera intenta plasmar la vibración atmosférica en un juego de luces con el que consigue que la luz juegue con la superficie inacabada. Como hacen los pintores impresionistas. Roden quiere dar una sensación a la obra como si no estuviera dibujada, no define mucho las líneas y nos da la sensación de una escultura inacabada. Roden será un artista muy destacado junto con M. Ángel.

Interpretación: El tema es un hombre en la acción de pensar, pero lejos de lo que iba a ser al principio (una escultura en la puerta del infierno) Dante pensativo (pantocrátor). Está muy influenciado por M. Ángel  de su tratamiento de las obras expresivo, atormentado, formas inacabadas (ej. el Moisés). Admira esta vitalidad, sus obras parecen figuras con sentimiento, vivas. Roden se inspirará para la obra de las puertas de infierno en la obra sepulcro de Lorenzo Medici de M. Ángel

Recepción: Agosto de 1880 recibe un encargo gubernamental donde tenía que realizar una puerta para el museo de las artes decorativas de Paris, cosa que finalmente no se llevó a cabo y en vez de ello se creó la estación de Orleans de hoy en día. Entonces lo que Roden había creado para la puerta se abandonó en su taller durante 37 años. Se rescatan algunas esculturas independientes a la puerta.

Función: Es la unión de todos sus sentimientos, ideas… que seguramente son el fruto de una necesidad de expresar el pensamiento torturado del trágico destino de la humanidad y si nos centramos en la puerta, expresa una idea simbólica de lo que hay más allá de la muerte. Algunos historiadores dicen que su pareja, que era su modelo, amante, musa y colaboradora podría haber realizado muchas de las obras que hoy en día se le otorgan a Roden. (Camille Claudel)

El crido:

El autor de la obra es Edvard Munch y dibuja este cuadro en el 1893 utilizando la técnica de olio sobre cartón (91 x 73). Este cuadro pertenece al estilo postimpresionista o expresionista y se localiza en la Galería Nacional (Oslo). Otras de sus obras fueron Madona y La niña Enferma.

El principal protagonista es un personaje que se coloca las manos a la cabeza con la boca muy abierta y el rostro desencajado y su cuerpo contorsionado. El paisaje es una puente sobre que encontramos dos personajes y una playa de líneas onduladas, como trasfondo que marca la figura.  Este cuadro había sido robado en el 2004 y devuelto y se le valora en 100 millones.

Análisis: La línea dominante es la curva que da una sensación de dinamismo y nervosismo. Hay que destacar la línea recta y diagonal de la barandilla de la pasarela que pone en evidencia la soledad de la figura y el vacío del espacio que lo envuelve. El dibujo es aparentemente descuidado y de trazos mal hechos. El color, la pincelada es amplia y el autor utiliza tonos agresivos y irreales que refuerzan la idea de este agobio vital. Hace uso de contrastes extremos (cromatismo) tiene mucha influencia de Gauguin en cuando el uso de colores puros (azul, amarillo, rojo). Hay que señalar los colores rojos y amarillos del cielo y una parte amarilla en la cual se puede intuir dos barcos. El contraste es muy fuerte.

Tiempo: Plasma los sentimientos del artista referencial, pero a la vez plasma los terrores y el esfuerzo del hombre moderno. Confía en la ciencia y la razón, pero sigue con un agobio existencial.

Ritmo: llena de movimiento en la que se nota un dinamismo muy grande en el cielo, mar (se ondula por el grito, ondas) y no solo percibimos esa sensación de nerviosismo, sino que el sentido del oído capta hasta el angustioso grito. Las ondas sonoras parecen salir del cuadro e invaden el espacio.

Autor y estilo: El autor tiene un estilo muy personal donde se mezcla el impresionismo de sus primeras etapas en el cual contacta con Gauguin y una segunda etapa que la caracteriza como expresionista. Se va a Alemania (Berlín)  donde contacta con un grupo conocido como Jinet Der Blaue Reiter donde estaba, entre otros, el pintor ruso Kandinski. Expresionismo es un movimiento alemán que surge en principios del siglo XX como una de las vanguardias históricas. Surge como una reacción contraria al impresionismo. Los expresionistas quieren la visión interior del artista y hacer obras más personales e intuitivas, otras características del expresionismo son los colores videntes y la miseria y agobio de sus cuadros. Munch era una persona que tenía problemas psicológicos y por este motivo estuvo en un internado, centros psiquiátricos. Tuvo una vida familiar muy estresada. Es un autor que utiliza muchas técnicas artísticas, le gusta investigar (litografía, gravados y etc.)

Interpretación: El tema es la representación de una figura que chilla mientras pone las manos a la cabeza con un paisaje y dos figuras paseando detrás. El dibujo, color y la composición están subordinados al estado del ánimo del artista. Este cuadro se ha relacionado con una figura que posiblemente sirvió de inspiración, la momia peruana.

Entierro en Ornance:

El autor es Gustave Courbet y fue hecha en entre los años 1849-1850. La técnica que utiliza el autor es olio sobre tela y mide 3, 15 x 6, 68 m. Es del estilo realista. Hoy en día se encuentra en el museo Dorsé de Paris. Otras de sus obras fueron El taller del pintor y Origen del mundo.

Este cuadro nos muestra le entierro de una vecino del pueblo Ornance, donde las personas que asisten a este acto no muestran el dolor que deberían. Courbet representa la escena con un realismo tal como es, con una certeza provocadora.

Análisis: se utiliza el color por encima de la línea, el dibujo tiene menos importancia que el color. Se le considera un precursor del impresionismo y admirador de Velázquez y etc. Desvuelve los  pigmentos en el óleo en un aceite de linaza de forma que con esta técnica consigue muchos efectos pictóricos y rectificaciones (pentimentis) la tonalidad es recudida, utiliza el ocre, marrón y negro que predominan muchísimo. Destacan el blanco del “gasullas” del cura y de los “plañideras” y el rojo de las altas jerarquías. La tonalidad verdosa y gris domina el fondo. La luz es tenue, no está iluminada la escena, no le quiere dar dramatismo. La parte de izquierda aparece iluminada y utiliza un claroscuro para contrastar la imagen (esto, era una influencia de Rembren y Carvaggio). El cuadro es como un friso y las figuras están colocadas en posiciones verticales. Al fondo vemos una línea horizontal como un paisaje, pero hay unos elementos que rompen con esa horizontalidad como por ejemplo el crucifijo y sobre todo el agujero el agujero de la tumba, que divide la escena en 2 partes. Los personajes están agrupados sin ningún tipo de jerarquía. El tiempo es referencial porque es un entierro. El ritmo es estático, no representa ninguna actividad.

Autor y estilo: el estilo es realista que surge en una etapa de la expansión de la ciencia en la mitad del s.XIX y que coincide con la aparición de las primeras fotos de los años 30. Courbet se inspira en muchos autores Barrocos, pero en realidad el padre del estilo realista es Millet. Las características de este estilo son: la plasmación de la realidad tal como resultado de la expansión de la ciencia.  Courbet pertenece a la Burguesía que se dedica a la pintura y que es considerado una persona crítica e irónica. El tema es la muerte de un vecino que no parece emocionar a los asistentes, delante de todo parece un perro como una voluntad de colocar a un perro donde no tiene que estar (símbolo de no jerarquía).

Significado: Los personajes son los habitantes del pueblo. La temática es innovadora porque concede una grandiosidad a un acto natural, a una persona anónima. La teatralidad de la ropa contrasta los rostros mientras que las caras no. En el año 1865 se intenta exponer en la exposición universal de Paris, pero será rechazado.